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APPEL A COMMUNICATIONS : L’imaginaire méditerranéen à l’épreuve des crises des années 2010. La contribution des artistes plasticiens du Maghreb à la Turquie, Congrès du GIS Moyen-Orient et mondes musulmans, 3-5 juillet 2019, Paris — LIMITE : 15 décembre 2018

Responsable scientifique : Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des migrations

Les artistes des avant-gardes occidentales du 19e et du 20e siècles se sont saisis de l’espace et de l’imaginaire méditerranéens comme motifs d’expérimentation plastique et d’expression d’une singularité artistique. Traversés par les crises politiques, géopolitiques, économiques et migratoires des années 2010, cet espace et cet imaginaire connaissent un véritable bouleversement. Cet atelier se propose de réfléchir à la manière dont le régime de représentation instauré par la modernité artistique d’Occident est transformé par le regard, l’expérience et le travail des artistes plasticiens actuels des ou issus des pays du sud et de l’est méditerranéen. On y verra comment l’évolution socio-politique de ces pays a modifié les représentations et l’imaginaire méditerranéen, à partir de l’étude des thèmes abordés, des manières de faire, des échanges et du rôle de l’art au sein des sociétés. En retour, on s’intéressera à la manière dont l’analyse des pratiques artistiques de la région permet d’identifier ce changement de régime représentationnel et de spécifier ce moment historique.

Envoi des propositions, au plus tard le 15 décembre 2018, à pe.yavuz@gmail.com en indiquant vos nom, statut, rattachement institutionnel, titre de l’intervention et abstract de 500 mots.

Veuillez noter qu’il n’y a pas de fonds prévus pour les frais de voyage et d’hébergement. Des frais d’inscription minimes sont demandés par le GIS pour les frais d’organisation du congrès.

Calendrier

  • Date limite d’envoi des propositions : 15 décembre 2018
  • Réponses : 17 décembre 2018
  • Un travail collectif s’effectuera au long de l’année afin de préparer au mieux l’atelier.

Comité scientifique

  • Alain Messaoudi, Université de Nantes
  • Claudia Polledri, Université de Montréal
  • Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Histoires de l’art dans le monde musulman (Maghreb et Moyen Orient, XIXe-XXIe siècle)

Légende : Djamel Kokene-Dorléans, Tajmaât, installation, 2010, Rennes.
Dans cette installation, Djamel Kokene-Dorléans déplace le dispositif traditionnel de la tajmaât (« assemblée »), une structure collective citoyenne usitée dans le centre et le nord de l’Afrique, pour l’installer dans le contexte d’une manifestation artistique (Biennale de Rennes). Par ce geste, l’artiste questionne ce qui fait communauté dans sa relation à l’espace.

Responsables

Alain Messaoudi, Silvia Naef, Fanny Gillet, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Informations pratiques

  • 1er et 3e vendredi du mois, 15h à 17h
  • IISMM, salle de réunion, 1er étage, 96 bd Raspail 75006 Paris

Présentation

C’est à travers nos expériences de recherche et en analysant les résultats de nos travaux que nous poursuivrons cette année notre enquête sur l’élaboration et l’écriture des histoires de l’art dans et sur le Maghreb et le Moyen-Orient, en conservant les axes problématiques que nous avons déjà dégagés. Dans quelle mesure nos recherches entrent-elles en écho ou en discordance avec les histoires de l’art produites à l’échelle nationale dont nous avons travaillé à identifier les acteurs et les usages, à travers les mouvements d’indépendance, le panarabisme ou le processus de mondialisation ? Comment s’inscrivent-elle dans le contexte actuel de réévaluation des modernités extra-occidentales auquel prennent part de nombreuses institutions muséales en faisant usage de l’histoire globale et des études postcoloniales, non sans écueils (formes d’assignations, détermination occidentale des conventions esthétiques sous couvert d’universalisme…). Se construisent-elles en dialogue avec des artistes vivants ? Participent-elles à des processus de patrimonialisation, quand se pose la question de la conservation des œuvres et des archives, et celle de leur accessibilité dans un moment historique traversé par les conflits, et où les productions artistiques sont au cœur du débat public sans constituer pour autant une priorité politique ? A travers ces questions, nous dégagerons les éléments d’un panorama historiographique.

Programme

16 novembre 2018

Introduction générale.

Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Les anthologies de Halil Altındere et Süreyyya Evren, une histoire critique de la Turquie contemporaine

Artiste phare de la scène artistique d’Istanbul des années 1990, Halil Altındere y joue un rôle fédérateur qui s’exprime par de nombreux projets éditoriaux collectifs qu’il conçoit comme des espaces de débat et de réflexion artistique. La revue, les monographies et les anthologies, qu’il édite avec sa maison d’édition Art-ist, participent également de l’ambition revendiquée d’écrire une histoire de l’art contemporain en Turquie. A y regarder de plus près, les choix artistiques opérés semble témoigner d’une autre ambition, non avouée celle-ci, qui interpelle le spectateur non seulement accoutumé au pays mais aussi animé par un regard politique. Cette ambition, qui constitue mon hypothèse, est celle de la production d’une histoire critique de la Turquie contemporaine. Pour mettre en lumière cette double lecture historique — de l’art et du temps présent —, j’étudierai les anthologies de l’art contemporain turc qu’Altındere élabore avec l’auteur et théoricien Süreyyya Evren.

7 décembre 2018

Entretien avec l’artiste Djamel Kokene-Dorléans, animé par Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Artiste d’influence conceptuelle, Djamel Kokene-Dorléans développe une œuvre protéiforme depuis le tournant des années 2000, qui évolue à travers l’installation, la sculpture, la vidéo, le dessin, la peinture et la performance, jusqu’à un dépassement des limites de ces catégories artistiques. Il intègre ainsi à sa pratique le dispositif du forum sous différentes variantes (l’exposition avec Laplateforme, 2002-06, l’enseignement avec L’École mobile, 2006-, et l’édition avec la revue Checkpoint, 2006-) comme autant d’espaces de dialogue interdisciplinaire, d’expériences collectives et de co-création. Les préoccupations de Djamel Kokene-Dorléans sont nombreuses : les notions de collectif, de culture et de mondialisation s’articulent à une réflexion profonde sur le rôle de l’art, du langage et des représentations.

21 décembre 2018

Alain Messaoudi, MCF Université de Nantes

Paris et les artistes tunisiens aux lendemains de la Seconde Guerre mondiale

A partir du cas de Abdelaziz Gorgi (1928-2008), à qui une exposition rétrospective sera consacrée en décembre à Tunis, je voudrais entamer une réflexion sur le sens qu’a pu avoir le séjour à Paris pour les artistes tunisiens aux lendemains de la Seconde Guerre mondiale. Du fait de l’instauration de bourses et de prix soutenus par les autorités du protectorat français en Tunisie, le séjour à Paris s’est imposé à partir des années 1930 comme une expérience ordinaire pour les jeunes artistes destinés à devenir les principales figures du monde de l’art en Tunisie. Que sait-on de ces expériences parisiennes ? Ont-elles eu un impact sur leurs engagements futurs, socio-politiques et artistiques ?

18 janvier 2019

Claudia Polledri, Chercheuse postdoctorale, Département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques, Université de Montréal

La figure du « témoignage » dans l’art contemporain libanais : pratiques, objets et mise en récit.

Comment l’art contemporain libanais a intégré la dimension testimoniale en la déclinant sur le plan visuel? Quels sont les points de contact et les écarts avec les pratiques de l’histoire orale ? Peut-on parler “d’objet-témoin” et dans ce cas, dans quels termes? À partir des oeuvres des artistes libanais Hadjithomas et Joreige et Lamia Joreige il s’agira de proposer une réflexion sur l’utilisation du témoignage dans le cadre des pratiques et d’en évaluer la portée si bien sur le plan artistique qu’historien.

25 janvier 2019

Silvia Naef, Professeure ordinaire, Université de Genève, département d’arabe

‘Dire’ la guerre à travers les arts visuels dans le monde arabe

Le monde arabe a été fortement marqué, dans les dernières décennies, par l’expérience de la guerre. Chez les artistes contemporains, cet état des choses est bien présent, ainsi qu’il l’est dans le cinéma ou la littérature. Moins connue est la manière dont les artistes modernes, dont l’approche a souvent été critiquée comme relevant du « décoratif », ont donné une forme visuelle aux conflits et dans quel cadre ces œuvres ont été montrées – ou non – dans des pays à régime autoritaire.

1er février 2019

Fanny Gillet, doctorante, Université de Genève, Unité d’arabe

Enjeux esthétiques et politiques de la mobilisation artistique durant la « guerre civile » algérienne (1992-1999)

Alors qu’aujourd’hui un certain nombre d’artistes contemporains algériens s’intéressent au sujet de la guerre civile à travers la mémoire qu’ils ont de l’événement, le discours sur la production des artistes actifs durant cette période est traversé par l’idée de « crise de la représentation ». Il s’agira alors de comprendre comment la crise politique affecte le monde de l’art dans ses modes d’action et participe à redéfinir le rôle social de l’artiste. A partir de l’exemple de la création de la Fondation Ahmed et Rabah Asselah, je m’attacherai donc à montrer dans quelle mesure le contexte contribue à rendre plus évidente l’articulation des outils de la profession avec le registre du politique.

15 février 2019

Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Les pionnières de l’art contemporain en Turquie

Abstract à venir

1er mars 2019

Présentation de travaux d’étudiants

15 mars 2019

Zouina Ait-Slimani, Doctorante, ENS-Ulm

Titre à définir

Abstract à venir

5 avril 2019

Claudia Polledri, Chercheuse postdoctorale, Département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques, Université de Montréal

Camera orientalis : pour une histoire de la photographie dans le monde arabe. La contribution d’Akram Zaatari et de la « Fondation arabe pour l’image ».

Membre fondateur de la Fondation arabe pour l’image (1997), l’artiste libanais Akram Zaatari ne cesse, par le biais de son travail artistique, d’exploiter les archives photographiques de la Fondation dont il se propose retracer l’histoire. À partir de l’étude de sa dernière exposition, Against photography. An annotated history of Arab Image Foundation (2017), il s’agira d’entamer une réflexion sur la contribution que l’oeuvre de Zaatari apporte aussi à l’écriture d’une histoire de la photographie dans le monde arabe et d’interroger les modalités de sa construction.

19 avril 2019

Silvia Naef, Professeure ordinaire, Université de Genève, département d’arabe

Entre écriture et abstraction – les débuts parisiens de la hurûfiyya

C’est à partir du manifeste du groupe « Une seule dimension » (1971), qui conférait des assises théoriques à la hurufiyya, que cette tendance a connu un véritable succès dans l’ensemble du monde arabe, jusqu’à devenir le seul mouvement artistique panarabe. Cependant, les premières expérimentations autour des lettres arabes ont lieu  – à Washington – et surtout à Paris dès les années 1950, dans un contexte déjà fortement marqué par la contestation de la modernité telle qu’elle s’était construite à partir du début du 20ème siècle, ainsi que par la remise en question, chez Georges Mathieu notamment, des fondamentaux de l’art occidental issu de la Renaissance. Ici, on se posera la question des éventuelles interactions de ce contexte parisien avec les prémisses de la hurufiyya.

3 mai 2019

Alain Messaoudi, MCF Université de Nantes

L’impact de l’instauration du protectorat français sur les usages de la peinture et de la sculpture en Tunisie

17 mai 2019

Kirsten Scheid, associate professor of anthropology in the Department of Sociology, Anthropology, and Media Studies at American University of Beirut

Looking Over Our Shoulders: On the Practical Uses of Art to Condemn Anticipated Audiences ou What If We Start with the Art? An approach to political studies through artworks

24 mai 2019

Attention : la séance a lieu dans la salle des étudiants de l’IISMM.

Kirsten Scheid, associate professor of anthropology in the Department of Sociology, Anthropology, and Media Studies at American University of Beirut

Self-Civilizing Missions – Deciphering the Sudden Obligation to Learn Art in 1930s Lebanon

7 juin 2019

Fanny Gillet, doctorante, Université de Genève, Département d’arabe

Du discours à la représentation : analyse du paradigme social de l’art dans l’Algérie indépendante (1960-1970)

21 juin 2019

Séance des étudiants (à confirmer)

A venir : dossier « Faire histoire », en partenariat avec Transverse, anthologie de l’art contemporain

L’équipe Arvimm  et la plateforme numérique Transverse, Anthologie de l’art contemporain s’associent pour publier un dossier intitulé “Faire histoire”.

Ce dossier s’appuie sur la programmation du séminaire Histoires de l’art dans le monde musulman (Maghreb et Moyen-Orient), XIXe-XXIe siècle (2017-18) qu’organise l’équipe Arvimm à l’Institut de l’étude de l’Islam et des sociétés du monde musulman (IISMM), à l’École des hautes études en sciences sociales (EHESS). Dans Transverse on retrouvera ce dossier, publié au fil des quatre dernières séances du séminaire, d’avril à juillet, sous forme de pages reliées par une navigation interne. L’indexation associée aux pages permettra de mettre en regard les significations véhiculées par certains termes et les positionnements artistiques et idéologiques dans une histoire de l’art en construction.

Quatre artistes, Halim Karabibène, Ali Cherri, Massinissa Selmani et Mustapha Sedjal détaillent les rapports qu’ils entretiennent dans leurs œuvres avec l’histoire. Ces artistes originaires d’Algérie, de Tunisie et du Liban abordent des événements historiques aussi divers que les débats autour de la création d’un musée d’art moderne et contemporain en Tunisie, la déportation de Louise Michel en Nouvelle-Calédonie et son voyage en Algérie, la vie du gardien d’une nécropole néolithique dans le désert de Sharjah, ou réactivent les événements de la guerre d’indépendance en Algérie par le prisme de la mémoire familiale.

Ils construisent des modes narratifs où micro-histoire et dynamiques nationales, postcoloniales, migratoires offrent un regard inattendu sur des récits historiques trop souvent figés. Pour l’Arvimm et son travail autour de la construction des histoires de l’art de Moyen-Orient et du Maghreb, le regard de ces artistes est une invitation à mesurer notre propre pratique de l’histoire.

Ateliers doctoraux des Arts Visuels au Maghreb et au Moyen-Orient — XIXe-XXIe siècle (2ème session), “Moderne” et “contemporain” : usages et enjeux historiographiques comparés — 12-14 février 2018, Institut d’Étude de l’Islam et des sociétés du monde musulman, École des hautes études en sciences sociales, MNAM-Centre Georges Pompidou, Paris

Histoires de l’art dans le monde musulman (Maghreb et Moyen-Orient), XIXe-XXIe siècle – 3ème Année

Image à la une : Mustapha SEDJAL, « Être et temps », Projet La Question…!, Vidéo 2mn, 2017, Exposition L’art Algérien entre deux rives / Maison des Arts, Antony.

IISMM, salle de réunion, 1er étage, 96 bd Raspail 75006 Paris, 15h à 17h

Pour poursuivre notre enquête sur l’élaboration et l’écriture des histoires de l’art dans et sur le Maghreb et le Moyen-Orient, nous approfondirons les trois axes déjà dégagés en 2015-2016.

Il s’agit dans un premier temps de rendre compte des histoires de l’art produites nationalement, et d’en identifier les acteurs et les usages. Nous tenterons de mettre en lumière les dynamiques régionales à l’œuvre et leur inscription dans des processus politiques tels que les mouvements d’indépendance, le panarabisme ou la mondialisation. Un deuxième axe abordera le contexte actuel de réévaluation des modernités extra-occidentales auquel prennent part de nombreuses institutions muséales à l’aune d’outils théoriques tels que l’histoire globale et les études postcoloniales et culturelles, non sans écueils (formes d’assignations, détermination occidentale des conventions esthétiques sous couvert d’universalisme). Cet axe appellera à des comparaisons internationales. Un troisième axe abordera la dimension patrimoniale de la production des histoires de l’art, à travers la question de la conservation des œuvres et des archives, de leur accessibilité dans un moment historique traversé par les conflits, où les productions artistiques sont au cœur du débat public sans constituer pour autant une priorité politique.

Le premier semestre sera consacré à des présentations de chercheurs, puis quatre artistes seront invités afin de nous présenter la manière dont l’histoire et sa production intervient dans leur pratique. Nous abordons ainsi un axe déterminant de la recherche sur les arts visuels devant créer un espace de dialogue entre chercheurs et artistes dans un souci de co-production de l’histoire de l’art.

Calendrier

17/11/17

Perin Emel Yavuz, Docteure en Arts : histoire et théorie de l’EHESS
1978-2015: les artistes turcs face à l’histoire de l’art

L’avènement de l’art contemporain en Turquie au cours des années 1970 ne pouvait s’effectuer sans un travail de fond de réflexion sur l’art et l’histoire de l’art. Ce travail fut lancé à l’époque par un groupe d’artistes désireux d’introduire l’art conceptuel sur la scène artistique turque: le STT. Rapidement pris en charge par certains acteurs des instances de consécration du monde de l’art, l’art contemporain s’est institué par la volonté politique de faire d’Istanbul un centre artistique international, comme en témoigne la création de la Biennale d’Istanbul en 1987. Face aux questionnements suscité par l’accession de la scène artistique turque à un rang mondial, des artistes ont déplacé leurs préoccupations pour interroger leur position au sein d’une histoire de l’art mondialisée. En prenant pour objet d’étude les productions éditoriales de certains d’entre eux, cette communication entend mettre en lumière les enjeux que revêt pour eux la prise en charge de l’écriture de l’histoire de l’art.

Perin Emel Yavuz est docteure en histoire et théorie de l’art de l’EHESS et membre fondateur de l’ARVIMM. Spécialiste du tournant de l’art (1960-1980) et de la narrativité en art, il a effectué une thèse sur le Narrative art, un courant artistique américain et européen des années 1970 qui contribue à réintroduire la narrativité dans les pratiques artistiques. À partir de ce travail qui concerne l’aire occidentale, elle cherche maintenant à détecter dans les aires non occidentales l’apparition, à la même période,  de pratiques artistiques relevant de l’art conceptuel afin d’interroger les chronologies de l’art et le présupposé de l’avant-gardisme européen et américain. À cette fin, son travail actuel la conduit à étudier la période allant de la fin des années 1960 aux années 1980 en Turquie et en Europe centrale qui voit l’avènement du conceptualisme.

01/12/17

Amandine Dabat, ATER Master Asie Méridionale et Orientale, EHESS
Placer dans l’histoire de l’art un empereur vietnamien exilé, artiste en Algérie française : Le prince d’Annam (1871-1944)

Le prince d’Annam (1871-1944) a régné au Vietnam sous le nom de Hàm Nghi avant d’être exilé en Algérie en 1889 par les Français qui étendent leur protectorat sur l’Indochine. L’empereur déporté devient artiste, peintre et sculpteur. Il vit toute sa vie à Alger, et voyage environ trois mois par an en métropole. En Algérie et en France, il fréquente les milieux artistiques français. Il est formé à la peinture et au dessin par le peintre orientaliste Marius Reynaud, tandis qu’Auguste Rodin lui enseigne les principes fondamentaux de la sculpture. L’artiste et son œuvre sont aux croisements de plusieurs cultures. Les questions d’identité culturelle, d’orientalisme, d’appropriation et d’influence se posent. Cette communication présentera les réflexions sur cet artiste et son œuvre qui ont conduit ma thèse de doctorat, afin de positionner l’œuvre du prince d’Annam dans l’histoire de l’art.

Amandine Dabat, Docteur en Histoire de l’art de l’Université Paris-Sorbonne, titulaire d’un Master en Études vietnamiennes (Université Paris-Diderot), est enseignant-chercheur (ATER) à l’École des Hautes Études en Sciences Sociales et rattachée au Centre Asie du Sud-Est. Sa thèse de doctorat, pour laquelle elle est lauréate du Prix de la Fondation Flora Blanchon (Académie des Inscriptions et Belles-Lettres), a pour sujet la vie et l’oeuvre de l’empereur vietnamien Hàm Nghi (1871-1944), exilé en Algérie française où il est devenu artiste peintre et sculpteur. Ses recherches actuelles portent sur les résistances intellectuelles face aux pouvoirs, au Laos et au Vietnam, de l’époque coloniale à nos jours.

15/12/17

Attention : double séance, horaires spéciaux 14h-17h

L’artiste-historien : une figure en devenir

Dans cette présentation, les conférencières examinerons comment certains artistes, en Europe, aux États Unis et en Amérique Latine, interrogent une histoire de l’art dont ils révisent les récits et les des concepts fondateurs.

Laurence Corbel, Maître de conférences en esthétique et philosophie de l’art, Rennes 2
Une histoire de l’art revue, relue par les artistes (Laurence Corbel).

En Europe et en Amérique du Nord, l’intérêt de certains artistes pour l’histoire de l’art constitue un trait marquant des années 1960. Il s’agit d’abord pour eux de montrer les insuffisances d’une discipline encore très marquée par l’historicisme ainsi que le positivisme, et qui, de surcroît, se montre imperméable aux mutations les plus récentes de l’art. Cette histoire de l’art des artistes mérite d’être examinée autant pour les perspectives qu’elle ouvre sur le passé de l’art que pour l’originalité de l’éclairage qu’elle offre sur les œuvres. Elle invente aussi une histoire parallèle qui s’écrit, à la lumière d’une pratique artistique, en marge et à rebours de l’histoire de l’art des historiens. Si le projet de ces artistes en Europe et aux États-Unis s’est centré sur la critique de l’historiographie, on observe qu’à partir des années 1980, l’intérêt des artistes se déplace vers une histoire qui n’est plus limitée à l’histoire de l’art. Par cette histoire élargie, qui s’écrit souvent depuis ses marges, les artistes accordent une attention particulière aux histoires occultées à travers des démarches qui croisent les questionnements des nouvelles épistémologies historiques. On se propose d’analyser, à partir d’exemples, les enjeux et la portée de ces pratiques artistiques qui contribuent à la construction d’histoires plurielles.

Laurence Corbel est maître de conférences en esthétique et en philosophie de l’art à l’Université Rennes 2. Elle a notamment publié Le discours de l’art. Écrits d’artistes (1960-1980) aux Presses universitaires de Rennes (2013) et co-dirigé La Critique : art et pratique publié aux Presses universitaires du midi (2016). Ses travaux les plus récents portent sur les formes orales des discours d’artistes (conférences, performances et entretiens) et les transferts et interactions entre les disciplines artistiques (danse, littérature, arts plastiques) et les champs de la philosophie et des sciences humaines et sociales.

Carolina Ariza, Doctorante en Arts Plastiques, La Sorbonne Paris 1, et commissaire indépendante
Beatriz González: du démontage de l’iconographie universelle à la singularité provinciale.

Beatriz González (Bucaramanga, 1938) a travaillé depuis les années 1980 à mettre en évidence les codes culturels de la société colombienne. Jouant avec les références de l’histoire de l’art, elle les adapte de façon ironique à ce que l’artiste appelle « le syndrome du bonheur du sous-développement ». Son vocabulaire plastique se base sur la stridence chromatique et met en avant une certaine maladresse manuelle. Elle réalise des compositions qui se réfèrent à l’iconographie universelle de Degas, Manet, Velasquez, Braque ou Picasso, qu’elle intègre plus tard à des meubles récupérés dans les marchés aux puces de Bogotá. C’est grâce à ces meubles que l’œuvre de Beatriz González a été internationalement reconnue. Par la suite, González a commencé à représenter des personnalités politiques et des victimes de crimes passionnels en s’inspirant de photographies de mauvaise qualité diffusées dans la presse, dont l’image est aplatie par l’impression. Son travail présente la situation pathétique du pays, qui se nourrit de scénarios réels ou fictionnels parus dans les journaux. L’artiste veut créer « une narration du tiers monde » en insérant ses images dans un cadre « vulgaire » (les meubles), tout en les rendant identifiables. Elle se propose de déconstruire l’histoire de l’art européen, avec un mélange de fascination et de sarcasme, pour l’intégrer au contexte colombien. Cette apparente dégradation est en fait le moyen un peu ironique qu’elle a trouvé pour honorer l’histoire de l’art européen qui la fascine tant. À partir des œuvres réalisées par l’artiste dans les années 1980, nous évoquerons la façon dont l’artiste se réapproprie l’histoire de l’art européen, tout en se moquant librement de celle-ci.

Carolina Ariza termine actuellement un Doctorat à La Sorbonne Paris 1 intitulé « Images latentes : tentatives de reconstitution de la petite histoire ». Celui-ci porte sur la façon dont les artistes se sont emparés de l’écriture de l’histoire en Colombie, ainsi que dans d’autres contextes politiquement instables, en réinventant des méthodologies propres à l’art. Elle est notamment auteur de textes parus dans le catalogue de l’exposition America Latina Photographies 1960-2013 (Fondation Cartier, novembre 2013-avril 2014), ainsi que du texte « Geografías desechas: sobre el dislocamiento de los espacios y las cosas » (Géographies désuètes : sur la rupture des espaces et des choses) paru dans le catalogue de l’exposition Próximo Futuro (Fondation Gulbenkian, Lisbonne, juin 2014). Elle a été fondatrice et enseignante dans le programme de Master sur l’Amérique Latine à l’IESA Arts et Culture en 2016 ; responsable de la section Amérique Latine dans les Solo Projects de la Foire SWAB à Barcelone en 2014 et 2015 ainsi que chargée de recherche pour l’Amérique Latine au Centre Pompidou au sein du projet Recherche et Mondialisation dirigé par la conservatrice Catherine Grenier en 2011.

19/01/18

Attention : double séance, horaires spéciaux 14h-17h

Lucie Mourcia, Directrice, Institut du Monde Arabe – Tourcoing
L’Institut du Monde Arabe – Tourcoing. Enjeux et perspectives

Depuis 2007, l’IMA décentralise ses actions culturelles en région Hauts-de-France. Ces actions visent à promouvoir les cultures du monde arabe par une programmation pluridisciplinaire. Elles s’appuient sur un contexte culturel, associatif, économique déjà fortement lié au monde arabe à travers notamment les populations issues de l’immigration. Fruit de cette histoire riche, ds volontés des acteurs locaux, politiques et culturels, l’IMA-Tourcoing s’implante définitivement dans la région en novembre 2016 en inaugurant ses locaux dans une ancienne école de natation réhabilitée à cette occasion. Fort de sa particularité, l’IMA-Tourcoing s’autonomise et multiplie les projets ambitieux issus du territoire des Hauts-de-France et façonne son identité pluridisciplinaire et son empreinte locale.  

Eric Delpont, Directeur du Département du Musée, Institut du Monde Arabe
Le monde arabe dans le miroir de ses arts

La collection mise en place à l’IMA-Tourcoing invite à découvrir le monde arabe dans le prisme des arts. L’accrochage instaure un dialogue entre des œuvres modernes et contemporaines d’artistes dits « arabes », et des pièces issues de l’archéologie antique et islamique. L’ambition est de montrer une permanence de la vision et de sa matérialisation dans le monde arabe avec, en contrepoint, le regard de peintres français pionniers dans le voyage en Orient (Delacroix, Guillaumet), qui sont à l’origine d’une image que les Arabes se réapproprient et que les artistes critiquent et déconstruisent.

02/02/18

Jacinto Lageira, Professeur d’Arts plastiques et sciences de l’art, Paris 1 Sorbonne
L’histoire sans fin de la fin de l’Histoire
À travers les relations très problématiques entre la poétique de la fiction et la poétique de l’Histoire, et donc les différentes statuts des récits fictionnels et des récits historiques – lesquels s’entremêlent très souvent pour le meilleur comme pour le pire –, peut s’entrevoir régulièrement un horizon qui semble pouvoir y mettre un terme qui est le récit de la « fin de l’Histoire ». Comme tout horizon, il est sans cesse repoussé à mesure que l’on s’en approche, cela de Hegel à Francis Fukuyama en passant par différents auteurs, de sorte que nous sommes de nouveau confrontés à un processus où s’entrelace autant la fictionnalisation que l’historicisation. Autrement dit, la fin de l’Histoire est-elle une fiction de plus et parmi tant d’autres, ou bien est-elle l’aboutissement dernier et ultime de toute réalité ?

 

Jacinto Lageira, est professeur en esthétique et en philosophie de l’art à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, membre de l’Institut ACTE – UMR 8218, CNRS ; critique d’art. Parmi ses publications : La Déréalisation du monde. Fiction et réalité en conflit, éditions Jacqueline Chambon, 2010 ; Cristallisations (monographie Jean-Marc Bustamante), éditions Actes Sud, 2012 ; Regard oblique. Essais sur la perception, La Lettre volée, 2013 ; L’Art comme Histoire. Un entrelacement de poé­tiques, Mimésis, 2016.
16/02/18
Annabelle Boissier, Head of Research, Arts Cabinet
L’histoire de ceux qui fabriquent l’histoire. Qui sont les historiens de l’art de la région MENA.

Basée sur une série d’entretiens réalisés dans le cadre d’un programme lancé par Arts Cabinet (structure dédiée à la production et la diffusion de la connaissance sur les pratiques artistiques contemporaines), cette présentation questionne le parcours d’individus qui ont choisi de dédier leurs carrières professionnelles à l’étude et à la promotion des artistes du Moyen-Orient et de l’Afrique du Nord. Quelles sont les situations, opportunités, contraintes, empêchements qui les ont conduits à se spécialiser dans un champ de recherche encore en construction. Comment s’articulent leurs histoires personnelles et familiales à l’évolution des curriculums et priorités des institutions académiques et artistiques. Par ailleurs, cette présentation sera l’occasion d’interroger les conditions de production d’une recherche à la jonction du champ de l’art et du champ de la recherche. Quels sont les biais propres à un processus de recherche impliquant la réécriture et la publication des entretiens concomitamment à leur conduite.

Annabelle Boissier est socio-anthropologue (docteure de l’EHESS), Head of Research, Arts Cabinet, Londres. Sa recherche porte sur les mondes de l’art contemporain, les processus d’écriture en sciences sociales et les manières alternatives de création des connaissances. Elle a dernièrement publié L’intimité d’un conflit (l’Harmattan, 2016) et « L’art contemporain tunisien en révolution. Continuité et discontinuité des trajectoires face à l’événement », L’Année du Maghreb, 16 | 2017, 359-378.

16 /03/18

Alice Bombardier, ATER, INALCO
Djalil Ziapour, artiste pionnier de la Nouvelle peinture et premier théoricien-critique d’art en Iran

Né à Bandar Anzali dans le Nord de l’Iran (Guilan), Djalil Ziapour (1920-1999) est en 1945 le premier diplômé de la Faculté des Beaux-Arts de l’Université de Téhéran. Avec une poignée de camarades, il est considéré comme un pionnier de la Nouvelle peinture (naqqashi-e now), nouveau paradigme pictural développé dans le pays à partir des années 1940. Nous reviendrons sur l’Association du Coq Combattant (Andjoman-e Khorus-e Djangi) que Djalil Ziapour crée à Téhéran en 1949, où il tient sans relâche des conférences et orchestre la publication de revues dédiées aux « arts nouveaux » (honarha-ye djadid). C’est au sein de ce cercle qu’il écrit les premiers textes théoriques et critiques sur l’art iranien et occidental.

Agrégée de géographie, Alice Bombardier est l’auteure de l’ouvrage Les pionniers de la Nouvelle peinture en Iran. Œuvres méconnues, activités novatrices et scandales au tournant des années 1940 (Peter Lang, Berne, 2017). Ayant étudié le persan à l’INALCO et voyagé régulièrement en Iran, elle est titulaire d’un doctorat de sociologie à l’EHESS et de civilisation arabe-persane à l’Université de Genève.

06/04/18

Halim Karabibene, Artiste
Le MNAMC de Tunis (Musée National d’Art Moderne et Contemporain) et la Cocotte, une chronique.

Un Musée National d’Art Moderne et Contemporain aurait été inauguré le 24 Octobre 2069 à Tunis. Expositions et rétrospectives auraient été organisées depuis dans ce bâtiment en forme de cocotte-minute, pour sauvegarder et transmettre le patrimoine artistique tunisien. Mais cette histoire a commencé bien avant, en 2007 précisément. Halim Karabibene nous la racontera.

Né en 1962 à Bizerte (Tunisie), Halim Karabibene a été reconnu dans les années 1990 grâce à ses collages et ses peintures oniriques et sarcastiques. Tout au long de sa carrière, Karabibene a exploré formellement un univers alternatif, hybride et ludique « mis en scène » avec toute une gamme de personnages mythiques néo-pop. Depuis 2007, Karabibene poursuit une approche pluridisciplinaire dans laquelle il appelle les pouvoirs publics à inaugurer le premier Musée national d’art moderne et contemporain (MNAMC) de Tunis. Avec une cocotte-minute comme symbole et forme du futur musée, Karabibene utilise les réseaux sociaux, des événements et des expositions pour lancer ce musée fictif jusqu’à ce qu’il voie le jour. Karabibene a étudié l’architecture et a fréquenté l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris.

04/05/18

Ali Cherri, Artiste
Malaise des choses

Depuis quelques années, je m’intéresse au rôle que jouent les objets archéologiques dans la construction de récits historiques nationaux, en suivant l’objet du moment où on le déterre jusqu’à sa mise en vente sur le marché de l’art ou son exposition dans un musée. Que ça soit une Nécropole néolithique dans le désert de Sharjah, hantée par le gardien des lieux, ou bien les couloirs déserts du Musée du Louvre ou du Quai Branly, je m’intéresse à ce que ces objets nous révèlent de nous-mêmes, et surtout au processus par lequel des « choses » deviennent valeurs, fétiches, idoles et totems.

Ali Cherri appartient à cette génération d’artistes libanais nés pendant la Guerre Civile et dont la pratique a été fortement marquée par ce contexte d’instabilité. Après des études de Graphisme à l’Université Américaine de Beyrouth (AUB), il obtient une maîtrise d’arts du spectacle à DasArts, Amsterdam en 2005. Sa pratique, polymorphe, se nourrit aussi bien de la performance que du cinéma et de l’histoire de l’art. Ces multiples références transparaissent dès ses premières vidéos, où son propre corps fonctionne comme pivot d’une composition esthétique raffinée. Entre les années 2005 et 2014, il s’attache à décortiquer la situation géopolitique du Moyen-Orient par un langage visuel poétique. Ses projets récents se concentrent sur la place de l’objet archéologique dans la construction de récits historiques. Ce changement thématique est signe d’un glissement philosophique: Ali Cherri revendique toujours une intimité étroite entre poétique et politique, mais est désormais convaincu que la violence peut être étudiée sans être montrée.

25/05/18

Attention cette séance aura exceptionnellement lieu en salle des étudiants de l’IISMM

Massinissa Selmani, Artiste

Né en 1980 à Alger, Algérie. Vit et travaille en France. L’art de Massinissa Selmani se base sur l’expérimentation des différentes techniques liées au dessin. Ses travaux se caractérisent par une extrême simplicité – présentant souvent des montages d’images et de dessins, ou de courtes animations dans lesquelles il mêle humour, ironie et parfois sentiment de révolte. Les images qui ressortent de ces manipulations révèlent alors les ambiguïtés des signes, poussant leurs juxtapositions jusqu’à l’absurdité. Les sujets que Massinissa choisit de traiter s’inspirent le plus souvent de l’actualité socio-politique qu’il compulse dans la presse. Aussi, les images sont le résultat d’un processus de sélection, de traitement et de recadrage inspiré des archives et des codes documentaires. Parfois, ils créent une mise en scène ou un récit qui ouvre différents champs d’expérimentation.

01/06/18

Séance des étudiants
Lydia Hamiti, doctorante, Sorbonne Université (faculté des Lettres), « L’estampe à Alger au XXe siècle : la constitution du cabinet des estampes du musée National des Beaux-Arts d’Alger »
Margaux Bruet, masterante, EHESS, « Processus de mondialisation et dynamiques culturelles à Tanger : Hicham Gardaf et l’exposition The Red Square »
Joan Granjean, doctorant, Université de Genève (Unité d’arabe), « Et si… Une histoire des futurismes arabes? »

15/06/18

Mustapha Sedjal, Artiste
Titre et résumé à confirmer

La démarche du plasticien Mustapha SEDJAL questionne les notions de Mémoire(s) / Histoire(s) par-delà les références et conventions sociales, culturelles et politiques.Il développe une œuvre multiple, mêlant Histoire et Mémoire. Dans ce « Territoire » de l’« Entre-deux » / Emetteur-Récepteur, Il développe des œuvres (vidéo, installation, photographie et autres pratiques plastiques) en rapport avec notre actualité. L’artiste s’intéresse aux différents sens de l' »événement », aussi minime soit-il, à sa réactualisation. Il questionne par la dé-construction notre rapport à l' »autres ». Mustapha SEDJAL explore avec curiosité les possibilités que lui offre divers médiums. Sa pratique va ainsi du dessin, la photographie et la vidéo en passant par l’installation. Son travail a été présenté au sein de nombreuses expositions personnelles. Il a participé à plusieurs expositions collectives. Ces vidéos ont été sélectionnées dans le cadre de plusieurs festivals d’art vidéo.

Appel à candidature : Ateliers doctoraux des Arts Visuels au Maghreb et au Moyen-Orient — XIXe-XXIe siècle (2ème session), “Moderne” et “contemporain” : usages et enjeux historiographiques comparés, Paris, 12-14/02/2018 — LIMITE : 30/11/2017

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