Archives de catégorie : Séminaire

“L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”

Bassam Kahwagi, Sans titre, acrylique sur toile, 110 x 485 cm, 2021. Avec l'aimable autorisation de la Saleh Barakat Gallery
Bassam Kahwagi, Sans titre, acrylique sur toile, 110 x 485 cm, 2021. Avec l’aimable autorisation de la Saleh Barakat Gallery (Beyrouth).

Le séminaire “Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen-Orient XIXe-XXe siècle” consacre sa deuxième année au thème “L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”.

Responsables / Organizers

Joan Grandjean, Alain Messaoudi, Silvia Naef, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Infos pratiques (English text below)

Pour permettre au plus grand nombre de suivre le séminaire, celui-ci se déroulera cette année en mode hybride.

  • Périodicité : 1er et 3e vendredi du mois, du 19 novembre 2021 au 17 juin 2022
  • Horaires : 15:00-17:00
  • Lieu : Salle B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris (jauge : 12 places)
  • Visioconférence : Zoom

Attention : En raison de la situation sanitaire, vous ne pourrez pas accéder à ce séminaire sans avoir préalablement déposé une demande via le lien suivant : https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=276.

Merci de déposer la demande au plus tard 72 heures avant la première séance. Une seule demande suffit pour l’année et elle peut être effectuée à n’importe quel moment de l’année.

Avant chaque séance, nous enverrons un message de confirmation pour ceux qui seront en présentiel et le lien vers la salle de visioconférence pour ceux qui seront en distanciel.

Pour toute information, contactez-nous à l’adresse suivante : arvimm.groupe(at)gmail.com

Practical info

The seminar will be held in hybrid mode to allow as many people as possible to attend.

Frequency: 1st and 3rd Friday of the month, from November 19, 2021 to June 17, 2022
Schedule: 3 to 5pm
Location: Room B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris (capacity: 12 seats)
Videoconference: Zoom

Please note: Due to the health situation, you will not be able to attend this seminar without first submitting a request via the following link: https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=276.

Please submit the application no later than 72 hours before the first session. The application is valid for the whole year and it can be made at any time.

Before each session, we will send a confirmation message to those who will be onsite, and the link to the videoconference room for those who will be online.

For more information, please contact us at the following address: arvimm.groupe(at)gmail.com

Présentation / Abstract

(English below)

L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Paris continue à attirer des artistes originaires du Maghreb et du Moyen-Orient. Or, s’y développe un art abstrait qui, par certains aspects, peut faire écho à des traditions vivantes qui leur sont familières, notamment autour du Salon des Réalités Nouvelles, créé en 1946. L’historiographie générale de l’abstraction gestuelle/lyrique et de l’art informel réserve peu de place à ces artistes et à ces traditions, par comparaison aux arts d’Extrême-Orient, auxquels on fait souvent référence lorsqu’on analyse les œuvres de Georges Mathieu, de Hans Hartung ou de Jean Degottex. C’est le plus souvent à l’échelle de leur « aire culturelle » d’origine, arabe, turque ou iranienne, que les œuvres de ces artistes, dont certains ont été formés à la calligraphie, ont été étudiées, qu’il s’agisse de la Hurufiyya (« lettrisme », en arabe), de la production de l’école turque de Paris ou de l’œuvre de l’Iranien Charles Hossein Zenderoudi.

Pour l’année 2021-2022, le séminaire poursuit les travaux engagés l’année précédente sur la base d’un terrain de recherche important dont il reste encore beaucoup à découvrir. Nous poursuivrons notre enquête sur le contexte artistique et la scène parisienne de l’art abstrait dans la période d’après-guerre, les sources permettant de retracer la présence des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans cette scène et la redécouverte de ces artistes qui, eux aussi, ont fait l’art abstrait.

Abstraction, the Parisian environment and artists from the MENA region

After World War II, Paris continued to  attract artists from the MENA region. The form of abstraction that was developing then in Paris, particularly in the artistic networks gravitating around the Salon des Réalités Nouvelles, created in 1946, could, for certain aspects, echo living traditions that were familiar to them. The general historiography of gestural/lyrical abstraction and Art informel is rather silent about these artists and traditions. When analyzing the works of Georges Mathieu, Hans Hartung or Jean Degottex, it rather refers to East Asian arts. The works of these artists from the MENA region — some of whom were trained in calligraphy — are most often studied in terms of the “cultural area”  they originated from, be it Hurufiyya (“letterism” in Arabic), the production of the Turkish school in Paris, or the work of the Iranian Charles Hossein Zenderoudi. 

In 2021-2022, the seminar will continue the work initiated in the previous year, exploring more deeply an important research field still largely uninvestigated. We will carry on with our study of the artistic context and the Parisian abstract art scene in the post-WWII period, of the sources allowing us to trace the presence of artists from the MENA region, and the rediscovery of these artists who were essential contributors to abstract art.

Programme

Vendredi 19 novembre 2021 [hybride]

Séance introductive par l’équipe ARVIMM

Vendredi 3 décembre 2021 [séance à l’INHA]

Journée d’étude internationale “Cosmopolite ? Art, colonialisme et nationalismes à Paris”, sous la responsabilité scientifique de David Castañer et de Maureen Murphy, INHA, Galerie Colbert, salle Vasari

Le concept d’« école de Paris » a largement contribué à placer la capitale au centre d’une constellation moderne, reléguant le reste du monde aux marges. Si l’apport des artistes européens est largement connu, celui des artistes issus des Suds (Asie, Afrique, Amériques) l’est beaucoup moins. Cette journée d’étude vise à étudier la présence de ces acteurs à l’époque coloniale et postcoloniale, en questionnant les lieux de leurs pratiques (ateliers, expositions), de leurs rencontres (revues, cafés, congrès) et de leur création (les œuvres). Nous interrogerons les raisons de l’attractivité de la capitale, ainsi que les contraintes auxquelles étaient soumis les artistes issus des mondes colonisés ; nous questionnerons aussi les relations entre « modernismes cosmopolites » et nationalismes pour analyser l’effet retour de ce déplacement sur la pratique des artistes dans leurs pays d’origine.

Voir le programme ici.

Passes sanitaires obligatoire.

17 décembre 2021 [séance à l’IMA]

Visite de l’exposition “Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui” à l’Institut du monde arabe

Avec l’exposition “Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui”, l’IMA célèbre la prodigieuse créativité des artistes modernes et contemporains du Liban et de ses diasporas, du lendemain de son indépendance en 1943 jusqu’à nos jours. À découvrir, des œuvres de Shafic Abboud, Etel Adnan, Saliba Douaihy, Paul Guiragossian, Hussein Madi, Assadour, Chaouki Choukini, Ayman Baalbaki, Zad Moultaka, Serwan Baran, Hala Matta, Hiba Kalache, Zena Assi ou encore Tagreed Darghouth. À cette occasion, l’IMA inaugure un tout nouvel espace d’exposition et de formation : « L’Espace des donateurs ».

Plus d’informations sur le site de l’IMA. 

7 janvier 2022 [séance en distanciel uniquement]

Séance des étudiant.e.s

Retour sur la journée d’étude “Cosmopolite ? Art, colonialisme et nationalismes à Paris”, du 3 décembre, et de la visite de l’exposition “Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui” à l’Institut du monde arabe,  le 17 décembre.

21 janvier 2022 [séance à l’IMA]

Shafic Abboud, Itinéraire d’un conteur d’images [séance annulée]
Claude Lemand, collectionneur, galeriste et donateur au musée de l’Institut du monde arabe

4 février 2022 [séance en visioconférence]

Entre le culturel et l’esthétique, la toile (abstraite, hurufie) de Shaker Hassan al Said
Charbel Dagher, professeur à l’Université de Balamand, Liban

Cette intervention se propose d’étudier, dans le cadre de ce séminaire, l’œuvre aussi bien artistique que théorique du peintre Shaker Hassan al Said (1925-2004), durant les années soixante, après ses études et son séjour à Paris. Ce peintre irakien est le pionnier d’un courant artistique appelé ‘hurufi’, dont l’influence s’est fait ressentir en dehors de l’Irak, dans bien d’autres pays arabes. Cette expérience, encore riche et prégnante aujourd’hui, suscite un débat entre deux cultures, et entre deux choix artistiques, qui font de l’art un produit aussi bien culturel qu’esthétique.

Charbel Dagher est une figure importante de la scène culturelle arabe, principalement dans les domaines de la poésie, de la langue arabe et des arts arabes et islamiques. Poète, conteur, écrivain en arabe et en français, et professeur à l’Université de Balamand à Koura (Nord-Liban) depuis 1994, il a publié de nombreux ouvrages sur la poésie et la scène artistique arabes, tout en étant conférencier et professeur invité dans de nombreuses universités à travers le monde. Il est également membre du comité éditorial de nombreuses revues scientifiques telles que LiCaRC (France), Recherches (AUB, Beyrouth), Esthétiques (Algérie) entre autres, et a été président de jury de biennales internationales en étant consultant pour l’art islamique et arabe moderne.

Site internet de Charbel Dagher : https://www.charbeldagher.com/cd/

18 février 2022 [séance en visioconférence]

Le voyage à Paris, l’art abstrait et la scène artistique tunisienne
Alia Nakhli, enseignante et chercheure en histoire de l’art à l’École Supérieure des Sciences et Technologies du Design, Université de la Manouba, Tunisie

La peinture abstraite a eu des adeptes, en Tunisie, depuis les années 1940, quoique de façon timide, ce n’est que durant les années 1950 et 1960, que les artistes abstraits arrivent à s’imposer sur la scène artistique tunisienne. Le système des bourses de voyage, mis en place, depuis l’entre-deux-guerres, a encouragé les jeunes artistes, qu’ils soient autodidactes, ou ressortissants de l’École des Beaux-Arts de Tunis, à poursuivre leur formation artistique, à Paris, à l’École des Beaux-Arts, à l’École des Arts Décoratifs, ou dans les Académies d’art. Ces artistes prennent part aux manifestations parisiennes, fréquentent, entre autres, les cercles des artistes maghrébins et organisent des expositions de groupe, destinées à voyager entre les deux rives de la Méditerranée. Ils participent ainsi, à la diffusion de l’art abstrait, en Tunisie.

Alia Nakhli, historienne de l’art, enseigne à l’École supérieure des sciences et technologies du design (ESSTED), Université de la Manouba (Tunis). Boursière d’excellence de l’État tunisien, en 2000, elle a poursuivi des études en histoire de l’art à l’Université de Strasbourg (DEA sous la direction de Christine Peltre) et à l’Université Paris Nanterre (doctorat sous la direction de Thierry Dufrêne, 2013). Ses recherches portent sur l’histoire des arts visuels, en Tunisie, aux XIXe et XXe siècle. Elle s’est également intéressée à l’histoire de l’art dans le monde arabe, au XXe siècle, à travers l’Union générale des artistes plasticiens arabes.

11 mars 2022 [séance en hybride, initialement prévue le 4 mars]

Du goût et de la diplomatie : collectionner les artistes turcs de l’École de Paris
Dr Demir Önger, collectionneur, cardiologue et fondateur du Centre culturel Anatolie, Paris
Venu à Paris pour étudier la médecine en 1961, Demir Fitrat Önger, aujourd’hui cardiologue réputé, s’insère rapidement au sein de la diaspora turque et de la vie culturelle qui l’anime. C’est ainsi qu’il fréquente les artistes turcs de l’École de Paris (Selim, Mübin Orhion, Hakki Anli…) dans le quartier de Montparnasse. Tissant des relations amicales avec certains d’entre eux, il se met progressivement à collectionner leurs œuvres. Homme de culture, le Dr. Önger inscrit aussi son rôle de collectionneur dans une démarche plus large de diplomatie culturelle dont la création du Centre culturel Anatolie en 1984 est représentative.

18 mars 2022 [séance en hybride]

Houroufiyyah et calligraphie arabe contemporaine: discussion autour de l’œuvre de Samir Sayegh
Saleh Barakat, expert en art, conservateur et galeriste, Agial Art Gallery et Saleh Barakat Gallery, Liban

Commençant par une présentation illustrée du mouvement “Houroufiyyah” comme genre d’abstraction d’inspiration arabe depuis 1949 jusqu’à aujourd’hui, Saleh Barakat évoquera les balbutiements, l’âge d’or, le premier et le second déclin du mouvement, sans omettre l’importance des principautés arabes du Golfe Persique dans sa redéfinition. Ensuite, il s’attardera sur le travail de Samir Sayegh (1945- ), artiste peintre tirant son inspiration de l’écriture arabe, critique d’art, historien, poète, écrivain et chercheur, qui a séjourné à Paris à de multiples reprises. En évoquant les prémisses, et la démarche avant de finir par des lectures choisies des écrits de Sayegh, Saleh Barakat présentera le caractère avant-gardiste de l’œuvre de l’artiste libanais et de l’impact qu’il a eu tant dans une approche artistique, faisant de lui un des pionniers de la modernité arabe, que dans la création de polices de caractères par le biais de recherches sur la calligraphie traditionnelle et de son intérêt pour le design contemporain.

8 avril 2022 [séance en visioconférence]

Au-delà de l’Arabesque. Les femmes artistes du Moyen-Orient aux États-Unis et les autres histoires de l’expressionnisme abstrait
Nadia Radwan, professeure adjointe en histoire mondiale de l’art, Institut d’histoire de l’art, Center for Global Studies, Université de Berne (Suisse)

Au-delà du passage obligé par Paris, de nombreuses artistes du Moyen-Orient ont émigré aux États-Unis entre les années 1950 et 1970. Etel Adnan (1925-2021), Saloua Raouda Choucair (1916-2017), Samia Halaby (née en 1936) et Madiha Omar (1908 – 2005), ont toutes quitté leur pays d’origine – le Liban, la Syrie ou la Palestine –, pour étudier et/ou travailler dans des institutions américaines dominées alors par des figures de l’expressionnisme abstrait et du Color field movement. Cette intervention entend mettre en lumière l’importance de ces trajectoires individuelles outre-Atlantique sur les pratiques de l’abstraction de ces artistes en abordant les questions suivantes : quel est le lien entre l’art américain et la réactivation de l’ornement et, en particulier de l’arabesque, par les artistes de la diaspora du Moyen-Orient ? Quelle est la contribution de ces artistes à l’histoire de l’expressionnisme abstrait ?

Nadia Radwan est historienne de l’art, professeure assistante d’histoire de l’art mondial à l’Université de Berne (Institut d’histoire de l’art/Center for Global Studies). Elle a été chercheuse et enseigné à l’Université américaine du Caire, à l’Université américaine de Dubaï et à l’Université de Zurich. Ses recherches portent sur l’art et l’architecture du Moyen-Orient (XIXe et XXe siècles), les modernismes extra-occidentaux, les féminismes arabes, l’orientalisme, l’émotion et le musée global. Sa thèse de doctorat, Les Modernes d’Égypte (Peter Lang) a été publiée en 2017 et elle travaille actuellement à sa thèse d’habilitation sur les politiques de l’abstraction au Moyen-Orient. Radwan a contribué à plusieurs projets curatoriaux et catalogues d’exposition (Mathaf : Arab Museum of Modern Art, Sharjah Art Museum, The Metropolitan Museum of Art). Elle est la co-fondatrice de Manazir : Swiss Platform for the Study of Visual Arts, Architecture and Heritage in the Middle East et la co-rédactrice en chef de Manazir Journal.

https://bern.academia.edu/NadiaRadwan

20 mai 2022 [séance en hybride]

Les archives Hamed Abdalla, Au cœur d’un exil parisien, archiver les utopies arabes
Morad Montazami, Zâman Books & Curating, et Samir Abdalla, cinéaste et Archives Hamed Abdalla

L’artiste, penseur et pédagogue égyptien Hamed Abdalla (1917-1985) a connu Paris dans toutes ses dimensions, aussi bien la période des années 1950 à la manière d’un ambassadeur artistique de son pays, qu’à partir des années 1960 lorsque par la force des choses on devient artiste “en exil” voire “immigré”… Nous pourrons observer ces lignes de fracture au coeur même des archives produites et collectées par l’artiste durant sa période de vie en France qui reflètent aussi bien l’histoire des expositions et manifestations artistiques panarabes, qu’une certaine généalogie intellectuelle cosmopolite dans laquelle Paris tient une place paradoxale.

Morad Montazami est historien de l’art, éditeur et commissaire d’exposition. Il dirige la plateforme Zamân Books & Curating qui se consacre à l’étude des modernités arabes, africaines et asiatiques. On lui doit notamment les expositionsBagdad Mon Amour, Institut des cultures d’Islam, Paris, 2018 ; New Waves: Mohamed Melehi and the Casablanca Art School Archives, The Mosaic Rooms, London/MACCAL, Marrakech/Alserkal, Dubai, 2019-2020.

Samir Abdalla est un réalisateur engagé. Parmi les films documentaires réalisés seul ou en collaboration : La Ballade des sans-papiers (1997), Le Siège (2002), Gaza-strophe, Palestine (2009), Les quartiers ne lâchent rien (2019), Au Caire de la Rêvolution (2011). Depuis 1991, avec l’association L’Yeux ouverts qu’il a fondée, il organise des ateliers de cinéma dans les quartiers défavorisés, et anime un réseau international de projections publiques ainsi qu’un site internet baptisés Cinémétèque.

27 mai 2022 [séance annulée]

3 juin 2022 [séance en hybride]

Aléas retours. Les nouveaux enjeux de l’abstraction au Maroc dans les années 60 et 70
Fatima-Zahra Lakrissa et Maud Houssais, chercheures et curatrices indépendantes

Durant les années cinquante et soixante, les peintres marocains Jilali Gharbaoui et Ahmed Cherkaoui posent les premiers gestes essentiels accomplis dans le domaine de l’art moderne au Maroc. Un de ces gestes est le dialogue engagé avec l’École de Paris, qui marque le passage emblématique de la peinture marocaine vers l’abstraction. Leur propre résistance à consacrer une rupture définitive avec le terreau artistique marocain complexifie cependant leur appartenance ou affiliation au mouvement. Ils incarnent de ce fait une période de transition dans l’histoire de l’art au Maroc, où il s’agit pour les artistes de penser simultanément leur possible inscription au projet d’un art international, tout en pensant la position d’altérité qui leur y est assignée.

Cette quête est poursuivie de manière quasi simultanée à partir du Maroc par certains artistes de retour après une formation artistique, théorique et professionnelle dans des capitales artistiques européennes autres que Paris, telles que Rome, Milan, Prague, Varsovie et Madrid. Les années soixante et soixante-dix voient l’ambition espérantiste de l’art abstrait rejoindre des enjeux d’émancipation sociale au moment où diverses formes d’art (littérature, poésie et cinéma associés) forment le socle d’une approche émancipatrice de l’art visant à renouveler l’expérience d’une communauté du sensible. L’abstraction se présente alors comme un langage artistique pleinement acteur de la mutation sociale souhaitée. Elle se verra intégrer l’espace public sous la forme d’un art monumental qui renoue avec le projet de la synthèse des arts, tout en rendant possible une articulation entre la tradition esthétique occidentale et sa négation apparente : l’art traditionnel et populaire au Maroc.

Cette communication s’intéresse à l’émergence de certaines formes, pratiques et concepts qui ont encadré et nourri cette quête, entre expérimentation, théorie et pédagogie de l’art (en dehors de toute discipline universitaire), ainsi qu’à la fonction de l’abstraction, intégrée d’une manière pragmatique aux forces transformatrices de la société, dans un projet de synthèse des arts pensé depuis le Maroc et soutenu par de nouvelles circulations artistiques initiées par des artistes tels que Farid Belkahia, Mohamed Melehi et Mohammed Chabâa.

24 juin 2022, 16h [attention date modifiée]

Visite de l’exposition Silsila, le voyage des regards (ICI, Paris)

Rendez-vous à 15h45 devant l’entrée de l’ICI Stephenson, 56, rue Stephenson, 75018 Paris

“L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”, thème du séminaire 2020-2021

Selim Turan, Sans titre (mise en situation d’une peinture abstraite dans une illustration de salon), gouache sur impression offset, non daté. Coll. privée.

Responsables / Organizers

Alain Messaoudi, Silvia Naef, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Horaires et lieu / Schedule and location

En raison des mesures sanitaires prises par le gouvernement, le séminaire se déroule en visioconférence, les 1er et 3e vendredi du mois, de 15h à 17h, à partir du 20 novembre 2020.

ATTENTION : les inscriptions s’effectuent via l’application Listsem, mise à disposition par l’EHESS. Veuillez vous rendre à la page suivante : http://listsem.ehess.fr/courses/1011/requests/new
Merci
de déposer votre demande 72h avant le début de la première séance.
Nous vous enverrons ensuite le lien vers la salle de visioconférence pour y participer à distance.

Pour toute information, contactez-nous à l’adresse suivante : arvimm.groupe(at)gmail.com

Due to the health measures taken by the government, the seminar will take place by videoconference, on the 1st and 3rd Friday of the month, from 15:00 to 17:00, from November 20, 2020.

To register, use the Listsem application provided by EHESS. Please go to the following page (http://listsem.ehess.fr/courses/1011/requests/new) to submit your application 72 hours before the start of the session. One registration is all you need for the whole year.

For more information, please contact us at the following address: arvimm.groupe(at)gmail.com

Présentation / Abstract

(English below)

L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Paris continue à  attirer des artistes originaires du Maghreb et du Moyen-Orient. Or, s’y développe un art abstrait qui, par certains aspects, peut faire écho à des traditions vivantes qui leur sont familières, notamment autour du Salon des Réalités Nouvelles, créé en 1946. L’historiographie générale de l’abstraction gestuelle/lyrique et de l’art informel réserve peu de place à ces artistes et à ces traditions, par comparaison aux arts d’Extrême-Orient, auxquels on fait souvent référence lorsqu’on analyse les œuvres de Georges Mathieu, de Hans Hartung ou de Jean Degottex. C’est le plus souvent à l’échelle de leur « aire culturelle » d’origine, arabe, turque ou iranienne, que les œuvres de ces artistes, dont certains ont été formés à la calligraphie, ont été étudiées, qu’il s’agisse de la Hurufiyya (« lettrisme », en arabe), de la production de l’école turque de Paris ou de l’œuvre de l’Iranien Charles Hossein Zenderoudi. À travers cet objet de recherche, nous poursuivrons donc notre réflexion sur la place des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans la production artistique européenne au XXe siècle et à l’heure actuelle, ainsi que dans l’historiographie.

Abstraction, the Parisian environment and artists from the MENA region

After World War II, Paris continued to  attract artists from the MENA region. The form of abstraction that was developing then in Paris, particularly in the artistic networks gravitating around the Salon des Réalités Nouvelles, created in 1946, could, for certain aspects, echo living traditions that were familiar to them.. The general historiography of gestural/lyrical abstraction and Art informel is rather silent about these artists and traditions. When analysing the works of Georges Mathieu, Hans Hartung or Jean Degottex, it rather refers to East Asian arts. The works of these artists from the MENA region, some of whom were trained in calligraphy, are more often studied in terms of their original Arab, Turkish or Iranian « cultural area »,  . Historiography thus links them to the Hurufiyya (« Letterism », in Arabic), to the production of the Turkish school in Paris, or to singular works such as those of the Iranian Charles Hossein Zenderoudi, but takes little interest in their relations with the Parisian art scene. Through this research topic, we will continue our reflection on the place of artists from the MENA region in European artistic production since the 20th century, as well as in historiography.

Programme

Vendredi 20 novembre 2020

Séance introductive

Vendredi 4 décembre 2020

Occident/Moyen-Orient : Historiographies comparées de l’art abstrait
Silvia Naef, Professeure ordinaire, Unité d’Arabe, Université de Genève, et Perin Emel Yavuz, Ingénieure de recherche, Institut Convergences Migrations/CNRS

L’objectif du séminaire étant de croiser et de faire dialoguer les histoires de l’art abstrait en Occident et au Moyen-Orient, cette séance sera consacrée à un état des lieux de chacune d’elles afin de poser quelques jalons historiques et d’identifier des points de rencontre.

Vendredi 18 décembre 2020

Fahrelnissa Zeid and the post-war Nouvelle École de Paris: Negotiating a Universalist Modernist Practice with Parochial Cosmopolitanism (intervention probablement en français)
Adila Laïdi-Hanieh, Director General of the Palestinian Museum

Turkish-Jordanian modernist Fahrelnissa Zeid (1901-1991) was the first Middle Eastern artist to conduct a career recognized at home (Turkey) as well as in post War art centres, decades ahead of globalized contemporary artists. Even as her progress was beset by gender and class bias as well as by orientalist framings, her drive and prolific and innovative production helped her break barriers. She affirmed herself on the 1940s male dominated Turkish art scene, she then became the first Middle Eastern artist to exhibit alone in a commercial New York Gallery in 1950 after her first solo Paris exhibition in 1949. She was the first woman of any origin to exhibit solo at the London ICA in 1954.
My intervention focuses on her 1947-1957 Paris period, even though Fahrelnissa Zeid continued living and exhibiting on and off in Paris until 1968. That year she made Paris her full time home, until she left definitely in 1975.  I will review her successful integration in the Paris art scene, and her complex reception by critics and gatekeepers that ranged from recognizing her paintings’ radical properties to emphasizing her foreign origins.

Adila Laïdi-Hanieh, Ph.D. published in 2017 the artist biography Fahrelnissa Zeid. Painter of Inner Worlds (London: Art/Books) based on exclusive access to her private papers and personal archive. It provides a revisionist and definitive account of both her life and the constant reinvention that characterized her artistic practice. It foregrounds the importance of her extensive knowledge of European culture and her shifting health state on her artistic vision, and challenges orientalist interpretations of her art. In doing so, it redefines Fahrelnissa Zeid for the contemporary reader as one of the most important modernists of the twentieth century. Dr. Laïdi-Hanieh is a former student of Fahrelnissa Zeid. She received a Post-doctoral fellowship from the Arab Council for the Social Sciences in 2017, and received her Ph.D. in Cultural Studies from George Mason University in 2015, obtained as a Fulbright scholar. Since 2018 she is the Director General of the Palestinian Museum.

Sitographie :

Vendredi 15 janvier 2021

Séance restreinte aux étudiants qui valident le séminaire. Elle portera sur le catalogue de l’exposition Taking Shape. Abstraction from the Arab World, 1950s-1980s (New York, Grey Art Gallery, 14 janv.-13 mars 2020; commissaires: Lynn Gumpert, Suheyla Takesh).

Vendredi 29 janvier 2021

L’art abstrait gestuel dans les galeries et les salons parisiens. Quelles sources pour identifier la présence des artistes moyen-orientaux ?
Avec Julie Verlaine, Maîtresse de conférences en histoire contemporaine, Membre junior de l’Institut universitaire de France, Université de Paris I Panthéon-Sorbonne, Centre d’Histoire Sociale des mondes contemporains
et Domitille d’Orgeval, Art Moderne PIASA, docteure en histoire de l’art et auteur de la thèseLe Salon des Réalités Nouvelles : les années décisives : de ses origines (1939) à son avènement (1946-1948)”

Parcourir les biographies des artistes moyen-orientaux à Paris, et notamment leurs listes d’expositions pendant la période de l’après-guerre, est un moyen efficace pour mesurer leur insertion et leur activité dans les réseaux artistiques de l’époque. Par ce biais, il est possible d’observer leurs relations avec les instances de consécration que sont les salons et les galeries dédiés à l’art abstrait, témoignant d’une participation active à la scène artistique et d’une reconnaissance des mondes de l’art. Ce travail, qui vaut pour les artistes dont l’œuvre et le parcours sont documentés, ouvre un champ peu exploré par la recherche au carrefour de l’histoire de l’art de l’abstraction d’après-guerre et de l’histoire sociale et culturelle des circulations artistiques entre la France et le Moyen-Orient. L’enjeu n’est pas anodin pour l’écriture de l’histoire de l’art : il s’agit de subvertir un récit dominant écrit pour et par les dominants et de réhabiliter la production des artistes moyen-orientaux qui ont participé, eux aussi, à l’aventure de l’abstrait.

Pour cette séance placée sous le signe de la transmission, nous avons souhaité inviter deux spécialistes des mondes de l’art d’après-guerre à Paris pour partager leurs connaissances sur les galeries, pour l’une, et le Salon des Réalités nouvelles, pour l’autre. Sous la forme d’un atelier de recherche, l’objectif est de nous aider à comprendre le contexte de l’époque, à ouvrir des pistes de recherche et à cerner des approches méthodologiques pour redonner visibilité aux artistes du Moyen-Orient.

Vendredi 5 février 2021

Participation et réception critique des artistes turcs à l’École de Paris
Clotilde Scordia, historienne de l’art et commissaire d’exposition

Dès la fin du XIXe siècle, des peintres Turcs viennent à Paris étudier dans les académies. Ne restant souvent que quelques mois, ils repartent ensuite en Turquie mais sont les précurseurs d’une génération d’artistes qui s’installent en France de façon pérenne après la Seconde Guerre mondiale. Nous verrons dans cette contribution le parcours de ces peintres et sculpteurs, leur réception critique et leur participation aux manifestations artistiques (salons, expositions, biennales…) de la Seconde ou Nouvelle École de Paris. Venus se confronter aux « nouvelles tendances », nous parlerons notamment des peintres abstraits Nejad, Selim, Mübin, Bitran mais aussi des sculpteurs İlhan Koman, Kuzgun Acar ou encore Semiramis Zorlu qui s’affranchissent à Paris de la représentation figurée et du carcan académique.

Diplômée de Paris-Sorbonne en histoire de l’art, Clotilde Scordia a consacré ses sujets de Master aux peintres Turcs de la Seconde École de Paris et au peintre Néjad (1923-1995). Elle travaille sur les catalogues raisonnés et fonds d’atelier d’artistes (Néjad, Albert Bitran). Pendant douze ans, elle a également travaillé sur le catalogue raisonné d’André Lhote (1885-1962). Ses recherches portent principalement sur la période de l’après-guerre, les avant-gardes des pays extra-européens et la création en période de conflit. Son livre Les Peintres Turcs de l’École de Paris paraîtra en mars 2021 (éditions Déclinaison, préfacé par Annie Cohen-Solal). Actuellement, elle est commissaire de l’exposition « Robert Doisneau, portraits d’artistes et vues de Lyon » au musée Jean-Couty à Lyon (jusqu’au 11 avril 2021).

Vendredi 19 février 2021

L’art abstrait international au prisme des catalogues d’expositions.
Béatrice Joyeux-Prunel, Professeure ordinaire à l’université de Genève, Chaire des humanités numériques

À l’occasion de la parution de son livre Naissance de l’art contemporain 1945-1970. Une histoire mondiale (Paris, Editions du CNRS, 2021), et dans le cadre du thème du séminaire sur « L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient »,  Béatrice Joyeux-Prunel se propose de montrer comment par le biais des catalogues d’expositions nous pouvons appréhender la place des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans l’internationalisation artistique. Elle présentera en particulier comment s’utilise BasArt, une base mondiale et collaborative de catalogues d’expositions publiée en ligne par le groupe Artl@s (https://artlas.huma-num.fr). Il s’agira aussi d’évaluer dans quelle mesure peuvent être appréhendés les enjeux de carrière et de création des artistes en question, entre le local et l’international, le politique et l’esthétique.

Béatrice Joyeux-Prunel est spécialiste de l’internationalisation artistique et culturelle. Elle a fondé en 2009 le projet Artl@s (https://artlas.huma-num.fr), et publié trois livres de référence sur l’internationalisation artistique : Les avant-gardes artistiques. Une histoire transnationale. Vol. 1 1848-1918 (Paris, Gallimard, Folio Histoire 2016). Vol.2 1918-1945 (Paris, Gallimard, Folio Histoire 2017) ; et Naissance de l’art contemporain 1945-1970. Une histoire mondiale (Paris, CNRS Editions, 2021).

Vendredi 26 février 2021

Le Coran, Paris, l’UNESCO et l’artiste iranien Charles-Hossein Zenderoudi
Alice Bombardier, CERMOM (INALCO)

En 1972 à Paris, une version française du Coran est illustrée par l’artiste iranien Charles-Hossein Zenderoudi. Commande de l’UNESCO, cette édition luxueuse du texte sacré –pourtant en première ligne des interdits islamiques de figuration – reçoit la même année le prix international du « plus beau livre ». L’exploration que fait Charles-Hossein Zenderoudi des codes de l’art sacré en les adaptant à la postmodernité artistique est particulièrement novatrice dans le contexte de l’art islamique. Je présenterai les diverses facettes de ce Coran exceptionnel à la lumière des différentes phases de la carrière artistique de Charles-Hossein Zenderoudi, menée entre l’Iran et la France.

Le Coran, 2 vols, tr. Jean Grosjean, intro. Jacques Berque, illus. Charles-Hossein Zenderoudi, imprimé en 3 624 exemplaires par les Presses Firmin-Didot et Saint Augustin à Bruges, dir. Philippe Lebaud, Jacques Cornulier, Jean-François Fouquereau, Adrien Frutiger and Bruno Pfaffi (Paris, 1972). Publié avec un facsimile du manuscrit de Ibn al-Bawwāb’s et un commentaire de D.S. Rice.

Alice Bombardier, « A Contemporary Illustrated Qur’an: Zenderoudi’s Illustrations of Grosjean’s Translation (1972) », in Alessandro Cancian (ed.), Approaches to the Qur’an in Contemporary Iran, Oxford University Press (Oxford, 2019). https://www.academia.edu/39960815/A_Contemporary_Illustrated_Quran_Zenderoudis_Illustrations_of_Grosjeans_Translation_1972_

Alice Bombardier est une spécialiste de la peinture iranienne moderne et contemporaine. Elle est actuellement chercheuse au CERMOM à Paris (INALCO). En 2012, elle a obtenu son doctorat sur la peinture iranienne et les peintres à l’Université de Genève et à l’EHESS. Parmi ses dernières publications figurent Les pionniers de la Nouvelle peinture en Iran. Œuvres méconnues, activités novatrices et scandales au tournant des années 1940 (Peter Lang, Berne, 2017) ainsi que des articles sur la peinture iranienne au XXe siècle.

Vendredi 5 mars 2021

Méthodologies et sources en histoire de l’art au Moyen-Orient et au Maghreb
Table ronde dans le cadre du séminaire des étudiant.e.s de l’ARVIMM (Zouina Ait-Slimani, Mathilde Ayoub, Tamara Choukair, Hayat Jmammou et Mona Zaibet)

 À quelles problématiques de la recherche en histoire de l’art sommes-nous aujourd’hui confronté.e.s dans nos travaux ? Comment étudier, traduire et écrire une histoire de l’art commune et selon quels prismes historiographiques ? Quelles positions et méthodologies adopter dans un processus de recherche réflexif ? 

Lors de cette table ronde, nous aborderons plusieurs questionnements communs, notamment ceux de la place institutionnelle que l’histoire de l’art occupe actuellement dans les régions que nous étudions. Nous aborderons ainsi les questions de légitimité d’une histoire de l’art qui s’est principalement écrite d’un point de vu occidentalocentré et les problématiques terminologiques. À cette occasion, la place des sources arabes et de leur traduction dans les écrits scientifiques sera examinée et débattue. Nous discuterons aussi des pratiques curatoriales et des écritures qui en découlent à l’occasion des expositions ou de leurs catalogues ou à travers des écrits d’artistes. Les enjeux que les nouvelles formes de discours et de diffusion comme les réseaux sociaux dans la fabrication de ces récits et plus généralement de l’histoire de l’art mondialisée.

Consulter le programme détaillé en suivant ce lien.

Vendredi 19 mars 2021

La calligraphie en caractères arabes, idiome de la civilisation islamique.
Eloïse Brac de la Perrière, Professeure des universités,
Sorbonne Université

« Langage de la main, idiome de l’esprit », c’est ainsi que le savant baghdadi Ibrāhīm al-Shaybānī (m. 911) décrit l’art de la calligraphie en pleine période médiévale. Avec l’expansion de l’islam, la calligraphie devient très rapidement le principal médium artistique partagé par les communautés musulmanes à travers le monde. Art fondateur donc, il se manifeste dans toutes les langues transcrites en écriture arabe, concerne tous les genres de textes et figure sur tous types de supports. Son étude a souffert des clivages entre différents champs disciplinaires (épigraphie, paléographie, numismatique, codicologie…) et son message formel, visuel, souvent mal compris, a été réduit à ses manifestations les plus classiques. C’est pourtant un phénomène artistique complexe, multidimensionnel et, finalement, extraordinairement vivant.

Éloïse Brac de la Perrière est professeure d’histoire de l’art et archéologie du monde islamique à Sorbonne Université. Spécialiste de l’Inde islamique et du monde persanophone, ses recherches portent sur l’histoire des pratiques artistiques à travers l’étude des manuscrits, de l’iconographie et de la calligraphie. Entre 2012 et 2017, elle a codirigé le projet Kalila wa Dimna (BnF) qui a donné lieu à une exposition à l’Institut du Monde arabe, ainsi qu’à un volume collectif (sous presse). Depuis, Éloïse Brac de la Perrière est coresponsable de l’inventaire scientifique des collections d’art islamique du musée des Beaux-Arts de Lyon, dont le catalogue raisonné est en préparation, et elle dirige le projet CallFront, Calligraphie aux frontières du Monde islamique.

Vendredi 2 avril 2021

Pour une étude de la présence des artistes du monde arabe à l’Ecole des beaux-arts : quelques repères
Alice Thomine-Berrada, Conservateur du patrimoine au Musée d’Orsay

Discutante : Kirsten Scheid, Professeure associée, American University in Beirut

Après un état des lieux bibliographique et archivistique, il s’agira d’abord de présenter le fonctionnement de l’Ècole des beaux-arts dans la période d’après-guerre, puis de redessiner la place des artistes du monde arabe au sein des artistes étrangers fréquentant l’Ècole au XXe siècle. Enfin, à partir de quelques exemples (Amor Ben Mahmoud, Mohamed Abou-Kalam ou encore Abraham Hadad), un questionnement s’ouvrira sur l’importance de leur passage à l’Ècole dans leur parcours professionnel.

 

Archiviste paléographe, conservateur du patrimoine, docteur de l’École pratique des hautes études, Alice Thomine-Berrada est historienne de l’architecture du XIXe et du début du XXe siècle. Elle est depuis 2008 conservateur au musée d’Orsay où elle s’occupe de la collection de dessins d’architecture.

Kirsten Scheid est professeure associée d’anthropologie au département de sociologie, d’anthropologie et d’études des médias de l’université américaine de Beyrouth. Ses recherches et son enseignement portent sur l’anthropologie de l’art, l’esthétique, l’historiographie et la théorie de l’art, la modernisation et le cosmopolitisme, l’affect et les élites.

Vendredi 16 avril 2020

Étude critique et cheminements autour d’une brèche panarabe dans l’École de Paris

Le cas particulier du “dialogue” franco-marocain entre la Biennale de Paris (1961) et l’exposition “Rencontre internationale”, Musée des Oudayas de Rabat (1963-1964)

Morad Montazami, Zamân Books & Curating

Concernant le rôle des artistes arabes au sein du mouvement et des réseaux célèbres de l’École de Paris, la question de la marginalité est à prendre au sérieux. C’est-à-dire de nous demander comment on habite les marges, comment on échappe aux marges ou comment on peut survivre aux marges. Ce faisant, différents modes de rencontre semblent prévaloir, que ce soit « en marge » des ateliers de l’Ecole des Beaux-arts de Paris dans les années 1950, dans le programme des galeries ou dans les catalogues d’exposition parisiens. Pour la poignée de noms comme Ahmed Cherkaoui, Jilali Gharbaoui, Mohammed Khadda ou Shafic Abboud, à la renommée relative, combien d’artistes arabes demeurent inconnus et peuvent être indexés « en marge » ? Faut-il en déduire un effet de riposte contre un mouvement occidental attrape-tout – englobant entre autres l’ « art informel », l’ « abstraction lyrique », le « tachisme », l’ « art brut » ? Peut-on vraiment dire que cette riposte se déroule de l’intérieur ? Les expériences subjectives incarnées par ces noms peuvent-elles se rejoindre, se résoudre dans un mouvement dialectique et transculturel ? Quels sont les contre-récits visuels opposés par les conceptions et les perceptions panarabes aux têtes de file de l’Ecole de Paris?

Morad Montazami est historien de l’art, éditeur et commissaire d’exposition. Il est rédacteur en chef de la revue Zamân(Textes, images et documents) et directeur de la plateforme Zamân Books & Curating qui développe les études et les expositions sur les modernités arabes, africaines et asiatiques. Il est l’auteur de nombreux articles sur des artistes tels que Jeremy Deller, Francis Alÿs, Zineb Sedira, Éric Baudelaire, Walid Raad, Latif al-Ani, Mohamed Melehi, Faouzi Laatiris…

Vendredi 21 mai 2021

Des histoires décoloniales de l’abstraction. Archives croisées entre Paris et le Moyen-Orient
Nadia Radwan, Assistant Professor in World Art History, University of Bern

Cette contribution s’inscrit dans une réflexion sur la manière d’inclure des histoires de l’abstraction longtemps considérées comme en marge des canons de l’histoire de l’art. Elle se propose d’aborder les questions d’absence, d’exclusion et de traduction qui jalonnent l’étude des artistes abstraits de la région MENA. Mettant en avant l’importance des archives souvent transnationales et plurilingues, il s’agit de questionner des œuvres et des documents marqués par les antagonismes et les différences qui viennent complexifier un récit homogène de l’abstraction. En outre, en mettant en avant les trajectoires multiples entre Paris et le Moyen-Orient, cette contribution entend décentrer les récits européens et moyen-orientaux sur l’art abstrait de façon à mettre en évidence des œuvres qui sont le fruit d’histoires croisées souvent dissimulées au profit de discours identitaires ou d’altérité.

Shafic Abboud : Archives d’un peintre, archives d’un père, une expérience à la croisée des mémoires et des documents
Christine Abboud

Hériter du fonds d’un artiste est une étrange aventure, qui redessine les contours de votre propre histoire. Mais au-delà, comment gérer et organiser des œuvres et surtout des documents, alors que l’on est n’est ni historien de l’art ni archiviste…? Je tenterai d’expliquer comment je me suis appropriée ce matériau à la fois mort et vivant, quelles sont les questions qui se posent lorsque l’on a la volonté de ne pas « trahir », de ne pas fausser la lecture que d’autres pourraient faire de l’archive et surtout de batailler contre un « portrait officiel » qui se met si vite en place et qui brouille la recherche.

Vendredi 4 juin 2021

Jamil Hamoudi et Paris (1947-1962) : l’expérience de l’abstraction au prisme d’une histoire croisée entre Paris et Bagdad
Zouina Ait Slimani, doctorante à l’École normale supérieure (IHMC) /Université de Genève (Unité d’arabe).

De tous les artistes irakiens de passage à Paris, Jamil Hamoudi (1924-2003) semble apparaître comme étant l’une des figures les plus connues pour son implication au sein des cercles artistiques et intellectuels parisiens. Peintre, sculpteur et critique d’art, il est à l’origine de la publication de al-Fikr al-ḥadīth (1945-1947), première revue culturelle d’avant-garde en Irak consacrée à l’art et à la littérature. Après des études de peinture et de sculpture à l’Institut des beaux-arts de Bagdad (1945), Jamil Hamoudi obtient une bourse et se rend à Paris en 1947, où il intègre un cycle d’étude en peinture à l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, période durant laquelle il poursuit également des cours de dessin à l’Académie Julian, ainsi que des cours d’histoire de l’art à l’École du Louvre. En 1949, il est élu membre du Salon des Réalités Nouvelles, figurant dans plusieurs expositions de ce groupe entre 1949 à 1953. En 1950, il organise sa première exposition individuelle à la galerie Voyelles à Paris. Durant cette première période parisienne, Jamil Hamoudi édite sa seconde revue en langue française, Ishtar (1958-1962), dont le sous-titre est évocateur : « Ishtar, Orient-Occident. Pour une compréhension meilleure entre l’Orient et l’Occident ».

À travers l’étude de la trajectoire individuelle de Jamil Hamoudi, et en prenant appui à la fois sur l’analyse de ses œuvres, des archives et des textes de cette période, cette contribution vise dans un premier temps à appréhender la réception de l’œuvre de cet artiste dans la scène artistique parisienne et en Irak, dans le but de réfléchir dans un second temps, à la restitution d’un récit sur l’histoire de l’abstraction qui prend en considération les connexions, les croisements et les transferts artistiques de cette période, inscrivant ainsi, l’histoire de cette abstraction dans une perspective extra-européenne et mondiale.

Après l’obtention d’un Master 1 avec un mémoire sur l’artiste irakien Dia al-Azzawi, et d’un Master 2 sur l’étude des pratiques artistiques dans les trois pays du Maghreb (Algérie, Maroc, Tunisie) des années 1950 aux années 1970, à l’université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne, Zouina Ait Slimani travaille à présent sur une thèse en Esthétique, histoire et théories des arts à l’École normale supérieure de Paris en cotutelle avec l’Université de Genève. Ses recherches portent sur l’histoire de l’écriture sur l’art en Irak des années 1930 aux années 1980.

Vendredi 18 juin 2021

Séance de synthèse

En prévision de la dernière séance de l’année, le 18 juin 2021 prochain, nous invitons les participants et les auditeurs à un échange de synthèse et de réflexion pour préparer le séminaire 2021-22, qui se poursuivra sur le thème de cette année.

Prochaine et dernière séance du séminaire

Programme des deux dernières séances du séminaire Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen Orient, XIXe-XXIe siècle de l’année

Les séances auront lieu par visioconférence sur Zoom. Pour y assister, veuillez demander une invitation à l’adresse : arvimm.groupe@gmail.com

Vendredi 19 juin 2020, 15h-17h

Olga Nefedova, Associate professor – National Research University HSE, Moscow/Researcher – Orient-Institut Beirut (Max Weber Foundation)

Art and Artists Crossing Borders: the Early History of Art Education for Arab Artists in the USSR in 1950-70s

 

 

Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen Orient, XIXe-XXIe siècle — Migrations artistiques : circulation, transferts culturels, création

Khaled Takreti, Baluchons 3, 2017. Acrylique sur toile, 146 x 114 cm. Donation Claude & France Lemand. Musée, Institut du monde arabe, Paris. © Khaled Takreti. Courtesy Galerie Claude Lemand, Paris.

Responsables

Alain Messaoudi, Silvia Naef, Fanny Gillet, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Informations pratiques

  • 1er et 3e vendredi du mois, 15h à 17h
  • IISMM, salle de réunion, 1er étage, 96 bd Raspail 75006 Paris

Présentation

(English below)

Migrations artistiques : circulation, transferts culturels, création

Les premières années du séminaire ont mis en lumière l’importance des mobilités artistiques, à travers les protagonistes, les discours, les formes et les œuvres, dans, vers et à partir de la région du Maghreb et du Moyen-Orient — étant elle-même une terre d’intenses mobilités activées par son histoire et sa géographie. Pour cette raison, l’équipe ARVIMM se propose de poursuivre son travail sur l’écriture de l’histoire de l’art sous l’angle de la migration et des aspects qu’elle recouvre : les circulations, les échanges, les transferts culturels et l’expérience migratoire. L’objectif est de décrire, de penser et d’analyser la migration artistique et son interaction avec les dynamiques historiques de la création dans la région, d’une manière concrète, historiographique, théorique et esthétique.

À travers l’étude des parcours d’artistes, il s’agit de retracer leurs trajectoires migratoires, qu’elles soient temporaires ou définitives, volontaires (formation artistique, stratégie de carrière…) ou contraintes par des situations politiques (atteintes aux libertés fondamentales, opposition aux régimes…) ou de guerre. Dans le cadre d’une analyse des transferts culturels et des échanges artistiques, l’étude de ces trajectoires portera une attention aux réseaux d’insertion, vecteurs de rencontres et d’influences, dans les pays d’accueil et d’origine. Il s’agit en effet de comprendre comment, dans  le déplacement, les artistes — médiateurs culturels en puissance — contribuent à l’exportation et à l’importation transnationales de biens symboliques par des processus d’appropriation, de diffusion et de transmission de concepts théoriques et de pratiques artistiques au Maghreb et au Moyen-Orient. Sans exclusive, nous nous intéresserons autant aux artistes natifs qu’aux artistes d’origine européenne qui ont joué un rôle dans la construction du monde de l’art dans ces territoires.

Enfin, parce la création interagit avec le monde environnant, nous nous intéresserons aux productions artistiques en tant qu’elles témoignent de l’expérience migratoire. Dans une approche à la fois biographique et plastique qui s’inscrit dans la problématisation de cette histoire connectée, il s’agit ici d’étudier les liens entre les effets sur l’artiste de ce vécu individuel et subjectif et la manière dont il s’imprime dans les œuvres qu’il produit. L’enjeu se veut aussi théorique en proposant de travailler sur les concepts littéraires d’écriture migrante et d’écriture de l’exil et sur leur opérabilité dans le champ des arts visuels.

Artistic Migrations: circulations, cultural transfers and creation

This year, we propose to continue our inquiry into the writing of the history of visual arts in North Africa and Middle East since the 19th century, from the perspective of migration and related aspects: movements, exchanges, cultural transfers and migratory experiences. We will examine artists’ paths towards, within or from this geographical area, by retracing their migratory trajectories, whether temporary or permanent, voluntary (in search of a new environment, to pursue studies or a career…) or forced (to escape a situation of war or political repression…). We will pay particular attention to integration networks, which are vehicule for encounters and influences, in both host and home countries. Our aim is to understand how, in the process of displacement, artists — as potential cultural mediators — contribute to the export and import of symbolic goods through the appropriation, dissemination and transmission of concepts and practices. We will include an analysis of artistic productions that reflect the migratory experience. Through biography and forms, we will study how a subjective experience is expressed in artworks. This will lead us to think about the concepts of migrant literature and their operability in the field of visual arts.

Programme

Jeudi 14 novembre 2019, 13h-17h, salle des étudiants, puis salle Lombard

Exceptionnellement, la rentrée du séminaire aura lieu le jeudi 14 novembre, de 13h à 17h, en raison de la mutualisation de la séance avec le séminaire “Frontières et enfermements dans les sociétés arabes et les mondes musulmans : incorporations, affects et vécu“.

13h-14h : Accueil des étudiants du séminaire “Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen Orient, XIXe-XXIe siècle”
IISMM-EHESS, salle des étudiants, 1er étage, 96 bd Raspail, 75006 Paris

14h-17h : Séance mutualisée avec le séminaire “Frontières
et enfermements dans les sociétés arabes et les mondes musulmans : incorporations, affects et vécu

IISMM-EHESS, salle Lombard, rdc, 96 bd Raspail, 75006 Paris

    • Introduction du séminaire par Amin Moghadam, Stéphanie Latte-Abdallah, Hélène Thiollet
    • Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut Convergences Migrations, Mobilités artistiques et imaginaires migratoires. Renouveau du motif de la Méditerranée dans les arts plastiques au prisme des crises des années 2010.
    • L’immigration et les migrations au prisme de l’art contemporain dialogue entre l’artiste plasticienne Ghazel et Isabelle Renard, Cheffe du service des expositions et collections du Musée National de l’Histoire et de l’Immigration – Palais de la Porte Dorée
    • Débat

Vendredi 6 décembre 2019, 14h-17h

Séance annulée

Vendredi 20 décembre 2019, 15h-17h

Séance annulée

Vacances scolaires : 21 déc.-6 janv.

Vendredi 17 janvier 2020, 15h-17

Hélène Tissières, chercheuse affiliée au Global Studies Institute de l’Université de Genève

Art contemporain de l’Afrique et de sa diaspora : de la trace et du fantôme 

Cette intervention est basée sur une réflexion de l’artiste franco-algérien Khader Attia Réfléchir la mémoire et du positionnement des artistes concernant “l’amputation”, soit la blessure donc des violences et des destructions (trace) et de la mémoire (fantôme), et leur façon de dénoncer les déséquilibres de la globalisation. Il sera question non seulement des injustices perpétrées et de l’absence d’écologie, mais aussi de la violence, des guerres, et de la question de l’immigration. Sans résolution (solutionnement), les fantômes prennent le devant de la scène et James Baldwin dans divers interviews, rapportés dans le film I am not your Negro de Peck, en évoque les conséquences. Seront étudiées les œuvres de divers artistes dont Jems Koko Bi (ivoirien), Bruce Clarke (anglo-sud-africain), Safaa Erruas (marocaine) et Kacimi (marocain), et également le travail des cinéastes marocain Zinoun et franco-algérien Allouache ainsi que du rappeur sénégalais Didier Awadi qui a composé avec un musicien tunisien. Les entrelacs Maghreb-Afrique subsaharienne seront constants.

Vendredi 31 janvier 2020, 15h-17h

Alix Brouillon, masterante, EHESS

L’atelier des artistes en exil : ethnographie d’une maison-refuge
L’atelier des artistes en exil est une association fondée en 2017 par Judith Depaule et Ariel Cypel. Cette maison-refuge, unique dans le monde, selon les termes de Judith, se propose d’accueillir des réfugiés artistes ayant été contraints de fuir leur pays. Face à l’urgence de l’accueil et de la gravité de leur situation, l’atelier répond à plusieurs missions. Il propose, en effet, d’accompagner les artistes, toutes disciplines confondues, selon leurs besoins et leur situation. Il s’agit pour cette association d’offrir aux artistes une aide dans les démarches administratives, mais aussi de leur offrir un espace de travail, un lieu de rencontres et de sociabilité et un espace à soi, ainsi qu’un soutien psychologique. Cet espace de travail permet aux réfugiés de continuer à exercer leur art et d’être mis en relation avec des professionnels, en d’autres termes, de s’insérer au mieux dans la société française. Enfin, si une telle structure existe, c’est parce que les institutions délèguent aux associations engagées comme celle-ci la responsabilité de la prise en charge d’individus en exil, rendant l’existence de l’atelier et le travail de ceux qui l’animent, indispensable.

Jihane Alami, Master 2 Politique Transnationale ou Masterante, Paris 8 département de Science Politique

Articuler migration et pratiques artistiques : l’exemple des artistes irakiens dans le contexte post-Saddam à Londres et à Amman

Cette présentation s’appuie sur un travail de recherche de trois ans, à Amman puis à Londres, à la rencontre des artistes irakiens exilés dans ces capitales. La méthodologie d’enquête, au croisement de la sociologie des migrations et de celle de l’art, permet d’éclairer différentes dimensions du travail de ces artistes, notamment en ce qui concerne leur identité d’artiste “irakien”, ainsi que leur insertion dans les scènes artistiques contemporaines. Il s’agit à la fois de comprendre les processus évolutifs de création artistique au niveau local aussi bien que de leur donner un sens au niveau transnational, au regard du contexte de la guerre en Irak d’une part et à l’aune des processu.

Vendredi 7 février 2020, 15h-17h

Fabienne Dumont, historienne de l’art, professeure à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Nancy

Migrer et représenter les migrations. Autour de l’exposition TRANS/HUMANCE de Nil Yalter au MAC VAL

Artiste en migration, Nil Yalter (1938, Le Caire) s’installe à Paris en 1965 pour poursuivre un cursus aux Beaux-arts et y établir sa carrière. Dès les années 1970, elle développe un art pionnier tant sur le plan des formes que sur celui des thèmes. Vidéo, peinture, dessin, photographie, collage, performance et installation concourent à former une œuvre hybride dont la matière première est issue d’une méthodologie anthropologique qui s’intéresse aux conditions de vie des minorités et des populations marginalisées : femmes, prisonnières, homosexuels, travailleur·euse·s immigré·e·s, communautés exilées… À travers ses œuvres, Nil Yalter donne à entendre la difficulté à vivre une situation d’exil au sein d’une ville, un pays, ou de la société.
Au cours de cette séance, Fabienne Dumont, commissaire de l’exposition TRANS/HUMANCE et meilleure spécialiste en France de Nil Yalter, reviendra sur le parcours de l’artiste et le thème de la migration qui prédomine dans son œuvre.

Pour préparer la séance

  • Trans/humance, exposition au Mac/Val, Ivry-sur-Seine, 5 octobre 2019 au 9 février 2020
  • Fabienne Dumont, Nil Yalter. Une œuvre sociologique à la confluence des mémoires et des mythologies, Mac/Val, 2019, 320 p.
  • Fabienne Dumont, Entretien avec Nil Yalter, Manuella Édition, 2019, 112 p.

Vacances scolaires : 8-24 février

Vendredi 6 mars 2020, 15h-17h

En raison de la crise du Coronavirus, notre intervenante a renoncé à sa venue en France. La séance est remplacée par une une visite collective de l’exposition Notre monde brûle au Palais de Tokyo organisée en collaboration avec le MATHAF sous le commissariat d’Abdellah Karoum. Rendez-vous dans le hall du Palais de Tokyo à 15h. Merci de nous confirmer votre venue : arvimm.groupe@gmail.com

Vendredi 20 mars 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence. Travail avec les étudiants sur l’exposition Notre monde brûle.

Vendredi 27 mars 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence. Travail avec les étudiants sur l’exposition Notre monde brûle.

Vendredi 3 avril 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence dédiée aux exposés des étudiants.

La génération du môle d’Alger et la modernité picturale

Lydia Haddag 

Il s’agira à travers le groupe de la génération du môle d’Alger de présenter les enjeux liés à la modernité picturale en Algérie coloniale. L’idée est d’inscrire les évolutions de la vie artistique algéroise dans l’histoire politique et sociale de la première moitié du XXème siècle.

Étude du signe arabe dans l’Œuvre de Saloua Raouda Choucair

Tamara Choukair

Il s’agira de présenter les recherches menées sur ce sujet depuis l’année dernière, la manière dont elles ont évoluées, les difficultés rencontrées, les problèmes de méthodologie, et les enjeux du sujet qui s’inscrit à la fois au bureau des Arts des pays d’Islam et celui d’Art contemporain. Cette présentation sera l’occasion de dresser les thématiques qui tournent autour de la production sculptée de l’artiste.

Vendredi 10 avril 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence dédiée aux exposés des étudiants.

Les cavaliers spahis ont combattu au sein de l’armée française d’Afrique et notamment, au Maghreb (1830-1870)

Zineb Diouani

Je me focaliserai sur les spahis algériens qui ont combattu en Algérie et au Maroc. Les régiments de spahis se distinguent dans le fait qu’ils sont composés majoritairement de Maghrébins. Ils sont aussi issus de la culture ottomane mais incarnent, la tradition équestre arabe-berbère. L’idée est de montrer que leur intégration au sein de l’armée française est due, en grande partie, au symbole qu’ils représentent. J’essayerai de le démontrer à travers l’art.

Les écoles coloniales de l’arrondissement de Tizi-Ouzou de 1944-1954

Rosalie Mahieu

Cette période, à raison, a été perçue comme l’essor du mouvement nationaliste algérien. Cependant, elle est aussi une phase d’approfondissement de la colonisation avec des plans de scolarisations massifs. Il s’agira donc d’étudier les écoles républicaines laïques et les écoles missionnaires en Kabylie à l’aune de l’essor des tensions coloniales.

L’inscription de l’art dans le quartier de Weibdeh à Amman

Alba Perset

Il s’agira de faire un état des lieux de mes pistes actuelles. Mon sujet étant en chantier, puisqu’il a été modifié récemment et réduit au Quartier de Weibdeh à Amman. Je présenterais donc l’interdisciplinarité au centre de ma méthode d’enquête, entre anthropologie de l’art, anthropologie urbaine et anthropologie sonore.  Ces diverses disciplines donneront une dimension plus sensible à mon sujet. Elles me permettront d’appréhender le quartier de Weibdeh en étant au plus proche de la vision des artistes eux mêmes, qui le vivent sensiblement et à travers ces trois perspectives, l’art, la spatialisation et le son et qui le modifient chaque jour un peu plus par leurs interventions sociales ou créatives.

Vendredi 17 avril 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence. Travail avec les étudiants sur l’exposition Notre monde brûle.

Vendredi 15 mai  2020, 15h-17h

Séance en visio-conférence. Ouverte sur invitation à demander à l’adresse : arvimm.groupe@gmail.com

Silvia Naef, Professeure ordinaire, Université de Genève, département d’arabe

Etel Adnan et la multiplicité des langages

Le travail artistique et littéraire de l’artiste libanaise Etel Adnan (née en 1925), fille d’un père syrien et d’une mère grecque, ayant grandi à Beyrouth où elle a suivi toute sa scolarité en français, étudiante à la Sorbonne puis enseignante en Californie, pour enfin revenir à Paris récemment, se nourrit de ces expériences et identités multiples. La migration choisie, en France d’abord puis aux États-Unis, ne rompt cependant pas le lien qu’Adnan entretient avec le monde arabe, et qui s’exprime notamment par ce qu’elle définit comme un nouveau langage, entre la peinture et l’écriture, qui lui permet de « peindre en arabe », un langage qu’elle découvre au début de son séjour californien. Comme l’anglais, langue qu’elle adopte pour ses poèmes à la place du français, à la même époque. Le Nouveau Monde qu’Adnan découvre dans les années 1960 lui confère des nouveaux moyens d’expression, qui font d’elle, comme elle le disait dans une interview qu’elle avait donnée en ligne en 2018, une artiste « pionnière du monde globalisé » (consulté le 29 mars 2020).

Nagham Hodaifa, docteure en Histoire de l’art, chercheuse associée à l’EA HiCSA-Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Également artiste-peintre, diplômée de l’École des Beaux-arts de Damas

Marwan entre Damas et Berlin. Le visage en question.

Aujourd’hui nous pouvons saisir l’influence de Marwan (1934-2016), artiste majeur du monde arabe, sur l’œuvre de nombreux artistes contemporains arabes. Peintre diasporique dont le langage artistique s’est élaboré entre Damas et Berlin, Marwan a émigré en Allemagne en 1957 et y est demeuré jusqu’à sa disparition en 2016. Dès les années 1960, sa peinture fait référence dans le milieu de l’avant-garde berlinois et s’inscrit dans le mouvement historique de la Nouvelle Figuration ou Pathetische Figuration alors que, durant cette décennie et plusieurs dizaines d’années plus tard, son art reste peu connu dans le monde arabe. En effet, l’œuvre de Marwan témoigne d’une réelle singularité par son exploration inlassable du motif du visage, un leitmotiv qu’il décline durant cinquante ans de vie artistique, sous des formes variées, et qui peut apparaître comme une manifestation esthétique de ce déplacement culturel. Car la thématique du “visage” (on dit habituellement un portrait ou un autoportrait) est rarement explorée par ses contemporains originaires du monde arabe. Comment alors aborder ce motif dans sa relation avec la culture visuelle du pays d’origine et de celui d’adoption de l’artiste ? Pour Marwan, la répétition du motif tient à son lien culturel avec l’Orient : regarder un même sujet en portant un nouveau regard, reprendre la même forme pour la réengendrer autrement. Cette répétition doit elle être lue comme l’écho d’un procédé pictural propre à la peinture ou d’une inspiration venue d’Orient?

Pour préparer la séance

  • Hodaifa (Nagham), Marwan. Face à face, Berne, Peter Lang,
    coll. « Études culturelles et sociales sur le Moyen-Orient », 2018, 396 p.

Vendredi 29 mai 2020, 15h-17h

Séance en visio-conférence. Ouverte sur invitation à demander à l’adresse : arvimm.groupe@gmail.com

Victoria Ambrosini, docteure en histoire de l’art de l’EHESS, commissaire

Les pratiques artistiques syriennes en situation de mobilité et d’exil

La dictature du clan Assad depuis 1970, puis la répression des mouvements révolutionnaires à partir de 2011 ont considérablement pesé sur le développement artistique local. Le plus souvent les artistes ont dû s’expatrier pour exister, articulant ainsi un lien entre art et migration. Pourtant, rares sont ceux qui depuis l’exil, sont parvenus à une reconnaissance.
C’est surtout à partir des Printemps arabes et de la guerre en Syrie, en 2011, que des artistes, déjà reconnus localement et internationalement, produisent en situation de migration. Le développement du marché (2000) puis la médiatisation des événements politiques (après 2011) amplifient l’audience internationale de ces artistes mais les soumettent également aux attentes politiques et culturalistes des prescripteurs occidentaux, commissaires d’exposition et critiques.

Vendredi 19 juin 2020, 15h-17h

Séance en visio-conférence. Ouverte sur invitation à demander à l’adresse : arvimm.groupe@gmail.com

Olga Nefedova, Associate professor – National Research University HSE, Moscow/Researcher – Orient-Institut Beirut (Max Weber Foundation)

Art and Artists Crossing Borders: the Early History of Art Education for Arab Artists in the USSR in 1950-70s

During recent decades, interest in different facets of contemporary Arab art has increased significantly. Although this interest has played a key role in bringing modern and contemporary Arab art into wider focus, significant gaps remains in the scholarly discussion. This seminar will analyse the new artistic practices and the art heritage of Arab artists who graduated from various USSR art institutions. It studies artists who graduated or were continuing as postgraduate students between 1959, when the first group of Arab art students arrived in the USSR and 1979. The study is based on the previously unpublished material from various archives. The research was undertaken with the aid of artists and artists’ relatives, based on the materials gathered through meetings, interviews and correspondence with them. Information from large collections of press clippings from Soviet newspapers, journals and magazines of 1950-1980s was also considered. The seminar will address the problem of Arab artists’ education within the context of social realism ideology in art, as well as problem of students’ adaptation in the USSR and their post-Soviet art career in their own countries and abroad.

Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen Orient, XIXe-XXIe siècle

Légende : Djamel Kokene-Dorléans, Tajmaât, installation, 2010, Rennes.
Dans cette installation, Djamel Kokene-Dorléans déplace le dispositif traditionnel de la tajmaât (“assemblée”), une structure collective citoyenne usitée dans le centre et le nord de l’Afrique, pour l’installer dans le contexte d’une manifestation artistique (Biennale de Rennes). Par ce geste, l’artiste questionne ce qui fait communauté dans sa relation à l’espace.

Responsables

Alain Messaoudi, Silvia Naef, Fanny Gillet, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Informations pratiques

  • 1er et 3e vendredi du mois, 15h à 17h
  • IISMM, salle de réunion, 1er étage, 96 bd Raspail 75006 Paris

Présentation

C’est à travers nos expériences de recherche et en analysant les résultats de nos travaux que nous poursuivrons cette année notre enquête sur l’élaboration et l’écriture des histoires de l’art dans et sur le Maghreb et le Moyen-Orient, en conservant les axes problématiques que nous avons déjà dégagés. Dans quelle mesure nos recherches entrent-elles en écho ou en discordance avec les histoires de l’art produites à l’échelle nationale dont nous avons travaillé à identifier les acteurs et les usages, à travers les mouvements d’indépendance, le panarabisme ou le processus de mondialisation ? Comment s’inscrivent-elle dans le contexte actuel de réévaluation des modernités extra-occidentales auquel prennent part de nombreuses institutions muséales en faisant usage de l’histoire globale et des études postcoloniales, non sans écueils (formes d’assignations, détermination occidentale des conventions esthétiques sous couvert d’universalisme…). Se construisent-elles en dialogue avec des artistes vivants ? Participent-elles à des processus de patrimonialisation, quand se pose la question de la conservation des œuvres et des archives, et celle de leur accessibilité dans un moment historique traversé par les conflits, et où les productions artistiques sont au cœur du débat public sans constituer pour autant une priorité politique ? A travers ces questions, nous dégagerons les éléments d’un panorama historiographique.

Programme

16 novembre 2018

Introduction générale.

Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Les anthologies de Halil Altındere et Süreyyya Evren, une histoire critique de la Turquie contemporaine

Artiste phare de la scène artistique d’Istanbul des années 1990, Halil Altındere y joue un rôle fédérateur qui s’exprime par de nombreux projets éditoriaux collectifs qu’il conçoit comme des espaces de débat et de réflexion artistique. La revue, les monographies et les anthologies, qu’il édite avec sa maison d’édition Art-ist, participent également de l’ambition revendiquée d’écrire une histoire de l’art contemporain en Turquie. A y regarder de plus près, les choix artistiques opérés semble témoigner d’une autre ambition, non avouée celle-ci, qui interpelle le spectateur non seulement accoutumé au pays mais aussi animé par un regard politique. Cette ambition, qui constitue mon hypothèse, est celle de la production d’une histoire critique de la Turquie contemporaine. Pour mettre en lumière cette double lecture historique — de l’art et du temps présent —, j’étudierai les anthologies de l’art contemporain turc qu’Altındere élabore avec l’auteur et théoricien Süreyyya Evren.

7 décembre 2018

Entretien avec l’artiste Djamel Kokene-Dorléans, animé par Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Artiste d’influence conceptuelle, Djamel Kokene-Dorléans développe une œuvre protéiforme depuis le tournant des années 2000, qui évolue à travers l’installation, la sculpture, la vidéo, le dessin, la peinture et la performance, jusqu’à un dépassement des limites de ces catégories artistiques. Il intègre ainsi à sa pratique le dispositif du forum sous différentes variantes (l’exposition avec Laplateforme, 2002-06, l’enseignement avec L’École mobile, 2006-, et l’édition avec la revue Checkpoint, 2006-) comme autant d’espaces de dialogue interdisciplinaire, d’expériences collectives et de co-création. Les préoccupations de Djamel Kokene-Dorléans sont nombreuses : les notions de collectif, de culture et de mondialisation s’articulent à une réflexion profonde sur le rôle de l’art, du langage et des représentations.

21 décembre 2018

Alain Messaoudi, MCF Université de Nantes

Paris et les artistes tunisiens aux lendemains de la Seconde Guerre mondiale

A partir du cas de Abdelaziz Gorgi (1928-2008), à qui une exposition rétrospective sera consacrée en décembre à Tunis, je voudrais entamer une réflexion sur le sens qu’a pu avoir le séjour à Paris pour les artistes tunisiens aux lendemains de la Seconde Guerre mondiale. Du fait de l’instauration de bourses et de prix soutenus par les autorités du protectorat français en Tunisie, le séjour à Paris s’est imposé à partir des années 1930 comme une expérience ordinaire pour les jeunes artistes destinés à devenir les principales figures du monde de l’art en Tunisie. Que sait-on de ces expériences parisiennes ? Ont-elles eu un impact sur leurs engagements futurs, socio-politiques et artistiques ?

18 janvier 2019

Claudia Polledri, Chercheuse postdoctorale, Département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques, Université de Montréal

La figure du « témoignage » dans l’art contemporain libanais : pratiques, objets et mise en récit.

Comment l’art contemporain libanais a intégré la dimension testimoniale en la déclinant sur le plan visuel? Quels sont les points de contact et les écarts avec les pratiques de l’histoire orale ? Peut-on parler “d’objet-témoin” et dans ce cas, dans quels termes? À partir des oeuvres des artistes libanais Hadjithomas et Joreige et Lamia Joreige il s’agira de proposer une réflexion sur l’utilisation du témoignage dans le cadre des pratiques et d’en évaluer la portée si bien sur le plan artistique qu’historien.

25 janvier 2019

Silvia Naef, Professeure ordinaire, Université de Genève, département d’arabe

‘Dire’ la guerre à travers les arts visuels dans le monde arabe

Le monde arabe a été fortement marqué, dans les dernières décennies, par l’expérience de la guerre. Chez les artistes contemporains, cet état des choses est bien présent, ainsi qu’il l’est dans le cinéma ou la littérature. Moins connue est la manière dont les artistes modernes, dont l’approche a souvent été critiquée comme relevant du « décoratif », ont donné une forme visuelle aux conflits et dans quel cadre ces œuvres ont été montrées – ou non – dans des pays à régime autoritaire.

1er février 2019

Fanny Gillet, Alain Messaoudi et Perin Yavuz, commissaires de l’exposition TYPOGRAPHIae ARABICae en présence de Marco Maione, designer graphique

La typographie arabe, l’ouverture d’un champ de recherche

A l’occasion de l’itinérance de l’exposition TYPOGRAPHIae ARABICae qui a lieu au Caire du 21 janvier au 5 février, nous reviendrons sur sa genèse et les questionnements qu’elle suscite pour la recherche visuelle sur le monde arabe. En revenant sur une histoire du graphisme typographique, il s’agira alors de comprendre les enjeux esthétiques, sociaux et politiques qui entourent l’étude et l’usage de l’écriture arabe imprimée.

15 février 2019

Programme modifié : en prévision de la séance des étudiants, une permanence destinée à discuter de leur projet de recherche.
Contact : arvimm.groupe@gmail.com.

1er mars 2019

La séance des étudiants est reportée au 15 mars.

15 mars 2019 (15h-19h) – Séance des étudiants

Zouina Aït Slimani, Doctorante en Esthétique, histoire et théories des arts, ENS / Université de Genève, Unité d’arabe.
La revue Al Fikr al hadith (1945 – 1947) en Irak : un espace alternatif pour le discours sur l’art
En 1945, l’artiste Jamil Hamoudi (1921 – 2003) publie Al Fikr al hadith (La pensée moderne), consacrée à l’art et à la littérature (1945 – 1947). Cette revue s’impose rapidement comme un lieu d’échanges dans lequel s’expriment peintres, écrivains et poètes qui devineront par la suite les symboles de la peinture et de la littérature moderne en Irak. L’objet de cette étude est de démontrer dans quelle mesure la revue Al Fikr al hadith a permis à un groupe d’intellectuels, composé à la fois d’artistes, de poètes et d’écrivains irakiens de structurer leur pensée, à travers l’introduction de nouveaux courants d’avant-garde. Notre présentation va s’articuler principalement autour des articles de cette revue qui sont consacrés à l’art. Ils constituent une archive représentative d’une période importante pour l’histoire de l’art irakien, notamment en ce qui concerne la question de la critique. En effet, cette revue est le point de départ d’un discours sur l’art en Irak, qui a vu le jour dans un contexte de bouillonnement artistique et intellectuel où l’art irakien était encore en pleine construction. Au-delà de sa valeur historique, cette revue a une dimension transnationale, dans la mesure où elle réunit des auteurs à la fois irakiens et étrangers.
Eudes Guénois, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, mention philosophie, Sorbonne- Université
Approche d’Oleg Grabar de l’ornement dans l’art islamique
L’ordre d’exposition suivra trois parties majeures de l’ouvrage d’Oleg Grabar, L‘Ornement. Formes et fonctions dans l’art islamique. Celles-ci consisteront à opérer, dans la première partie, une approche contextuelle de l’œuvre par la connaissance de l’auteur, et la situation universitaire dans laquelle s’inscrit ce livre. Dans un deuxième temps, nous proposerons une synthèse du livre en relevant les principaux nœuds de réflexions qui le jalonnent. Ceci nous permettra d’ouvrir une réflexion sur l’ornement dans l’Art, et sa place dans l’art islamique.
Laura Mcintyre, M2 Histoire de l’art, Paris-Sorbonne IV
Monir Shahroudy Farmanfarmaian : de la géométrie abstraite à la géométrie sacrée
Dans les années 1960, l’Iran était au centre d’une culture florissante célébrant les traditions perses et iraniennes dans le cadre de la politique de modernisation menée par Mohammad Reza Shah Pahlavi. Ce contexte culturel en Iran a permis à Monir Shahroudy Farmanfarmaian d’articuler ce qui allait devenir une vision artistique évoluée. Née dans l’ancienne ville perse de Qazvin en 1924, Monir a commencé son travail avec les miroirs au début des années 1970. Ses œuvres s’appuient sur les coordonnées spatiales de la géométrie et des techniques artisanales de l’art et de l’architecture islamique. On examinera cette idée d’appropriation créative de la tradition dans l’approche de l’abstraction géométrique de Monir, qui constitue le pilier de son art depuis plus de 40 ans.
Thibault Poisson, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, Sorbonne- Université
Analyse de la scène artistique contemporaine kurde
Mathilde Desanges, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, Sorbonne- Université
La femme arabe vue par Lalla Essaydi. Entre contestation et réappropriation du concept d’ «orientalisme »
Ma présentation portera sur le travail de l’artiste marocaine contemporaine Lalla Essaydi. Utilisant
essentiellement la photographie et la calligraphie arabe, son travail est axé autour de la représentation du corps de la femme et notamment la complexité de la vision occidentale sur l’identité des femmes des pays arabes. L’objet de mon exposé est de comprendre à travers son travail dans quelle mesure il est possible de repenser les mythologies orientalistes en résistant aux stéréotypes, de se demander comment l’artiste parle d’elle-même à travers ses oeuvres et de savoir si elle conteste ou au contraire réutilise le concept d’orientalisme.
Emmanuelle Giraudeau, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, Sorbonne- Université
Hashem El Madani : portrait d’un photographe.
Figure emblématique de la photographie libanaise du XXe siècle, Hashem El Madani a laissé derrière lui une quantité gargantuesque de portraits d’habitants de Saïda, sa ville natale. Son oeuvre devient alors un reflet de la société sud-libanaise au XXe siècle et permet de faire l’histoire de Saïda en suivant son évolution socio-politique. Il s’agit de faire le lien entre art et histoire tout en se penchant sur ce qui a fait d’Hashem El Madani un photographe symbolique.
Alexandre Pulicino, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, Sorbonne- Université
Le Musée copte du Caire
Il s’agira d’étudier le Musée copte du Caire, inauguré en 1910, en se demandant dans quelle mesure il manifeste un intérêt renouvelé pour l’art copte. Nous nous intéresserons au cadre de musée ainsi qu’aux collections qu’il renferme, avant de l’observer comme un signe de l’intérêt porté pour l’art copte et comme un lieu de patrimonialisation.
Soibaha Moussa, M1 Mondes arabes et musulmans, mention géographie et aménagement, Sorbonne- Université
L’architecture contemporaine, un outil du marketing territorial dans la mondialisation, étude de cas avec l’émirat d’Abou Dhabi
Hôtels, gratte ciel, musées, mosquées…le secteur du bâtiment et de la construction est en plein essor aux Emirats et notamment à Abou Dhabi. La multiplication d’édifices novateurs constitue une véritable vitrine de l’Emirat d’Abou Dhabi. L’architecture contemporaine symbolise l’ouverture culturelle et économique dans une région insecure. Elle contribue à la diversification de l’économie en accueillant aussi bien des voyageurs en quête d’un paradis terrestre que les entreprises du secteur tertiaire.

5 avril 2019

Programme modifié

Alain Messaoudi, MCF Université de Nantes

La figure marginale d’un artiste converti à l’islam : Jossot (1866-1951) et le monde de l’art à Tunis (1911-1951)

Jossot (1866-1951) a connu le succès à Paris entre 1894 et 1904 comme affichiste et caricaturiste. Particulièrement connu pour les planches qu’il a composées pour L’Assiette au beurre. Il reste  une référence importante pour de nombreux caricaturistes actuels. Après avoir décidé de rompre avec la caricature pour se consacrer à la peinture, il s’est installé en 1910 à Tunis, qu’il connaissait déjà par des voyages. En 1913, l’annonce de sa conversion à l’islam y fait événement. En me fondant sur les travaux de Henri Viltard – dont on a un aperçu à travers le site qu’il a consacré à l’artiste (http://gustave.jossot.free.fr/index.html) -, j’essaierai de déterminer sa place dans le monde de l’art local, depuis ses débuts fracassants jusqu’à son humble retraite dans le village de Sidi Bou Saïd.

19 avril 2019

Silvia Naef, Professeure ordinaire, Université de Genève, département d’arabe

Entre écriture et abstraction – les débuts parisiens de la hurûfiyya

C’est à partir du manifeste du groupe « Une seule dimension » (1971), qui conférait des assises théoriques à la hurufiyya, que cette tendance a connu un véritable succès dans l’ensemble du monde arabe, jusqu’à devenir le seul mouvement artistique panarabe. Cependant, les premières expérimentations autour des lettres arabes ont lieu  – à Washington – et surtout à Paris dès les années 1950, dans un contexte déjà fortement marqué par la contestation de la modernité telle qu’elle s’était construite à partir du début du 20ème siècle, ainsi que par la remise en question, chez Georges Mathieu notamment, des fondamentaux de l’art occidental issu de la Renaissance. Ici, on se posera la question des éventuelles interactions de ce contexte parisien avec les prémisses de la hurufiyya.

Vacances scolaires

17 mai 2019

Kirsten Scheid, associate professor of anthropology in the Department of Sociology, Anthropology, and Media Studies at American University of Beirut

Self-Civilizing Missions – Deciphering the Sudden Obligation to Learn Art in 1930s Lebanon

Histories of art lessons have focused on colonial intentions to civilize and ignored the phantasmic experiences they afforded. Focusing on student experiences in 1930s Mandate Lebanon, I argue that working out ideas about art amounted to working out ideas about gender and civic bonds. I explore the material challenge of art that culminated in French authorities refusing requests to establish a national art academy.

24 mai 2019

Attention : la séance a lieu dans la salle des étudiants de l’IISMM.

Kirsten Scheid, associate professor of anthropology in the Department of Sociology, Anthropology, and Media Studies at American University of Beirut

Looking Over Our Shoulders: On the Practical Uses of Art to Condemn Anticipated Audiences 

Preparations for the exhibition “The Arab Nude: The Artist as Awakener” (Beirut, 2016) encountered numerous expectations of scandal. Yet no scandal happened; no objections ever materialized. Not only do Nudes have a long history of production in the Arab world, but they have an equally long history of producing social suspicion and cultural condemnation. I take this case of curating to reflect on how production of the Nude genre contributes inadvertently to reifying notions of tradition and modernity and ethnic identity politics.

7 juin 2019

Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Les pionnières de l’art contemporain en Turquie sont-elles plus internationalisées que leurs homologues masculins ?

Le tournant de l’art contemporain en Turquie s’effectue dans le cours des années 1970-80 sous l’action d’artistes dans le sillage de l’école des Beaux arts d’Istanbul. Passés, pour certains d’entre eux, par des formations à l’étranger, ils introduisent dans les enseignements un corpus de textes sur l’art d’auteurs américains et européens qu’ils traduisent eux-mêmes et intègrent progressivement de nouvelles pratiques plastiques, notamment par le biais d’expositions et de publications. Ces pionniers issus de trois générations s’illustrent par une mixité de genre que ne dément pas le développement de l’art contemporain en Turquie, où les femmes artistes tiennent une place importante sur le devant de la scène non seulement locale mais aussi internationale. Cette présentation s’intéresse à l’insertion des femmes pionnières de l’art contemporain en prenant pour hypothèse que leur degré de reconnaissance dans les réseaux artistiques internationaux dépasse, pour certaines, celle des hommes artistes. Cette hypothèse s’appuie sur le constat de la présence d’un groupe de cinq de ces femmes artistes dans les grandes biennales et collections muséales internationales. Une étude quantitative de trois générations d’artistes, hommes et femmes confondus, sera menée pour mesurer leur degré de reconnaissance en prenant pour critères la formation, les expositions et les acquisitions dans les grandes collections. Cette étude s’achèvera par une présentation des parcours et de l’œuvre de certaines de ces artistes.

21 juin 2019

Séance annulée

Histoires de l’art dans le monde musulman (Maghreb et Moyen-Orient), XIXe-XXIe siècle – 3ème Année

Image à la une : Mustapha SEDJAL, « Être et temps », Projet La Question…!, Vidéo 2mn, 2017, Exposition L’art Algérien entre deux rives / Maison des Arts, Antony.

IISMM, salle de réunion, 1er étage, 96 bd Raspail 75006 Paris, 15h à 17h

Pour poursuivre notre enquête sur l’élaboration et l’écriture des histoires de l’art dans et sur le Maghreb et le Moyen-Orient, nous approfondirons les trois axes déjà dégagés en 2015-2016.

Il s’agit dans un premier temps de rendre compte des histoires de l’art produites nationalement, et d’en identifier les acteurs et les usages. Nous tenterons de mettre en lumière les dynamiques régionales à l’œuvre et leur inscription dans des processus politiques tels que les mouvements d’indépendance, le panarabisme ou la mondialisation. Un deuxième axe abordera le contexte actuel de réévaluation des modernités extra-occidentales auquel prennent part de nombreuses institutions muséales à l’aune d’outils théoriques tels que l’histoire globale et les études postcoloniales et culturelles, non sans écueils (formes d’assignations, détermination occidentale des conventions esthétiques sous couvert d’universalisme). Cet axe appellera à des comparaisons internationales. Un troisième axe abordera la dimension patrimoniale de la production des histoires de l’art, à travers la question de la conservation des œuvres et des archives, de leur accessibilité dans un moment historique traversé par les conflits, où les productions artistiques sont au cœur du débat public sans constituer pour autant une priorité politique.

Le premier semestre sera consacré à des présentations de chercheurs, puis quatre artistes seront invités afin de nous présenter la manière dont l’histoire et sa production intervient dans leur pratique. Nous abordons ainsi un axe déterminant de la recherche sur les arts visuels devant créer un espace de dialogue entre chercheurs et artistes dans un souci de co-production de l’histoire de l’art.

Calendrier

17/11/17

Perin Emel Yavuz, Docteure en Arts : histoire et théorie de l’EHESS
1978-2015: les artistes turcs face à l’histoire de l’art

L’avènement de l’art contemporain en Turquie au cours des années 1970 ne pouvait s’effectuer sans un travail de fond de réflexion sur l’art et l’histoire de l’art. Ce travail fut lancé à l’époque par un groupe d’artistes désireux d’introduire l’art conceptuel sur la scène artistique turque: le STT. Rapidement pris en charge par certains acteurs des instances de consécration du monde de l’art, l’art contemporain s’est institué par la volonté politique de faire d’Istanbul un centre artistique international, comme en témoigne la création de la Biennale d’Istanbul en 1987. Face aux questionnements suscité par l’accession de la scène artistique turque à un rang mondial, des artistes ont déplacé leurs préoccupations pour interroger leur position au sein d’une histoire de l’art mondialisée. En prenant pour objet d’étude les productions éditoriales de certains d’entre eux, cette communication entend mettre en lumière les enjeux que revêt pour eux la prise en charge de l’écriture de l’histoire de l’art.

Perin Emel Yavuz est docteure en histoire et théorie de l’art de l’EHESS et membre fondateur de l’ARVIMM. Spécialiste du tournant de l’art (1960-1980) et de la narrativité en art, il a effectué une thèse sur le Narrative art, un courant artistique américain et européen des années 1970 qui contribue à réintroduire la narrativité dans les pratiques artistiques. À partir de ce travail qui concerne l’aire occidentale, elle cherche maintenant à détecter dans les aires non occidentales l’apparition, à la même période,  de pratiques artistiques relevant de l’art conceptuel afin d’interroger les chronologies de l’art et le présupposé de l’avant-gardisme européen et américain. À cette fin, son travail actuel la conduit à étudier la période allant de la fin des années 1960 aux années 1980 en Turquie et en Europe centrale qui voit l’avènement du conceptualisme.

01/12/17

Amandine Dabat, ATER Master Asie Méridionale et Orientale, EHESS
Placer dans l’histoire de l’art un empereur vietnamien exilé, artiste en Algérie française : Le prince d’Annam (1871-1944)

Le prince d’Annam (1871-1944) a régné au Vietnam sous le nom de Hàm Nghi avant d’être exilé en Algérie en 1889 par les Français qui étendent leur protectorat sur l’Indochine. L’empereur déporté devient artiste, peintre et sculpteur. Il vit toute sa vie à Alger, et voyage environ trois mois par an en métropole. En Algérie et en France, il fréquente les milieux artistiques français. Il est formé à la peinture et au dessin par le peintre orientaliste Marius Reynaud, tandis qu’Auguste Rodin lui enseigne les principes fondamentaux de la sculpture. L’artiste et son œuvre sont aux croisements de plusieurs cultures. Les questions d’identité culturelle, d’orientalisme, d’appropriation et d’influence se posent. Cette communication présentera les réflexions sur cet artiste et son œuvre qui ont conduit ma thèse de doctorat, afin de positionner l’œuvre du prince d’Annam dans l’histoire de l’art.

Amandine Dabat, Docteur en Histoire de l’art de l’Université Paris-Sorbonne, titulaire d’un Master en Études vietnamiennes (Université Paris-Diderot), est enseignant-chercheur (ATER) à l’École des Hautes Études en Sciences Sociales et rattachée au Centre Asie du Sud-Est. Sa thèse de doctorat, pour laquelle elle est lauréate du Prix de la Fondation Flora Blanchon (Académie des Inscriptions et Belles-Lettres), a pour sujet la vie et l’oeuvre de l’empereur vietnamien Hàm Nghi (1871-1944), exilé en Algérie française où il est devenu artiste peintre et sculpteur. Ses recherches actuelles portent sur les résistances intellectuelles face aux pouvoirs, au Laos et au Vietnam, de l’époque coloniale à nos jours.

15/12/17

Attention : double séance, horaires spéciaux 14h-17h

L’artiste-historien : une figure en devenir

Dans cette présentation, les conférencières examinerons comment certains artistes, en Europe, aux États Unis et en Amérique Latine, interrogent une histoire de l’art dont ils révisent les récits et les des concepts fondateurs.

Laurence Corbel, Maître de conférences en esthétique et philosophie de l’art, Rennes 2
Une histoire de l’art revue, relue par les artistes (Laurence Corbel).

En Europe et en Amérique du Nord, l’intérêt de certains artistes pour l’histoire de l’art constitue un trait marquant des années 1960. Il s’agit d’abord pour eux de montrer les insuffisances d’une discipline encore très marquée par l’historicisme ainsi que le positivisme, et qui, de surcroît, se montre imperméable aux mutations les plus récentes de l’art. Cette histoire de l’art des artistes mérite d’être examinée autant pour les perspectives qu’elle ouvre sur le passé de l’art que pour l’originalité de l’éclairage qu’elle offre sur les œuvres. Elle invente aussi une histoire parallèle qui s’écrit, à la lumière d’une pratique artistique, en marge et à rebours de l’histoire de l’art des historiens. Si le projet de ces artistes en Europe et aux États-Unis s’est centré sur la critique de l’historiographie, on observe qu’à partir des années 1980, l’intérêt des artistes se déplace vers une histoire qui n’est plus limitée à l’histoire de l’art. Par cette histoire élargie, qui s’écrit souvent depuis ses marges, les artistes accordent une attention particulière aux histoires occultées à travers des démarches qui croisent les questionnements des nouvelles épistémologies historiques. On se propose d’analyser, à partir d’exemples, les enjeux et la portée de ces pratiques artistiques qui contribuent à la construction d’histoires plurielles.

Laurence Corbel est maître de conférences en esthétique et en philosophie de l’art à l’Université Rennes 2. Elle a notamment publié Le discours de l’art. Écrits d’artistes (1960-1980) aux Presses universitaires de Rennes (2013) et co-dirigé La Critique : art et pratique publié aux Presses universitaires du midi (2016). Ses travaux les plus récents portent sur les formes orales des discours d’artistes (conférences, performances et entretiens) et les transferts et interactions entre les disciplines artistiques (danse, littérature, arts plastiques) et les champs de la philosophie et des sciences humaines et sociales.

Carolina Ariza, Doctorante en Arts Plastiques, La Sorbonne Paris 1, et commissaire indépendante
Beatriz González: du démontage de l’iconographie universelle à la singularité provinciale.

Beatriz González (Bucaramanga, 1938) a travaillé depuis les années 1980 à mettre en évidence les codes culturels de la société colombienne. Jouant avec les références de l’histoire de l’art, elle les adapte de façon ironique à ce que l’artiste appelle « le syndrome du bonheur du sous-développement ». Son vocabulaire plastique se base sur la stridence chromatique et met en avant une certaine maladresse manuelle. Elle réalise des compositions qui se réfèrent à l’iconographie universelle de Degas, Manet, Velasquez, Braque ou Picasso, qu’elle intègre plus tard à des meubles récupérés dans les marchés aux puces de Bogotá. C’est grâce à ces meubles que l’œuvre de Beatriz González a été internationalement reconnue. Par la suite, González a commencé à représenter des personnalités politiques et des victimes de crimes passionnels en s’inspirant de photographies de mauvaise qualité diffusées dans la presse, dont l’image est aplatie par l’impression. Son travail présente la situation pathétique du pays, qui se nourrit de scénarios réels ou fictionnels parus dans les journaux. L’artiste veut créer « une narration du tiers monde » en insérant ses images dans un cadre « vulgaire » (les meubles), tout en les rendant identifiables. Elle se propose de déconstruire l’histoire de l’art européen, avec un mélange de fascination et de sarcasme, pour l’intégrer au contexte colombien. Cette apparente dégradation est en fait le moyen un peu ironique qu’elle a trouvé pour honorer l’histoire de l’art européen qui la fascine tant. À partir des œuvres réalisées par l’artiste dans les années 1980, nous évoquerons la façon dont l’artiste se réapproprie l’histoire de l’art européen, tout en se moquant librement de celle-ci.

Carolina Ariza termine actuellement un Doctorat à La Sorbonne Paris 1 intitulé « Images latentes : tentatives de reconstitution de la petite histoire ». Celui-ci porte sur la façon dont les artistes se sont emparés de l’écriture de l’histoire en Colombie, ainsi que dans d’autres contextes politiquement instables, en réinventant des méthodologies propres à l’art. Elle est notamment auteur de textes parus dans le catalogue de l’exposition America Latina Photographies 1960-2013 (Fondation Cartier, novembre 2013-avril 2014), ainsi que du texte « Geografías desechas: sobre el dislocamiento de los espacios y las cosas » (Géographies désuètes : sur la rupture des espaces et des choses) paru dans le catalogue de l’exposition Próximo Futuro (Fondation Gulbenkian, Lisbonne, juin 2014). Elle a été fondatrice et enseignante dans le programme de Master sur l’Amérique Latine à l’IESA Arts et Culture en 2016 ; responsable de la section Amérique Latine dans les Solo Projects de la Foire SWAB à Barcelone en 2014 et 2015 ainsi que chargée de recherche pour l’Amérique Latine au Centre Pompidou au sein du projet Recherche et Mondialisation dirigé par la conservatrice Catherine Grenier en 2011.

19/01/18

Attention : double séance, horaires spéciaux 14h-17h

Lucie Mourcia, Directrice, Institut du Monde Arabe – Tourcoing
L’Institut du Monde Arabe – Tourcoing. Enjeux et perspectives

Depuis 2007, l’IMA décentralise ses actions culturelles en région Hauts-de-France. Ces actions visent à promouvoir les cultures du monde arabe par une programmation pluridisciplinaire. Elles s’appuient sur un contexte culturel, associatif, économique déjà fortement lié au monde arabe à travers notamment les populations issues de l’immigration. Fruit de cette histoire riche, ds volontés des acteurs locaux, politiques et culturels, l’IMA-Tourcoing s’implante définitivement dans la région en novembre 2016 en inaugurant ses locaux dans une ancienne école de natation réhabilitée à cette occasion. Fort de sa particularité, l’IMA-Tourcoing s’autonomise et multiplie les projets ambitieux issus du territoire des Hauts-de-France et façonne son identité pluridisciplinaire et son empreinte locale.  

Eric Delpont, Directeur du Département du Musée, Institut du Monde Arabe
Le monde arabe dans le miroir de ses arts

La collection mise en place à l’IMA-Tourcoing invite à découvrir le monde arabe dans le prisme des arts. L’accrochage instaure un dialogue entre des œuvres modernes et contemporaines d’artistes dits « arabes », et des pièces issues de l’archéologie antique et islamique. L’ambition est de montrer une permanence de la vision et de sa matérialisation dans le monde arabe avec, en contrepoint, le regard de peintres français pionniers dans le voyage en Orient (Delacroix, Guillaumet), qui sont à l’origine d’une image que les Arabes se réapproprient et que les artistes critiquent et déconstruisent.

02/02/18

Jacinto Lageira, Professeur d’Arts plastiques et sciences de l’art, Paris 1 Sorbonne
L’histoire sans fin de la fin de l’Histoire
À travers les relations très problématiques entre la poétique de la fiction et la poétique de l’Histoire, et donc les différentes statuts des récits fictionnels et des récits historiques – lesquels s’entremêlent très souvent pour le meilleur comme pour le pire –, peut s’entrevoir régulièrement un horizon qui semble pouvoir y mettre un terme qui est le récit de la « fin de l’Histoire ». Comme tout horizon, il est sans cesse repoussé à mesure que l’on s’en approche, cela de Hegel à Francis Fukuyama en passant par différents auteurs, de sorte que nous sommes de nouveau confrontés à un processus où s’entrelace autant la fictionnalisation que l’historicisation. Autrement dit, la fin de l’Histoire est-elle une fiction de plus et parmi tant d’autres, ou bien est-elle l’aboutissement dernier et ultime de toute réalité ?

 

Jacinto Lageira, est professeur en esthétique et en philosophie de l’art à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, membre de l’Institut ACTE – UMR 8218, CNRS ; critique d’art. Parmi ses publications : La Déréalisation du monde. Fiction et réalité en conflit, éditions Jacqueline Chambon, 2010 ; Cristallisations (monographie Jean-Marc Bustamante), éditions Actes Sud, 2012 ; Regard oblique. Essais sur la perception, La Lettre volée, 2013 ; L’Art comme Histoire. Un entrelacement de poé­tiques, Mimésis, 2016.
16/02/18
Annabelle Boissier, Head of Research, Arts Cabinet
L’histoire de ceux qui fabriquent l’histoire. Qui sont les historiens de l’art de la région MENA.

Basée sur une série d’entretiens réalisés dans le cadre d’un programme lancé par Arts Cabinet (structure dédiée à la production et la diffusion de la connaissance sur les pratiques artistiques contemporaines), cette présentation questionne le parcours d’individus qui ont choisi de dédier leurs carrières professionnelles à l’étude et à la promotion des artistes du Moyen-Orient et de l’Afrique du Nord. Quelles sont les situations, opportunités, contraintes, empêchements qui les ont conduits à se spécialiser dans un champ de recherche encore en construction. Comment s’articulent leurs histoires personnelles et familiales à l’évolution des curriculums et priorités des institutions académiques et artistiques. Par ailleurs, cette présentation sera l’occasion d’interroger les conditions de production d’une recherche à la jonction du champ de l’art et du champ de la recherche. Quels sont les biais propres à un processus de recherche impliquant la réécriture et la publication des entretiens concomitamment à leur conduite.

Annabelle Boissier est socio-anthropologue (docteure de l’EHESS), Head of Research, Arts Cabinet, Londres. Sa recherche porte sur les mondes de l’art contemporain, les processus d’écriture en sciences sociales et les manières alternatives de création des connaissances. Elle a dernièrement publié L’intimité d’un conflit (l’Harmattan, 2016) et « L’art contemporain tunisien en révolution. Continuité et discontinuité des trajectoires face à l’événement », L’Année du Maghreb, 16 | 2017, 359-378.

16 /03/18

Alice Bombardier, ATER, INALCO
Djalil Ziapour, artiste pionnier de la Nouvelle peinture et premier théoricien-critique d’art en Iran

Né à Bandar Anzali dans le Nord de l’Iran (Guilan), Djalil Ziapour (1920-1999) est en 1945 le premier diplômé de la Faculté des Beaux-Arts de l’Université de Téhéran. Avec une poignée de camarades, il est considéré comme un pionnier de la Nouvelle peinture (naqqashi-e now), nouveau paradigme pictural développé dans le pays à partir des années 1940. Nous reviendrons sur l’Association du Coq Combattant (Andjoman-e Khorus-e Djangi) que Djalil Ziapour crée à Téhéran en 1949, où il tient sans relâche des conférences et orchestre la publication de revues dédiées aux « arts nouveaux » (honarha-ye djadid). C’est au sein de ce cercle qu’il écrit les premiers textes théoriques et critiques sur l’art iranien et occidental.

Agrégée de géographie, Alice Bombardier est l’auteure de l’ouvrage Les pionniers de la Nouvelle peinture en Iran. Œuvres méconnues, activités novatrices et scandales au tournant des années 1940 (Peter Lang, Berne, 2017). Ayant étudié le persan à l’INALCO et voyagé régulièrement en Iran, elle est titulaire d’un doctorat de sociologie à l’EHESS et de civilisation arabe-persane à l’Université de Genève.

06/04/18

Halim Karabibene, Artiste
Le MNAMC de Tunis (Musée National d’Art Moderne et Contemporain) et la Cocotte, une chronique.

Un Musée National d’Art Moderne et Contemporain aurait été inauguré le 24 Octobre 2069 à Tunis. Expositions et rétrospectives auraient été organisées depuis dans ce bâtiment en forme de cocotte-minute, pour sauvegarder et transmettre le patrimoine artistique tunisien. Mais cette histoire a commencé bien avant, en 2007 précisément. Halim Karabibene nous la racontera.

Né en 1962 à Bizerte (Tunisie), Halim Karabibene a été reconnu dans les années 1990 grâce à ses collages et ses peintures oniriques et sarcastiques. Tout au long de sa carrière, Karabibene a exploré formellement un univers alternatif, hybride et ludique « mis en scène » avec toute une gamme de personnages mythiques néo-pop. Depuis 2007, Karabibene poursuit une approche pluridisciplinaire dans laquelle il appelle les pouvoirs publics à inaugurer le premier Musée national d’art moderne et contemporain (MNAMC) de Tunis. Avec une cocotte-minute comme symbole et forme du futur musée, Karabibene utilise les réseaux sociaux, des événements et des expositions pour lancer ce musée fictif jusqu’à ce qu’il voie le jour. Karabibene a étudié l’architecture et a fréquenté l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris.

04/05/18

Ali Cherri, Artiste
Malaise des choses

Depuis quelques années, je m’intéresse au rôle que jouent les objets archéologiques dans la construction de récits historiques nationaux, en suivant l’objet du moment où on le déterre jusqu’à sa mise en vente sur le marché de l’art ou son exposition dans un musée. Que ça soit une Nécropole néolithique dans le désert de Sharjah, hantée par le gardien des lieux, ou bien les couloirs déserts du Musée du Louvre ou du Quai Branly, je m’intéresse à ce que ces objets nous révèlent de nous-mêmes, et surtout au processus par lequel des « choses » deviennent valeurs, fétiches, idoles et totems.

Ali Cherri appartient à cette génération d’artistes libanais nés pendant la Guerre Civile et dont la pratique a été fortement marquée par ce contexte d’instabilité. Après des études de Graphisme à l’Université Américaine de Beyrouth (AUB), il obtient une maîtrise d’arts du spectacle à DasArts, Amsterdam en 2005. Sa pratique, polymorphe, se nourrit aussi bien de la performance que du cinéma et de l’histoire de l’art. Ces multiples références transparaissent dès ses premières vidéos, où son propre corps fonctionne comme pivot d’une composition esthétique raffinée. Entre les années 2005 et 2014, il s’attache à décortiquer la situation géopolitique du Moyen-Orient par un langage visuel poétique. Ses projets récents se concentrent sur la place de l’objet archéologique dans la construction de récits historiques. Ce changement thématique est signe d’un glissement philosophique: Ali Cherri revendique toujours une intimité étroite entre poétique et politique, mais est désormais convaincu que la violence peut être étudiée sans être montrée.

25/05/18

Attention cette séance aura exceptionnellement lieu en salle des étudiants de l’IISMM

Massinissa Selmani, Artiste

Né en 1980 à Alger, Algérie. Vit et travaille en France. L’art de Massinissa Selmani se base sur l’expérimentation des différentes techniques liées au dessin. Ses travaux se caractérisent par une extrême simplicité – présentant souvent des montages d’images et de dessins, ou de courtes animations dans lesquelles il mêle humour, ironie et parfois sentiment de révolte. Les images qui ressortent de ces manipulations révèlent alors les ambiguïtés des signes, poussant leurs juxtapositions jusqu’à l’absurdité. Les sujets que Massinissa choisit de traiter s’inspirent le plus souvent de l’actualité socio-politique qu’il compulse dans la presse. Aussi, les images sont le résultat d’un processus de sélection, de traitement et de recadrage inspiré des archives et des codes documentaires. Parfois, ils créent une mise en scène ou un récit qui ouvre différents champs d’expérimentation.

01/06/18

Séance des étudiants
Lydia Hamiti, doctorante, Sorbonne Université (faculté des Lettres), “L’estampe à Alger au XXe siècle : la constitution du cabinet des estampes du musée National des Beaux-Arts d’Alger”
Margaux Bruet, masterante, EHESS, “Processus de mondialisation et dynamiques culturelles à Tanger : Hicham Gardaf et l’exposition The Red Square”
Joan Granjean, doctorant, Université de Genève (Unité d’arabe), “Et si… Une histoire des futurismes arabes?”

15/06/18

Mustapha Sedjal, Artiste
Titre et résumé à confirmer

La démarche du plasticien Mustapha SEDJAL questionne les notions de Mémoire(s) / Histoire(s) par-delà les références et conventions sociales, culturelles et politiques.Il développe une œuvre multiple, mêlant Histoire et Mémoire. Dans ce « Territoire » de l’« Entre-deux » / Emetteur-Récepteur, Il développe des œuvres (vidéo, installation, photographie et autres pratiques plastiques) en rapport avec notre actualité. L’artiste s’intéresse aux différents sens de l'”événement”, aussi minime soit-il, à sa réactualisation. Il questionne par la dé-construction notre rapport à l'”autres”. Mustapha SEDJAL explore avec curiosité les possibilités que lui offre divers médiums. Sa pratique va ainsi du dessin, la photographie et la vidéo en passant par l’installation. Son travail a été présenté au sein de nombreuses expositions personnelles. Il a participé à plusieurs expositions collectives. Ces vidéos ont été sélectionnées dans le cadre de plusieurs festivals d’art vidéo.