Archives de catégorie : Séminaire

“Actualité(s) de l’historiographie : conditions de production et situation”

One + Eleven = Two
Issam Kourbaj, One + eleven = two, 2007. 9ème édition de l’Encyclopedia Britannica, vol. 12, technique mixte, 50 x 28,5 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Le séminaire “Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen-Orient XIXe-XXe siècle” consacre sa dixième année au thème “Actualité(s) de l’historiographie : conditions de production et situation”.

Responsables / Organizers

Joan Grandjean, Alain Messaoudi, Silvia Naef, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Infos pratiques (English text below)

Pour permettre au plus grand nombre de suivre le séminaire, celui-ci se déroulera cette année en mode hybride.

  • Périodicité : 1er et 3e vendredi du mois, du 18 novembre 2022 au 16 juin 2023
  • Horaires : 15:00-17:00
  • Lieu : Salle B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris
  • Visioconférence : Zoom

Attention : Vous ne pourrez pas accéder à ce séminaire sans avoir préalablement déposé une demande via le lien suivant : https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=679.

Merci de déposer la demande au plus tard 72 heures avant la première séance. Une seule demande suffit pour l’année et elle peut être effectuée à n’importe quel moment de l’année.

Avant chaque séance, nous enverrons un message de confirmation pour ceux qui seront en présentiel et le lien vers la salle de visioconférence pour ceux qui seront en distanciel.

Pour toute information, contactez-nous à l’adresse suivante : arvimm.groupe(at)gmail.com

Practical info

The seminar will be held in hybrid mode to allow as many people as possible to attend.

Frequency: 1st and 3rd Friday of the month, from November 18, 2022 to June 16, 2023
Schedule: 3 to 5pm
Location: Room B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris (capacity: 12 seats)
Videoconference: Zoom

Please note: You will not be able to attend this seminar without first submitting a request via the following link: https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=679.

Please submit the application no later than 72 hours before the first session. The application is valid for the whole year and it can be made at any time.

Before each session, we will send a confirmation message to those who will be onsite, and the link to the videoconference room for those who will be online.

For more information, please contact us at the following address: arvimm.groupe(at)gmail.com

Présentation / Abstract

(English below)

Actualité(s) de l’historiographie : conditions de production et situation

Dans un contexte de développement des études sur les arts de la région MENA, le séminaire propose de revenir cette année à une réflexion centrée sur les modes d’écriture de l’histoire de l’art et à la situation des études sur les productions artistiques modernes et contemporaines de la région, en restant centré sur les arts plastiques. Il analysera les contextes de production des travaux de recherche, les avancées qu’ils proposent, et leur réception. En faisant une large place à la présentation de publications récentes, on reviendra donc sur les références théoriques, les sources, le contexte social et politique de production des ouvrages, et sur les évolutions actuelles – croisement avec les études postcoloniales, les études de genre, l’histoire connectée ; impact des nouvelles technologies numériques ; interrogations sur la classification des arts. On sera aussi sensible à la forme des ouvrages – langues de publication, matérialité des livres, formats numériques – et à l’impact de cette forme sur les modes de diffusion. On s’interrogera aussi sur leur articulation avec la production d’expositions, la constitution de collections et les modes de présentation des œuvres, et sur les interactions avec les processus de patrimonialisation. Nous proposons donc de nous consacrer à l’actualité de la recherche sur les modalités contemporaines d’écriture de l’histoire de l’art au Maghreb et au Moyen-Orient en étudiant les approches, les modes et les contextes de production ainsi que leurs relations avec les pratiques curatoriales et muséales.

The Current State of Historiography: Output Conditions and Status

Following the recent increase in studies on the arts in the MENA region, the seminar intends this year to initiate a reflection centered on the modes of writing art history and the status of studies on modern and contemporary artistic productions in the region, while keeping the focus on the visual arts. It will analyze the contexts of production of research works, the breakthroughs they propose, and their reception. By giving a large place to the presentation of recent publications, we will examine the theoretical references, the sources, the social and political context of their production, as well as current evolutions. We will cross them with postcolonial studies, gender studies, and connected history, and discuss the influence of new digital technologies and interrogations on the classification of arts. We will also be looking at the format of the publications – languages of publication, materiality of the books, digital formats – and to the impact of these forms on the modes of diffusion. We will further question the articulation of these publications with the making of exhibitions, the constitution of collections and the modes of presentation of the works, and on their interactions with the processes of patrimonialization. By studying the approaches, modes and contexts of production as well as their relations with curatorial and museum practices, we will focus on current research and contemporary methods of art history writing on the Maghreb and the Middle East.

Programme

18 novembre 2022 [séance en visioconférence]

Séance d’introduction et présentation de la programmation – Art global et regards : retour sur les polémiques suite à la Documenta et la Biennale de Berlin

2 décembre 2022 [séance en anglais et en visioconférence]

Metrics of Modernity: Art and Development in Postwar Turkey
Dr. Sarah-Neel Smith, Department of Art, Design, and Visual Culture, The Maryland Institute College of Art, Etats-Unis

Book abstract: In this vivid portrait of the art world of 1950s Turkey, Sarah-Neel Smith offers a new framework for analyzing global modernisms of the twentieth century: economic development.
After World War II, a cohort of influential Turkish modernists built a new art world in Istanbul and Ankara. The female gallerist Adalet Cimcoz, the art critic (and future prime minister) Bülent Ecevit, and artists like Aliye Berger, Füreya Koral, and Bedri Rahmi Eyüboğlu were not only focused on aesthetics. On the canvas, in criticism, and in the gallery, these cultural pioneers also grappled with economic questions—attempting to transform their country from a “developing nation” into a major player in the global markets of the postwar period.

Lien vers le livre sur le site de l’éditeur

Smith’s book publishes landmark works of Turkish modernism for the first time, along with an innovative array of sources—from gossip columns to economic theory—to reveal the art world as a key site for the articulation of Turkish nationhood at mid-century.

Dr. Sarah-Neel Smith’s work focuses on modernisms in a global and comparative perspective, with a particular focus on artistic exchanges between the Middle East, North Africa, Europe, and the United States.

A graduate of Smith College, she holds a Ph.D. in Art History from the University of California, Los Angeles and teaches in the Department of Art, Design, and Visual Culture at the Maryland Institute College of Art. Her writing has appeared in American Art, Art Journal, ARTMargins, Third Text, Bidoun and frieze. She is currently working on her second book, about eight American artists who traveled in the Middle East during the early decades of the Cold War, including Robert Rauschenberg, Frank Stella, Helen Frankenthaler, and Andy Warhol.

16 décembre 2022 [séance en anglais et en visioconférence]

Writing Art and Architectural Histories of the Arabian Peninsula: Transdisciplinary Approaches between Visual Culture and Oral History
Laura Hindelang, Institut d’histoire de l’art, Université de Berne, Suisse

Book Abstract: How do we engage with the art and architectural histories of the Arabian Peninsula? How can we see beyond the current focus on contemporary production in order to embed the region within the larger cultural history of the MENA region? In this presentation, Laura Hindelang reflects on the challenges of the field and archival work for her recently published book Iridescent Kuwait: Petro-Modernity and Urban Visual Culture since the Mid-Twentieth Century (2022). She discusses the ways in which visual culture and oral history can offer new ways for the research on the urban cultures in the Gulf as part of a media-historical approach. She argues that transdisciplinary approaches have become especially important for reaching a more nuanced understanding of the past while writing the historiography of the Arabian Peninsula for the (futuristic) futures to come.

Lien vers le livre en open access

Laura Hindelang is a post-doc researcher at the University of Bern, Institute of Art History. Her book Iridescent Kuwait: Petro-Modernity and Urban Visual Culture since the Mid-Twentieth Century (Berlin/Boston: De Gruyter, 2022) is a transdisciplinary study of the intersection between urban development, visual culture, contemporary art and petroleum industrialization in the Arab Gulf region. She recently co-edited the special issue “Urban Cultures in the Gulf from a Historical Media” in the Middle East Journal of Culture and Communication (Brill, 2022) and she has published articles on architecture, magazine culture and contemporary art of the Arabian Peninsula. Laura Hindelang is board member of Manazir – Swiss Platform for the Study of Visual Arts, Architecture and Heritage in the MENA Region and editorial member of Manazir Journal.

20 janvier 2023 [séance à l’ICI à partir de 16h]

Visite de l’exposition “Katia Kameli. Hier revient et je l’entends” à l’Institut des Cultures d’Islam

Katia Kameli mène un travail dense et protéiforme depuis le début des années 2000. Forte d’une double culture française et algérienne, elle se fait passeuse entre différents territoires et questionne les points aveugles de l’Histoire. Suivant ses propres cheminements, elle relie des faits éloignés, renoue des liens distendus, donne à entendre des paroles silenciées pour écrire des contre-récits. Ses recherches se mêlent, s’enchâssent et tissent entre elles une multiplicité de perspectives.

À l’intersection d’un langage poétique, d’études visuelles et de techniques artisanales, la pratique artistique de Katia Kameli est le fruit d’une grande fabrique de relations par affinités, proximités, et amitiés. Sa première exposition personnelle dans deux institutions parisiennes réunit un ensemble d’œuvres existantes et de nouvelles productions.

À l’ICI, l’exposition met un coup de projecteur sur vingt ans de créations. Elle souligne la cohérence d’une démarche où les récits circulent, se transforment, se transposent et se superposent, à travers le monde et les époques. L’artiste y embrasse le rôle de traductrice : ses photographies, vidéos, dessins et installations mettent en jeu un vocabulaire formel et conceptuel qui se conjugue au sein d’un espace intermédiaire entre les langues, les sons, les esthétiques et les cultures.

Le projet Le Cantique des oiseaux, co-produit avec La Criée, centre d’art contemporain à Rennes, inclut une vidéo réalisée à la Goutte d’Or en partenariat avec le Conservatoire du 18e – Gustave Charpentier. L’œuvre Stream of stories, sur les métamorphoses des fables de Kalîla wa Dimna qui ont inspiré Jean de La Fontaine, est augmentée d’une extension en tuft conçue en collaboration avec l’artiste- textile, Manon Daviet et avec le soutien du Cnap.

Merci de vous inscrire en cliquant ici.

La séance se déroulera exceptionnellement à l’ICI. Merci de bien vouloir se présenter au bâtiment de la rue Stephenson à 15h45.

3 février 2023 [séance en anglais et en hybride]

Fantasmic Objects: Art and Sociality from Lebanon, 1920-1950
Kirsten Scheid, Department of  Sociology, Anthropology, and Media Studies at the American University of Beirut, Liban

Fantasmic Objects: An Ontology for Art and Sociality from Modern Lebanon, 1920-1950, offers both an historical ethnography of a modern, non-metropolitan art world, and an art historically focused account of the civic imagination and visual generation emergent from Islamic philosophies and the particular problem of becoming Arab in the aftermath of the Ottoman caliphate’s abolition. It focuses on three modern Lebanese artists and their place in a contemporary art world in Beirut: Moustapha Farrouk, Omar Onsi and Saloua Raouda Choucair who are major figures in the history of modern Lebanese art and by extension, global modern art. Through its chosen examples, this book seeks: (1) to identify an Islamic ontology of modern art through the notion of fantasm, a practice of art-making in postcolonial societies that cannot point back towards their natural “representation” but must produce images of beings to become; (2) to illuminate the “exhibitionary sociality” of contemporary art worlds as a mode of understanding modern art and modernity; and (3) to propose “an alternate anthropology” of the Middle East by focusing on art, artists, and aesthetics, and thereby, an anthropological movement drawing on dreams, aspiration, and imagination to speak not simply of where people are but where they might go and why.

Lien vers le livre sur le site de l’éditeur

Faculty in both the Department of Sociology, Anthropology, and Media Studies and the Department of Fine Arts and Arts History at the American University of Beirut, Kirsten Scheid writes, teaches, and researches the role of art at cross-cultural junctures, including its transnational histories and role in social transition. She investigates the role modern and contemporary art practices had in establishing, if not also defining, nations, subjects, and their publics in the 20th- and 21st-century Middle East—particularly Lebanon and Palestine, where she has conducted field and archival research since 1992 in Lebanon and Palestine. Her research has been supported by the National Endowment for the Humanities, the Palestinian American Research Center, and the Wissenschaftskolleg zu Berlin, among others. Scheid was awarded an EHESS chaire sécable in 2019 and the Clark/Oakley Humanities Fellow 2019-2020. She has taught at Northwestern University and the City University of New York/the Graduate Center. In addition to her new book, her most recent publications include “Whither the Spiritual: Rethinking Secularism’s Legacy in Post-Ottoman Art,” a guest-edited dossier with Hannah Feldman for Regards: la revue des art du spectacle, “Art as Material Form and Agent: Becoming ‘Middle Eastern Women’ through Art,” in The Handbook of Middle Eastern Women, edited by suad Joseph and Zeina Zaatari (Routledge, 2022), and “Palestinian Art Talk: A Local Lexicon for Global Art Production,” in In Motion: The Global Politics of Artistic Engagement, edited by Pénélope Larzillière (Brill, 2022). She has also co-curated “Historical Modernisms in the Arab World” (ArteEast, 2008-2009), “The Arab Nude: The Artist as Awakener” (Beirut, 2016), “Jerusalem Actual and Possible, 9th edition of the Jerusalem Show” (Jerusalem, 2018), and is preparing “Partisans of the Nude: An Arab Art Genre in an Era of Contest, 1920-1960” (Columbia University, New York, 2023-2024).

17 février 2023 [séance en hybride]

Écrire l’histoire de la photographie en Egypte, entre archives et témoignages
Claudia Polledri, département d’histoire de l’art, Université Concordia et département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques, Université de Montréal, Canada

Les archives du photographe arméno-égyptien Van Leo (1921-2002) provenant des collections de l’Arab Image Foundation et de l’Université américaine du Caire, constituent un témoignage exceptionnel de l’histoire de la photographie Égypte, mais aussi de la communauté levantine et du monde arabe au courant du XXe siècle. Elles sont la matière première de l’ouvrage Becoming van Leo (Archive Books, 2022, édité par Karl Bassil, avec Negar Azimi et Katia Boyadjian) que nous présenterons dans le cadre de cette séance. Ce sera l’occasion aussi de discuter les modalités de « mise en récit » des archives et de témoignages que cet ouvrage propose.

Lien vers le livre sur le site de l’éditeur

Claudia Polledri a obtenu un doctorat en littérature comparée à l’Université de Montréal consacré aux représentations photographiques de Beyrouth (1982–2011). Elle a été coordinatrice du CRialt (2015–2018) et chercheuse invitée au LLA–CRÉATIS (Toulouse, 2016). Actuellement, elle est professionnelle de la recherche dans le cadre du laboratoire CinéMédias de l’Université de Montréal et chargée de cours au département d’histoire de l’art de l’Université Concordia où elle assure l’enseignement des arts de l’Islam. Poursuivant ses recherches sur la photographie contemporaine et le cinéma au Moyen-Orient, elle a été commissaire de l’exposition “Iran. Poésies visuelles”, présentée au Québec en 2019.

3 mars 2023 [séance en anglais et en visioconférence]

Peggy Levitt

[Titre, abstract à venir]

Peggy Levitt is Chair and Professor of Sociology and the Luella LaMer Slaner Professor in Latin American Studies at Wellesley College and an Associate at Harvard University’s Weatherhead Center for International Affairs. Her most recent book, Artifacts and Allegiances: How Museums Put the Nation and the World on Display, was published by the University of California Press in July 2015.

Peggy has received Honorary Doctoral Degrees from the University of Helsinki (2017) and from Maastricht University (2014). She was a Robert Schuman Fellow with the Global Governance Program (2017-2019) and at the Migration Policy Center (2015) at the European University Institute in Florence. In 2018-2019, she was an affiliate at the Institute of Humanities at Yonsei University in Seoul, the Hans-Robert Roemer Fellow at the Oriental Institute of Beirut, and the Institute of Creativity Distinguished Visitor at Hong Kong Baptist University. She has also held various visiting professorships including, most recently, at Queen Mary University of London, Tel Aviv University, the Lebanese American University, the National University of Singapore, Oxford University, and the American University of Cairo.

17 mars 2023 [séance en hybride]

Les conditions documentaires de production d’une histoire des arts visuels en Tunisie
Mohammed Ali Berhouma, École des Beaux-Arts de Nabeul, Tunisie

L’intervention vise à interroger, resituer et évaluer la place des sources documentaires aux fondements de l’écriture d’une histoire de l’art en Tunisie. Nous examinerons en particulier la part et l’apport de la presse écrite et des périodiques pour la restitution des données premières de la vie artistique et pour l’étude des productions artistique et discursive en Tunisie durant le XXe siècle.

Né à Alger en 1980, Mohamed-Ali Berhouma est maître assistant à l’Institut supérieur des Beaux-arts de Nabeul (Tunisie). Ses orientations de recherche portent d’une part sur l’historiographie de l’art moderne en Tunisie et ses sources, et d’autre part sur les pratiques artistiques contemporaines en Tunisie.

7 avril 2023 [séance en hybride]

[Titre, abstract et bios à venir]

Avec des représentants des revues Arabpop, Manazir Journal et Zamân.

Arabpop is a magazine dedicated to contemporary arts and literatures from Arab countries that aims to chronicle the cultural changes ushered in or simply made visible by the Arab revolutions of 2011, following their trajectories and future developments. The pages of Arabpop host original works by Arab artists, and artists and writers living inside and outside the region’s borders, as well as longforms, interviews, translations of cultural articles from the Arab press, reviews of books, films, and musical productions, and more. Published in print and digital formats, Arabpop is a popular magazine that speaks in clear and understandable language, and aims to engage and intrigue a diverse audience, consisting not only of specialists in the field.

Manazir Journal is a peer-reviewed academic Platinum Open Access journal, published by the University of Bern, Switzerland with Bern Open Publishing (BOP). It is dedicated to visual arts, architecture and cultural heritage in the Middle East and North Africa (MENA). The journal was founded in 2019 in Switzerland as a collaboration between the University of Bern and the University of Geneva. Every issue focuses on a specific, original theme defined and proposed by a guest editor or editors responsible for the issue and its follow-up. Manazir Journal accepts proposals for issues published in English, French, German and Italian and is also open to languages of the MENA region, such as Arabic, Persian and Turkish. The journal is linked to Manazir – Swiss Platform for the Study of Visual Arts, Architecture and Heritage in the MENA, a platform of exchange that aims to connect researchers interested in these themes in Switzerland. The term “Manazir” refers to landscape, perspective and point of view in Arabic, Ottoman Turkish and Persian. Thus, Manazir Journal is oriented toward a diversity of transcultural and transdisciplinary “landscapes” and “points of views” and open to a multiplicity of themes, epochs and geographical areas.

The research review Zamân. Textes, images & documents functions as a creative lab of ideas and encounters often giving way to further exhibition and book projects. It has risen from the ashes of an earlier editorial board, with the two issues produced in 1979 and 1980 by a group of Iranian intellectuals exiled in France, committed to a Marxist critique of the Islamic revolution in their home country. The review was born out of a revolution and reborn in echo to later uprisings and “Arab Springs”. With the “new” issue 1, published Spring 2010 (thirty years later), Zamân becomes a review for the visual culture and new artistic mappings from Arab, African and Asian worlds.

21 avril 2023 [séance en hybride]

L’historiographie et la mise en exposition des arts plastiques d’Algérie
Anissa Bouayed, Université de Paris, Emilie Goudal, Université de Lille, et Lydia Haddag, Université Paris 1

[Abstract et bios à venir]

5 mai 2023

sujet à définir

2 juin 2023 [séance en hybride]

Y a-il un art moderne « arabe » ? Retour sur l’ouvrage A la recherche d’une modernité arabe de Silvia Naef à l’occasion de sa réédition et traduction en anglais chez Zamân Books
Silvia Naef, Unité d’arabe, Université de Genève, Suisse, et Morad Montazami, Zamân Books

Résumé du livre : La question de la modernité a été centrale pendant plusieurs décennies (1950-1980) dans les recherches des artistes arabes et a dominé les débats. Pour un nombre important d’entre eux, cette modernité devait également être « arabe », en ayant recours à des éléments visuels et conceptuels issus des arts de la région. C’est sur ce débat que nous allons revenir ici, en nous posant également la question de l’actualité de ces réflexions et de ce qui en survit, de nos jours, dans la création contemporaine.

Silvia Naef est professeure à l’Université de Genève où elle dirige le Master Moyen-Orient (MAMO) du Global Studies Institute. Elle est spécialiste de l’art arabe moderne et de la question de l’image en Islam. Elle est parmi les membres fondateurs de Manazir, Swiss Platform for the Study of Visual Arts, Heritage and Architecture in the MENA Region et dirige actuellement un projet de recherche sur les collections d’artefacts que les pays de cette région ont offerts aux organisations internationales.

Morad Montazami est historien de l’art, éditeur et commissaire d’exposition. Il est rédacteur en chef de la revue Zamân (Textes, images et documents) et directeur de la plateforme Zamân Books & Curating qui développe les études et les expositions sur les modernités arabes, africaines et asiatiques. Il est l’auteur de nombreux articles sur des artistes tels que Jeremy Deller, Francis Alÿs, Zineb Sedira, Éric Baudelaire, Walid Raad, Latif al-Ani, Mohamed Melehi, Faouzi Laatiris…

16 juin 2023 [séance en présentiel]

Séance de conclusion : visite d’exposition

Compte rendu du séminaire “Histoires de l’art au Maghreb 
et au Moyen-Orient XIXe-XXe siècle”, IISMM/EHESS, 2021-2022 “L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”

En 2021-2022, le séminaire a poursuivi les travaux engagés l’année précédente sur la base d’un terrain de recherche important dont il reste encore beaucoup à découvrir. En accueillant chercheuses et chercheurs, commissaires, galeristes, collectionneurs et artistes au fil des séances, nous avons poursuivi notre enquête sur le contexte artistique et la scène parisienne de l’art abstrait dans la période d’après-guerre, les sources permettant de retracer la présence des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans cette scène et la redécouverte de ces artistes qui, eux aussi, ont fait l’art abstrait.

Dans une perspective méthodologique et comparatiste, les participant-es et l’équipe du séminaire ont été accueilli-es lors de la journée d’étude Cosmopolite ? Art, colonialisme et nationalismes à Paris, organisé par David Castaner et Maureen Murphy (HICSA, Paris 1-Panthéon Sorbonne). En effet, cette journée d’étude reprenait, sur le plan du Sud global, certaines des questions que notre séminaire se pose concernant l’Afrique du Nord et le Moyen-Orient. Les contributions ont porté entre autres sur la participation latino-américaine au Salons, sur l’œuvre de l’artiste brésilien Vincente de Rego Monteiro, sur la négociation des artistes africains à Paris entre modernisme, africanité et négritude ou sur l’importance de Paris comme lieu d’émancipation des artistes indiens.

Le séminaire a mis l’accent sur la parole de témoins. Nous sommes ainsi allés à la rencontre du collectionneur Claude Lemand au cœur de l’exposition Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui à l’Institut du monde arabe, dont il a été commissaire. Cette exposition qui présentait notamment les artistes modernes du Liban et de ses diasporas, au lendemain de son indépendance en 1943, a été l’occasion de questionner le collectionneur sur son parcours, sa relation aux artistes et la logique qui l’a conduit à rassembler une collection d’exception. Le collectionneur Dr. Demir Önger, médecin turc installé à Paris au début des années 1960, a retracé le contexte qui a lui permis de connaître les artistes turcs de l’École turque de Paris, parfois de façon intime comme Selim, Hakkı Anlı et Mühbin Orhon, et de les collectionner. Il a notamment éclairé le degré d’insertion de ces artistes dans les circuits artistiques, précisant que ces artistes n’étaient pas à Paris pour promouvoir leur carrière en Turquie mais qu’ils s’adressaient aux collectionneurs et au marché en France.

Un temps a été consacré à la hurufiyya. Charbel Dagher (U. de Balamand, Liban), auteur d’un ouvrage publié en arabe en 1990 sur la hurufiyya (Arabic Hurufiyya, Skira 2016), a rapidement décrit les principales étapes de la hurufiyya. Ensuite, il a distingué la hurufiyya de l’abstraction au motif que la première est un choix esthétique et culturel, là où la deuxième est un choix artistique. Il affirme également qu’il y avait, dans la hurufiyya, un amalgame entre la pratique européenne de l’abstraction et le rapport des artistes arabes à leur propre culture. Selon lui, lorsqu’on lit une phrase en arabe, on n’est plus dans l’abstrait, mais dans du figuratif. Une attitude finalement plutôt critique par rapport à une tendance artistique qu’il a lui-même contribué à faire connaître. Une attitude partagée par le galeriste Saleh Barakat pour qui le mouvement est globalement peu convaincant. Dans l’idée d’une réinterprétation de l’art islamique et de la création d’une abstraction arabe, il a proposé la pratique de l’artiste libanais Samir al-Sayegh qui revient à l’esprit — plutôt qu’à la forme — de l’art islamique. Selon sa propre définition, l’artiste fait de la calligraphie moderne et l’assume, tout en créant une œuvre qui formellement est très éloignée des règles de la calligraphie historique.

Le séminaire s’est aussi intéressé aux artistes, à leur parcours et à leur œuvre. À partir de l’expérience de voyage à Paris entre les années 1950 et 1960 d’artistes tunisiens (Néjib Belkhoja, Edgard Naccache, Mahmoud Sehili), Alia Nakhli (ESSTED, U. de la Manouba, Tunis) a mis en valeur leur contribution aux manifestations parisiennes (salons et biennales) où, toutefois, le domaine du Maghreb a souffert d’un effet d’occultation. Dans ce contexte, elle a souligné l’importance du travail mené par Pierre Gaudibert (critique et commissaire des musées) et Jean-Jacques Lévêque (critique et galeriste) qui ont su identifier et soutenir le courant maghrébin à l’intérieur de l’École de Paris. Dans un dialogue avec Samir Abdallah (cinéaste et dépositaire des Archives Hamed Abdallah), Morad Montazami (éditeur et curator) a retracé l’itinéraire intellectuel et artistique du peintre Hamed Abdallah, figure clé du modernisme en Égypte, qui a eu une carrière internationale avant de tomber dans un certain oubli à la fin des années 1960. Ce dialogue s’est appuyé sur la présentation de l’ouvrage Arabécédaire (2018), qui produit un travail remarquable de visualisation et spatialisation des archives du peintre. Les curatrices Fatima-Zahra Lakrissa et Maud Houssais ont livré un exposé sur le retour des artistes marocains après un contact rapproché avec la scène artistique européenne pour étudier les processus d’appropriation et de dissémination des expérimentations abstraites. De retour au Maroc, des artistes tels que Farid Belkahia, Mohamed Melehi et Mohammed Chabâa, investissent l’abstraction d’un projet politique de transformation de la société marocaine par des expérimentations formelles, notamment dans l’espace public, et une production théorique soutenue. En explorant les trajectoires outre-Atlantique de nombreuses artistes du Moyen-Orient, entre les années 1950 et 1970, Nadia Radwan (U. de Berne, Suisse) a élargi le champ d’investigation du séminaire avec l’analyse du lien entre l’art américain et le thème classique de l’ornement. Elle a ainsi permis de mettre en valeur la contribution de ces artistes à l’histoire de l’expressionnisme abstrait.

Le séminaire s’est terminé sur la visite de l’exposition Silsila, le voyage des regards en compagnie de Stéphanie Chazalon, directrice générale de l’Institut des cultures d’islam, dont l’objectif est de donner à voir la création contemporaine d’artistes de la région basés à Paris. L’occasion de poursuivre notre réflexion sur l’insertion de ces artistes dans la scène artistique parisienne.

“L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”

Bassam Kahwagi, Sans titre, acrylique sur toile, 110 x 485 cm, 2021. Avec l'aimable autorisation de la Saleh Barakat Gallery
Bassam Kahwagi, Sans titre, acrylique sur toile, 110 x 485 cm, 2021. Avec l’aimable autorisation de la Saleh Barakat Gallery (Beyrouth).

Le séminaire “Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen-Orient XIXe-XXe siècle” consacre sa deuxième année au thème “L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”.

Responsables / Organizers

Joan Grandjean, Alain Messaoudi, Silvia Naef, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Infos pratiques (English text below)

Pour permettre au plus grand nombre de suivre le séminaire, celui-ci se déroulera cette année en mode hybride.

  • Périodicité : 1er et 3e vendredi du mois, du 19 novembre 2021 au 17 juin 2022
  • Horaires : 15:00-17:00
  • Lieu : Salle B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris (jauge : 12 places)
  • Visioconférence : Zoom

Attention : En raison de la situation sanitaire, vous ne pourrez pas accéder à ce séminaire sans avoir préalablement déposé une demande via le lien suivant : https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=276.

Merci de déposer la demande au plus tard 72 heures avant la première séance. Une seule demande suffit pour l’année et elle peut être effectuée à n’importe quel moment de l’année.

Avant chaque séance, nous enverrons un message de confirmation pour ceux qui seront en présentiel et le lien vers la salle de visioconférence pour ceux qui seront en distanciel.

Pour toute information, contactez-nous à l’adresse suivante : arvimm.groupe(at)gmail.com

Practical info

The seminar will be held in hybrid mode to allow as many people as possible to attend.

Frequency: 1st and 3rd Friday of the month, from November 19, 2021 to June 17, 2022
Schedule: 3 to 5pm
Location: Room B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris (capacity: 12 seats)
Videoconference: Zoom

Please note: Due to the health situation, you will not be able to attend this seminar without first submitting a request via the following link: https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=276.

Please submit the application no later than 72 hours before the first session. The application is valid for the whole year and it can be made at any time.

Before each session, we will send a confirmation message to those who will be onsite, and the link to the videoconference room for those who will be online.

For more information, please contact us at the following address: arvimm.groupe(at)gmail.com

Présentation / Abstract

(English below)

L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Paris continue à attirer des artistes originaires du Maghreb et du Moyen-Orient. Or, s’y développe un art abstrait qui, par certains aspects, peut faire écho à des traditions vivantes qui leur sont familières, notamment autour du Salon des Réalités Nouvelles, créé en 1946. L’historiographie générale de l’abstraction gestuelle/lyrique et de l’art informel réserve peu de place à ces artistes et à ces traditions, par comparaison aux arts d’Extrême-Orient, auxquels on fait souvent référence lorsqu’on analyse les œuvres de Georges Mathieu, de Hans Hartung ou de Jean Degottex. C’est le plus souvent à l’échelle de leur « aire culturelle » d’origine, arabe, turque ou iranienne, que les œuvres de ces artistes, dont certains ont été formés à la calligraphie, ont été étudiées, qu’il s’agisse de la Hurufiyya (« lettrisme », en arabe), de la production de l’école turque de Paris ou de l’œuvre de l’Iranien Charles Hossein Zenderoudi.

Pour l’année 2021-2022, le séminaire poursuit les travaux engagés l’année précédente sur la base d’un terrain de recherche important dont il reste encore beaucoup à découvrir. Nous poursuivrons notre enquête sur le contexte artistique et la scène parisienne de l’art abstrait dans la période d’après-guerre, les sources permettant de retracer la présence des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans cette scène et la redécouverte de ces artistes qui, eux aussi, ont fait l’art abstrait.

Abstraction, the Parisian environment and artists from the MENA region

After World War II, Paris continued to  attract artists from the MENA region. The form of abstraction that was developing then in Paris, particularly in the artistic networks gravitating around the Salon des Réalités Nouvelles, created in 1946, could, for certain aspects, echo living traditions that were familiar to them. The general historiography of gestural/lyrical abstraction and Art informel is rather silent about these artists and traditions. When analyzing the works of Georges Mathieu, Hans Hartung or Jean Degottex, it rather refers to East Asian arts. The works of these artists from the MENA region — some of whom were trained in calligraphy — are most often studied in terms of the “cultural area”  they originated from, be it Hurufiyya (“letterism” in Arabic), the production of the Turkish school in Paris, or the work of the Iranian Charles Hossein Zenderoudi. 

In 2021-2022, the seminar will continue the work initiated in the previous year, exploring more deeply an important research field still largely uninvestigated. We will carry on with our study of the artistic context and the Parisian abstract art scene in the post-WWII period, of the sources allowing us to trace the presence of artists from the MENA region, and the rediscovery of these artists who were essential contributors to abstract art.

Programme

Vendredi 19 novembre 2021 [hybride]

Séance introductive par l’équipe ARVIMM

Vendredi 3 décembre 2021 [séance à l’INHA]

Journée d’étude internationale “Cosmopolite ? Art, colonialisme et nationalismes à Paris”, sous la responsabilité scientifique de David Castañer et de Maureen Murphy, INHA, Galerie Colbert, salle Vasari

Le concept d’« école de Paris » a largement contribué à placer la capitale au centre d’une constellation moderne, reléguant le reste du monde aux marges. Si l’apport des artistes européens est largement connu, celui des artistes issus des Suds (Asie, Afrique, Amériques) l’est beaucoup moins. Cette journée d’étude vise à étudier la présence de ces acteurs à l’époque coloniale et postcoloniale, en questionnant les lieux de leurs pratiques (ateliers, expositions), de leurs rencontres (revues, cafés, congrès) et de leur création (les œuvres). Nous interrogerons les raisons de l’attractivité de la capitale, ainsi que les contraintes auxquelles étaient soumis les artistes issus des mondes colonisés ; nous questionnerons aussi les relations entre « modernismes cosmopolites » et nationalismes pour analyser l’effet retour de ce déplacement sur la pratique des artistes dans leurs pays d’origine.

Voir le programme ici.

Passes sanitaires obligatoire.

17 décembre 2021 [séance à l’IMA]

Visite de l’exposition “Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui” à l’Institut du monde arabe

Avec l’exposition “Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui”, l’IMA célèbre la prodigieuse créativité des artistes modernes et contemporains du Liban et de ses diasporas, du lendemain de son indépendance en 1943 jusqu’à nos jours. À découvrir, des œuvres de Shafic Abboud, Etel Adnan, Saliba Douaihy, Paul Guiragossian, Hussein Madi, Assadour, Chaouki Choukini, Ayman Baalbaki, Zad Moultaka, Serwan Baran, Hala Matta, Hiba Kalache, Zena Assi ou encore Tagreed Darghouth. À cette occasion, l’IMA inaugure un tout nouvel espace d’exposition et de formation : « L’Espace des donateurs ».

Plus d’informations sur le site de l’IMA. 

7 janvier 2022 [séance en distanciel uniquement]

Séance des étudiant.e.s

Retour sur la journée d’étude “Cosmopolite ? Art, colonialisme et nationalismes à Paris”, du 3 décembre, et de la visite de l’exposition “Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui” à l’Institut du monde arabe,  le 17 décembre.

21 janvier 2022 [séance à l’IMA]

Shafic Abboud, Itinéraire d’un conteur d’images [séance annulée]
Claude Lemand, collectionneur, galeriste et donateur au musée de l’Institut du monde arabe

4 février 2022 [séance en visioconférence]

Entre le culturel et l’esthétique, la toile (abstraite, hurufie) de Shaker Hassan al Said
Charbel Dagher, professeur à l’Université de Balamand, Liban

Cette intervention se propose d’étudier, dans le cadre de ce séminaire, l’œuvre aussi bien artistique que théorique du peintre Shaker Hassan al Said (1925-2004), durant les années soixante, après ses études et son séjour à Paris. Ce peintre irakien est le pionnier d’un courant artistique appelé ‘hurufi’, dont l’influence s’est fait ressentir en dehors de l’Irak, dans bien d’autres pays arabes. Cette expérience, encore riche et prégnante aujourd’hui, suscite un débat entre deux cultures, et entre deux choix artistiques, qui font de l’art un produit aussi bien culturel qu’esthétique.

Charbel Dagher est une figure importante de la scène culturelle arabe, principalement dans les domaines de la poésie, de la langue arabe et des arts arabes et islamiques. Poète, conteur, écrivain en arabe et en français, et professeur à l’Université de Balamand à Koura (Nord-Liban) depuis 1994, il a publié de nombreux ouvrages sur la poésie et la scène artistique arabes, tout en étant conférencier et professeur invité dans de nombreuses universités à travers le monde. Il est également membre du comité éditorial de nombreuses revues scientifiques telles que LiCaRC (France), Recherches (AUB, Beyrouth), Esthétiques (Algérie) entre autres, et a été président de jury de biennales internationales en étant consultant pour l’art islamique et arabe moderne.

Site internet de Charbel Dagher : https://www.charbeldagher.com/cd/

18 février 2022 [séance en visioconférence]

Le voyage à Paris, l’art abstrait et la scène artistique tunisienne
Alia Nakhli, enseignante et chercheure en histoire de l’art à l’École Supérieure des Sciences et Technologies du Design, Université de la Manouba, Tunisie

La peinture abstraite a eu des adeptes, en Tunisie, depuis les années 1940, quoique de façon timide, ce n’est que durant les années 1950 et 1960, que les artistes abstraits arrivent à s’imposer sur la scène artistique tunisienne. Le système des bourses de voyage, mis en place, depuis l’entre-deux-guerres, a encouragé les jeunes artistes, qu’ils soient autodidactes, ou ressortissants de l’École des Beaux-Arts de Tunis, à poursuivre leur formation artistique, à Paris, à l’École des Beaux-Arts, à l’École des Arts Décoratifs, ou dans les Académies d’art. Ces artistes prennent part aux manifestations parisiennes, fréquentent, entre autres, les cercles des artistes maghrébins et organisent des expositions de groupe, destinées à voyager entre les deux rives de la Méditerranée. Ils participent ainsi, à la diffusion de l’art abstrait, en Tunisie.

Alia Nakhli, historienne de l’art, enseigne à l’École supérieure des sciences et technologies du design (ESSTED), Université de la Manouba (Tunis). Boursière d’excellence de l’État tunisien, en 2000, elle a poursuivi des études en histoire de l’art à l’Université de Strasbourg (DEA sous la direction de Christine Peltre) et à l’Université Paris Nanterre (doctorat sous la direction de Thierry Dufrêne, 2013). Ses recherches portent sur l’histoire des arts visuels, en Tunisie, aux XIXe et XXe siècle. Elle s’est également intéressée à l’histoire de l’art dans le monde arabe, au XXe siècle, à travers l’Union générale des artistes plasticiens arabes.

11 mars 2022 [séance en hybride, initialement prévue le 4 mars]

Du goût et de la diplomatie : collectionner les artistes turcs de l’École de Paris
Dr Demir Önger, collectionneur, cardiologue et fondateur du Centre culturel Anatolie, Paris
Venu à Paris pour étudier la médecine en 1961, Demir Fitrat Önger, aujourd’hui cardiologue réputé, s’insère rapidement au sein de la diaspora turque et de la vie culturelle qui l’anime. C’est ainsi qu’il fréquente les artistes turcs de l’École de Paris (Selim, Mübin Orhion, Hakki Anli…) dans le quartier de Montparnasse. Tissant des relations amicales avec certains d’entre eux, il se met progressivement à collectionner leurs œuvres. Homme de culture, le Dr. Önger inscrit aussi son rôle de collectionneur dans une démarche plus large de diplomatie culturelle dont la création du Centre culturel Anatolie en 1984 est représentative.

18 mars 2022 [séance en hybride]

Houroufiyyah et calligraphie arabe contemporaine: discussion autour de l’œuvre de Samir Sayegh
Saleh Barakat, expert en art, conservateur et galeriste, Agial Art Gallery et Saleh Barakat Gallery, Liban

Commençant par une présentation illustrée du mouvement “Houroufiyyah” comme genre d’abstraction d’inspiration arabe depuis 1949 jusqu’à aujourd’hui, Saleh Barakat évoquera les balbutiements, l’âge d’or, le premier et le second déclin du mouvement, sans omettre l’importance des principautés arabes du Golfe Persique dans sa redéfinition. Ensuite, il s’attardera sur le travail de Samir Sayegh (1945- ), artiste peintre tirant son inspiration de l’écriture arabe, critique d’art, historien, poète, écrivain et chercheur, qui a séjourné à Paris à de multiples reprises. En évoquant les prémisses, et la démarche avant de finir par des lectures choisies des écrits de Sayegh, Saleh Barakat présentera le caractère avant-gardiste de l’œuvre de l’artiste libanais et de l’impact qu’il a eu tant dans une approche artistique, faisant de lui un des pionniers de la modernité arabe, que dans la création de polices de caractères par le biais de recherches sur la calligraphie traditionnelle et de son intérêt pour le design contemporain.

8 avril 2022 [séance en visioconférence]

Au-delà de l’Arabesque. Les femmes artistes du Moyen-Orient aux États-Unis et les autres histoires de l’expressionnisme abstrait
Nadia Radwan, professeure adjointe en histoire mondiale de l’art, Institut d’histoire de l’art, Center for Global Studies, Université de Berne (Suisse)

Au-delà du passage obligé par Paris, de nombreuses artistes du Moyen-Orient ont émigré aux États-Unis entre les années 1950 et 1970. Etel Adnan (1925-2021), Saloua Raouda Choucair (1916-2017), Samia Halaby (née en 1936) et Madiha Omar (1908 – 2005), ont toutes quitté leur pays d’origine – le Liban, la Syrie ou la Palestine –, pour étudier et/ou travailler dans des institutions américaines dominées alors par des figures de l’expressionnisme abstrait et du Color field movement. Cette intervention entend mettre en lumière l’importance de ces trajectoires individuelles outre-Atlantique sur les pratiques de l’abstraction de ces artistes en abordant les questions suivantes : quel est le lien entre l’art américain et la réactivation de l’ornement et, en particulier de l’arabesque, par les artistes de la diaspora du Moyen-Orient ? Quelle est la contribution de ces artistes à l’histoire de l’expressionnisme abstrait ?

Nadia Radwan est historienne de l’art, professeure assistante d’histoire de l’art mondial à l’Université de Berne (Institut d’histoire de l’art/Center for Global Studies). Elle a été chercheuse et enseigné à l’Université américaine du Caire, à l’Université américaine de Dubaï et à l’Université de Zurich. Ses recherches portent sur l’art et l’architecture du Moyen-Orient (XIXe et XXe siècles), les modernismes extra-occidentaux, les féminismes arabes, l’orientalisme, l’émotion et le musée global. Sa thèse de doctorat, Les Modernes d’Égypte (Peter Lang) a été publiée en 2017 et elle travaille actuellement à sa thèse d’habilitation sur les politiques de l’abstraction au Moyen-Orient. Radwan a contribué à plusieurs projets curatoriaux et catalogues d’exposition (Mathaf : Arab Museum of Modern Art, Sharjah Art Museum, The Metropolitan Museum of Art). Elle est la co-fondatrice de Manazir : Swiss Platform for the Study of Visual Arts, Architecture and Heritage in the Middle East et la co-rédactrice en chef de Manazir Journal.

https://bern.academia.edu/NadiaRadwan

20 mai 2022 [séance en hybride]

Les archives Hamed Abdalla, Au cœur d’un exil parisien, archiver les utopies arabes
Morad Montazami, Zâman Books & Curating, et Samir Abdalla, cinéaste et Archives Hamed Abdalla

L’artiste, penseur et pédagogue égyptien Hamed Abdalla (1917-1985) a connu Paris dans toutes ses dimensions, aussi bien la période des années 1950 à la manière d’un ambassadeur artistique de son pays, qu’à partir des années 1960 lorsque par la force des choses on devient artiste “en exil” voire “immigré”… Nous pourrons observer ces lignes de fracture au coeur même des archives produites et collectées par l’artiste durant sa période de vie en France qui reflètent aussi bien l’histoire des expositions et manifestations artistiques panarabes, qu’une certaine généalogie intellectuelle cosmopolite dans laquelle Paris tient une place paradoxale.

Morad Montazami est historien de l’art, éditeur et commissaire d’exposition. Il dirige la plateforme Zamân Books & Curating qui se consacre à l’étude des modernités arabes, africaines et asiatiques. On lui doit notamment les expositionsBagdad Mon Amour, Institut des cultures d’Islam, Paris, 2018 ; New Waves: Mohamed Melehi and the Casablanca Art School Archives, The Mosaic Rooms, London/MACCAL, Marrakech/Alserkal, Dubai, 2019-2020.

Samir Abdalla est un réalisateur engagé. Parmi les films documentaires réalisés seul ou en collaboration : La Ballade des sans-papiers (1997), Le Siège (2002), Gaza-strophe, Palestine (2009), Les quartiers ne lâchent rien (2019), Au Caire de la Rêvolution (2011). Depuis 1991, avec l’association L’Yeux ouverts qu’il a fondée, il organise des ateliers de cinéma dans les quartiers défavorisés, et anime un réseau international de projections publiques ainsi qu’un site internet baptisés Cinémétèque.

27 mai 2022 [séance annulée]

3 juin 2022 [séance en hybride]

Aléas retours. Les nouveaux enjeux de l’abstraction au Maroc dans les années 60 et 70
Fatima-Zahra Lakrissa et Maud Houssais, chercheures et curatrices indépendantes

Durant les années cinquante et soixante, les peintres marocains Jilali Gharbaoui et Ahmed Cherkaoui posent les premiers gestes essentiels accomplis dans le domaine de l’art moderne au Maroc. Un de ces gestes est le dialogue engagé avec l’École de Paris, qui marque le passage emblématique de la peinture marocaine vers l’abstraction. Leur propre résistance à consacrer une rupture définitive avec le terreau artistique marocain complexifie cependant leur appartenance ou affiliation au mouvement. Ils incarnent de ce fait une période de transition dans l’histoire de l’art au Maroc, où il s’agit pour les artistes de penser simultanément leur possible inscription au projet d’un art international, tout en pensant la position d’altérité qui leur y est assignée.

Cette quête est poursuivie de manière quasi simultanée à partir du Maroc par certains artistes de retour après une formation artistique, théorique et professionnelle dans des capitales artistiques européennes autres que Paris, telles que Rome, Milan, Prague, Varsovie et Madrid. Les années soixante et soixante-dix voient l’ambition espérantiste de l’art abstrait rejoindre des enjeux d’émancipation sociale au moment où diverses formes d’art (littérature, poésie et cinéma associés) forment le socle d’une approche émancipatrice de l’art visant à renouveler l’expérience d’une communauté du sensible. L’abstraction se présente alors comme un langage artistique pleinement acteur de la mutation sociale souhaitée. Elle se verra intégrer l’espace public sous la forme d’un art monumental qui renoue avec le projet de la synthèse des arts, tout en rendant possible une articulation entre la tradition esthétique occidentale et sa négation apparente : l’art traditionnel et populaire au Maroc.

Cette communication s’intéresse à l’émergence de certaines formes, pratiques et concepts qui ont encadré et nourri cette quête, entre expérimentation, théorie et pédagogie de l’art (en dehors de toute discipline universitaire), ainsi qu’à la fonction de l’abstraction, intégrée d’une manière pragmatique aux forces transformatrices de la société, dans un projet de synthèse des arts pensé depuis le Maroc et soutenu par de nouvelles circulations artistiques initiées par des artistes tels que Farid Belkahia, Mohamed Melehi et Mohammed Chabâa.

24 juin 2022, 16h [attention date modifiée]

Visite de l’exposition Silsila, le voyage des regards (ICI, Paris)

Rendez-vous à 15h45 devant l’entrée de l’ICI Stephenson, 56, rue Stephenson, 75018 Paris

“L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”, thème du séminaire 2020-2021

Selim Turan, Sans titre (mise en situation d’une peinture abstraite dans une illustration de salon), gouache sur impression offset, non daté. Coll. privée.

Responsables / Organizers

Alain Messaoudi, Silvia Naef, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Horaires et lieu / Schedule and location

En raison des mesures sanitaires prises par le gouvernement, le séminaire se déroule en visioconférence, les 1er et 3e vendredi du mois, de 15h à 17h, à partir du 20 novembre 2020.

ATTENTION : les inscriptions s’effectuent via l’application Listsem, mise à disposition par l’EHESS. Veuillez vous rendre à la page suivante : http://listsem.ehess.fr/courses/1011/requests/new
Merci
de déposer votre demande 72h avant le début de la première séance.
Nous vous enverrons ensuite le lien vers la salle de visioconférence pour y participer à distance.

Pour toute information, contactez-nous à l’adresse suivante : arvimm.groupe(at)gmail.com

Due to the health measures taken by the government, the seminar will take place by videoconference, on the 1st and 3rd Friday of the month, from 15:00 to 17:00, from November 20, 2020.

To register, use the Listsem application provided by EHESS. Please go to the following page (http://listsem.ehess.fr/courses/1011/requests/new) to submit your application 72 hours before the start of the session. One registration is all you need for the whole year.

For more information, please contact us at the following address: arvimm.groupe(at)gmail.com

Présentation / Abstract

(English below)

L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Paris continue à  attirer des artistes originaires du Maghreb et du Moyen-Orient. Or, s’y développe un art abstrait qui, par certains aspects, peut faire écho à des traditions vivantes qui leur sont familières, notamment autour du Salon des Réalités Nouvelles, créé en 1946. L’historiographie générale de l’abstraction gestuelle/lyrique et de l’art informel réserve peu de place à ces artistes et à ces traditions, par comparaison aux arts d’Extrême-Orient, auxquels on fait souvent référence lorsqu’on analyse les œuvres de Georges Mathieu, de Hans Hartung ou de Jean Degottex. C’est le plus souvent à l’échelle de leur « aire culturelle » d’origine, arabe, turque ou iranienne, que les œuvres de ces artistes, dont certains ont été formés à la calligraphie, ont été étudiées, qu’il s’agisse de la Hurufiyya (« lettrisme », en arabe), de la production de l’école turque de Paris ou de l’œuvre de l’Iranien Charles Hossein Zenderoudi. À travers cet objet de recherche, nous poursuivrons donc notre réflexion sur la place des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans la production artistique européenne au XXe siècle et à l’heure actuelle, ainsi que dans l’historiographie.

Abstraction, the Parisian environment and artists from the MENA region

After World War II, Paris continued to  attract artists from the MENA region. The form of abstraction that was developing then in Paris, particularly in the artistic networks gravitating around the Salon des Réalités Nouvelles, created in 1946, could, for certain aspects, echo living traditions that were familiar to them.. The general historiography of gestural/lyrical abstraction and Art informel is rather silent about these artists and traditions. When analysing the works of Georges Mathieu, Hans Hartung or Jean Degottex, it rather refers to East Asian arts. The works of these artists from the MENA region, some of whom were trained in calligraphy, are more often studied in terms of their original Arab, Turkish or Iranian « cultural area »,  . Historiography thus links them to the Hurufiyya (« Letterism », in Arabic), to the production of the Turkish school in Paris, or to singular works such as those of the Iranian Charles Hossein Zenderoudi, but takes little interest in their relations with the Parisian art scene. Through this research topic, we will continue our reflection on the place of artists from the MENA region in European artistic production since the 20th century, as well as in historiography.

Programme

Vendredi 20 novembre 2020

Séance introductive

Vendredi 4 décembre 2020

Occident/Moyen-Orient : Historiographies comparées de l’art abstrait
Silvia Naef, Professeure ordinaire, Unité d’Arabe, Université de Genève, et Perin Emel Yavuz, Ingénieure de recherche, Institut Convergences Migrations/CNRS

L’objectif du séminaire étant de croiser et de faire dialoguer les histoires de l’art abstrait en Occident et au Moyen-Orient, cette séance sera consacrée à un état des lieux de chacune d’elles afin de poser quelques jalons historiques et d’identifier des points de rencontre.

Vendredi 18 décembre 2020

Fahrelnissa Zeid and the post-war Nouvelle École de Paris: Negotiating a Universalist Modernist Practice with Parochial Cosmopolitanism (intervention probablement en français)
Adila Laïdi-Hanieh, Director General of the Palestinian Museum

Turkish-Jordanian modernist Fahrelnissa Zeid (1901-1991) was the first Middle Eastern artist to conduct a career recognized at home (Turkey) as well as in post War art centres, decades ahead of globalized contemporary artists. Even as her progress was beset by gender and class bias as well as by orientalist framings, her drive and prolific and innovative production helped her break barriers. She affirmed herself on the 1940s male dominated Turkish art scene, she then became the first Middle Eastern artist to exhibit alone in a commercial New York Gallery in 1950 after her first solo Paris exhibition in 1949. She was the first woman of any origin to exhibit solo at the London ICA in 1954.
My intervention focuses on her 1947-1957 Paris period, even though Fahrelnissa Zeid continued living and exhibiting on and off in Paris until 1968. That year she made Paris her full time home, until she left definitely in 1975.  I will review her successful integration in the Paris art scene, and her complex reception by critics and gatekeepers that ranged from recognizing her paintings’ radical properties to emphasizing her foreign origins.

Adila Laïdi-Hanieh, Ph.D. published in 2017 the artist biography Fahrelnissa Zeid. Painter of Inner Worlds (London: Art/Books) based on exclusive access to her private papers and personal archive. It provides a revisionist and definitive account of both her life and the constant reinvention that characterized her artistic practice. It foregrounds the importance of her extensive knowledge of European culture and her shifting health state on her artistic vision, and challenges orientalist interpretations of her art. In doing so, it redefines Fahrelnissa Zeid for the contemporary reader as one of the most important modernists of the twentieth century. Dr. Laïdi-Hanieh is a former student of Fahrelnissa Zeid. She received a Post-doctoral fellowship from the Arab Council for the Social Sciences in 2017, and received her Ph.D. in Cultural Studies from George Mason University in 2015, obtained as a Fulbright scholar. Since 2018 she is the Director General of the Palestinian Museum.

Sitographie :

Vendredi 15 janvier 2021

Séance restreinte aux étudiants qui valident le séminaire. Elle portera sur le catalogue de l’exposition Taking Shape. Abstraction from the Arab World, 1950s-1980s (New York, Grey Art Gallery, 14 janv.-13 mars 2020; commissaires: Lynn Gumpert, Suheyla Takesh).

Vendredi 29 janvier 2021

L’art abstrait gestuel dans les galeries et les salons parisiens. Quelles sources pour identifier la présence des artistes moyen-orientaux ?
Avec Julie Verlaine, Maîtresse de conférences en histoire contemporaine, Membre junior de l’Institut universitaire de France, Université de Paris I Panthéon-Sorbonne, Centre d’Histoire Sociale des mondes contemporains
et Domitille d’Orgeval, Art Moderne PIASA, docteure en histoire de l’art et auteur de la thèseLe Salon des Réalités Nouvelles : les années décisives : de ses origines (1939) à son avènement (1946-1948)”

Parcourir les biographies des artistes moyen-orientaux à Paris, et notamment leurs listes d’expositions pendant la période de l’après-guerre, est un moyen efficace pour mesurer leur insertion et leur activité dans les réseaux artistiques de l’époque. Par ce biais, il est possible d’observer leurs relations avec les instances de consécration que sont les salons et les galeries dédiés à l’art abstrait, témoignant d’une participation active à la scène artistique et d’une reconnaissance des mondes de l’art. Ce travail, qui vaut pour les artistes dont l’œuvre et le parcours sont documentés, ouvre un champ peu exploré par la recherche au carrefour de l’histoire de l’art de l’abstraction d’après-guerre et de l’histoire sociale et culturelle des circulations artistiques entre la France et le Moyen-Orient. L’enjeu n’est pas anodin pour l’écriture de l’histoire de l’art : il s’agit de subvertir un récit dominant écrit pour et par les dominants et de réhabiliter la production des artistes moyen-orientaux qui ont participé, eux aussi, à l’aventure de l’abstrait.

Pour cette séance placée sous le signe de la transmission, nous avons souhaité inviter deux spécialistes des mondes de l’art d’après-guerre à Paris pour partager leurs connaissances sur les galeries, pour l’une, et le Salon des Réalités nouvelles, pour l’autre. Sous la forme d’un atelier de recherche, l’objectif est de nous aider à comprendre le contexte de l’époque, à ouvrir des pistes de recherche et à cerner des approches méthodologiques pour redonner visibilité aux artistes du Moyen-Orient.

Vendredi 5 février 2021

Participation et réception critique des artistes turcs à l’École de Paris
Clotilde Scordia, historienne de l’art et commissaire d’exposition

Dès la fin du XIXe siècle, des peintres Turcs viennent à Paris étudier dans les académies. Ne restant souvent que quelques mois, ils repartent ensuite en Turquie mais sont les précurseurs d’une génération d’artistes qui s’installent en France de façon pérenne après la Seconde Guerre mondiale. Nous verrons dans cette contribution le parcours de ces peintres et sculpteurs, leur réception critique et leur participation aux manifestations artistiques (salons, expositions, biennales…) de la Seconde ou Nouvelle École de Paris. Venus se confronter aux « nouvelles tendances », nous parlerons notamment des peintres abstraits Nejad, Selim, Mübin, Bitran mais aussi des sculpteurs İlhan Koman, Kuzgun Acar ou encore Semiramis Zorlu qui s’affranchissent à Paris de la représentation figurée et du carcan académique.

Diplômée de Paris-Sorbonne en histoire de l’art, Clotilde Scordia a consacré ses sujets de Master aux peintres Turcs de la Seconde École de Paris et au peintre Néjad (1923-1995). Elle travaille sur les catalogues raisonnés et fonds d’atelier d’artistes (Néjad, Albert Bitran). Pendant douze ans, elle a également travaillé sur le catalogue raisonné d’André Lhote (1885-1962). Ses recherches portent principalement sur la période de l’après-guerre, les avant-gardes des pays extra-européens et la création en période de conflit. Son livre Les Peintres Turcs de l’École de Paris paraîtra en mars 2021 (éditions Déclinaison, préfacé par Annie Cohen-Solal). Actuellement, elle est commissaire de l’exposition « Robert Doisneau, portraits d’artistes et vues de Lyon » au musée Jean-Couty à Lyon (jusqu’au 11 avril 2021).

Vendredi 19 février 2021

L’art abstrait international au prisme des catalogues d’expositions.
Béatrice Joyeux-Prunel, Professeure ordinaire à l’université de Genève, Chaire des humanités numériques

À l’occasion de la parution de son livre Naissance de l’art contemporain 1945-1970. Une histoire mondiale (Paris, Editions du CNRS, 2021), et dans le cadre du thème du séminaire sur « L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient »,  Béatrice Joyeux-Prunel se propose de montrer comment par le biais des catalogues d’expositions nous pouvons appréhender la place des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans l’internationalisation artistique. Elle présentera en particulier comment s’utilise BasArt, une base mondiale et collaborative de catalogues d’expositions publiée en ligne par le groupe Artl@s (https://artlas.huma-num.fr). Il s’agira aussi d’évaluer dans quelle mesure peuvent être appréhendés les enjeux de carrière et de création des artistes en question, entre le local et l’international, le politique et l’esthétique.

Béatrice Joyeux-Prunel est spécialiste de l’internationalisation artistique et culturelle. Elle a fondé en 2009 le projet Artl@s (https://artlas.huma-num.fr), et publié trois livres de référence sur l’internationalisation artistique : Les avant-gardes artistiques. Une histoire transnationale. Vol. 1 1848-1918 (Paris, Gallimard, Folio Histoire 2016). Vol.2 1918-1945 (Paris, Gallimard, Folio Histoire 2017) ; et Naissance de l’art contemporain 1945-1970. Une histoire mondiale (Paris, CNRS Editions, 2021).

Vendredi 26 février 2021

Le Coran, Paris, l’UNESCO et l’artiste iranien Charles-Hossein Zenderoudi
Alice Bombardier, CERMOM (INALCO)

En 1972 à Paris, une version française du Coran est illustrée par l’artiste iranien Charles-Hossein Zenderoudi. Commande de l’UNESCO, cette édition luxueuse du texte sacré –pourtant en première ligne des interdits islamiques de figuration – reçoit la même année le prix international du « plus beau livre ». L’exploration que fait Charles-Hossein Zenderoudi des codes de l’art sacré en les adaptant à la postmodernité artistique est particulièrement novatrice dans le contexte de l’art islamique. Je présenterai les diverses facettes de ce Coran exceptionnel à la lumière des différentes phases de la carrière artistique de Charles-Hossein Zenderoudi, menée entre l’Iran et la France.

Le Coran, 2 vols, tr. Jean Grosjean, intro. Jacques Berque, illus. Charles-Hossein Zenderoudi, imprimé en 3 624 exemplaires par les Presses Firmin-Didot et Saint Augustin à Bruges, dir. Philippe Lebaud, Jacques Cornulier, Jean-François Fouquereau, Adrien Frutiger and Bruno Pfaffi (Paris, 1972). Publié avec un facsimile du manuscrit de Ibn al-Bawwāb’s et un commentaire de D.S. Rice.

Alice Bombardier, « A Contemporary Illustrated Qur’an: Zenderoudi’s Illustrations of Grosjean’s Translation (1972) », in Alessandro Cancian (ed.), Approaches to the Qur’an in Contemporary Iran, Oxford University Press (Oxford, 2019). https://www.academia.edu/39960815/A_Contemporary_Illustrated_Quran_Zenderoudis_Illustrations_of_Grosjeans_Translation_1972_

Alice Bombardier est une spécialiste de la peinture iranienne moderne et contemporaine. Elle est actuellement chercheuse au CERMOM à Paris (INALCO). En 2012, elle a obtenu son doctorat sur la peinture iranienne et les peintres à l’Université de Genève et à l’EHESS. Parmi ses dernières publications figurent Les pionniers de la Nouvelle peinture en Iran. Œuvres méconnues, activités novatrices et scandales au tournant des années 1940 (Peter Lang, Berne, 2017) ainsi que des articles sur la peinture iranienne au XXe siècle.

Vendredi 5 mars 2021

Méthodologies et sources en histoire de l’art au Moyen-Orient et au Maghreb
Table ronde dans le cadre du séminaire des étudiant.e.s de l’ARVIMM (Zouina Ait-Slimani, Mathilde Ayoub, Tamara Choukair, Hayat Jmammou et Mona Zaibet)

 À quelles problématiques de la recherche en histoire de l’art sommes-nous aujourd’hui confronté.e.s dans nos travaux ? Comment étudier, traduire et écrire une histoire de l’art commune et selon quels prismes historiographiques ? Quelles positions et méthodologies adopter dans un processus de recherche réflexif ? 

Lors de cette table ronde, nous aborderons plusieurs questionnements communs, notamment ceux de la place institutionnelle que l’histoire de l’art occupe actuellement dans les régions que nous étudions. Nous aborderons ainsi les questions de légitimité d’une histoire de l’art qui s’est principalement écrite d’un point de vu occidentalocentré et les problématiques terminologiques. À cette occasion, la place des sources arabes et de leur traduction dans les écrits scientifiques sera examinée et débattue. Nous discuterons aussi des pratiques curatoriales et des écritures qui en découlent à l’occasion des expositions ou de leurs catalogues ou à travers des écrits d’artistes. Les enjeux que les nouvelles formes de discours et de diffusion comme les réseaux sociaux dans la fabrication de ces récits et plus généralement de l’histoire de l’art mondialisée.

Consulter le programme détaillé en suivant ce lien.

Vendredi 19 mars 2021

La calligraphie en caractères arabes, idiome de la civilisation islamique.
Eloïse Brac de la Perrière, Professeure des universités,
Sorbonne Université

« Langage de la main, idiome de l’esprit », c’est ainsi que le savant baghdadi Ibrāhīm al-Shaybānī (m. 911) décrit l’art de la calligraphie en pleine période médiévale. Avec l’expansion de l’islam, la calligraphie devient très rapidement le principal médium artistique partagé par les communautés musulmanes à travers le monde. Art fondateur donc, il se manifeste dans toutes les langues transcrites en écriture arabe, concerne tous les genres de textes et figure sur tous types de supports. Son étude a souffert des clivages entre différents champs disciplinaires (épigraphie, paléographie, numismatique, codicologie…) et son message formel, visuel, souvent mal compris, a été réduit à ses manifestations les plus classiques. C’est pourtant un phénomène artistique complexe, multidimensionnel et, finalement, extraordinairement vivant.

Éloïse Brac de la Perrière est professeure d’histoire de l’art et archéologie du monde islamique à Sorbonne Université. Spécialiste de l’Inde islamique et du monde persanophone, ses recherches portent sur l’histoire des pratiques artistiques à travers l’étude des manuscrits, de l’iconographie et de la calligraphie. Entre 2012 et 2017, elle a codirigé le projet Kalila wa Dimna (BnF) qui a donné lieu à une exposition à l’Institut du Monde arabe, ainsi qu’à un volume collectif (sous presse). Depuis, Éloïse Brac de la Perrière est coresponsable de l’inventaire scientifique des collections d’art islamique du musée des Beaux-Arts de Lyon, dont le catalogue raisonné est en préparation, et elle dirige le projet CallFront, Calligraphie aux frontières du Monde islamique.

Vendredi 2 avril 2021

Pour une étude de la présence des artistes du monde arabe à l’Ecole des beaux-arts : quelques repères
Alice Thomine-Berrada, Conservateur du patrimoine au Musée d’Orsay

Discutante : Kirsten Scheid, Professeure associée, American University in Beirut

Après un état des lieux bibliographique et archivistique, il s’agira d’abord de présenter le fonctionnement de l’Ècole des beaux-arts dans la période d’après-guerre, puis de redessiner la place des artistes du monde arabe au sein des artistes étrangers fréquentant l’Ècole au XXe siècle. Enfin, à partir de quelques exemples (Amor Ben Mahmoud, Mohamed Abou-Kalam ou encore Abraham Hadad), un questionnement s’ouvrira sur l’importance de leur passage à l’Ècole dans leur parcours professionnel.

 

Archiviste paléographe, conservateur du patrimoine, docteur de l’École pratique des hautes études, Alice Thomine-Berrada est historienne de l’architecture du XIXe et du début du XXe siècle. Elle est depuis 2008 conservateur au musée d’Orsay où elle s’occupe de la collection de dessins d’architecture.

Kirsten Scheid est professeure associée d’anthropologie au département de sociologie, d’anthropologie et d’études des médias de l’université américaine de Beyrouth. Ses recherches et son enseignement portent sur l’anthropologie de l’art, l’esthétique, l’historiographie et la théorie de l’art, la modernisation et le cosmopolitisme, l’affect et les élites.

Vendredi 16 avril 2020

Étude critique et cheminements autour d’une brèche panarabe dans l’École de Paris

Le cas particulier du “dialogue” franco-marocain entre la Biennale de Paris (1961) et l’exposition “Rencontre internationale”, Musée des Oudayas de Rabat (1963-1964)

Morad Montazami, Zamân Books & Curating

Concernant le rôle des artistes arabes au sein du mouvement et des réseaux célèbres de l’École de Paris, la question de la marginalité est à prendre au sérieux. C’est-à-dire de nous demander comment on habite les marges, comment on échappe aux marges ou comment on peut survivre aux marges. Ce faisant, différents modes de rencontre semblent prévaloir, que ce soit « en marge » des ateliers de l’Ecole des Beaux-arts de Paris dans les années 1950, dans le programme des galeries ou dans les catalogues d’exposition parisiens. Pour la poignée de noms comme Ahmed Cherkaoui, Jilali Gharbaoui, Mohammed Khadda ou Shafic Abboud, à la renommée relative, combien d’artistes arabes demeurent inconnus et peuvent être indexés « en marge » ? Faut-il en déduire un effet de riposte contre un mouvement occidental attrape-tout – englobant entre autres l’ « art informel », l’ « abstraction lyrique », le « tachisme », l’ « art brut » ? Peut-on vraiment dire que cette riposte se déroule de l’intérieur ? Les expériences subjectives incarnées par ces noms peuvent-elles se rejoindre, se résoudre dans un mouvement dialectique et transculturel ? Quels sont les contre-récits visuels opposés par les conceptions et les perceptions panarabes aux têtes de file de l’Ecole de Paris?

Morad Montazami est historien de l’art, éditeur et commissaire d’exposition. Il est rédacteur en chef de la revue Zamân(Textes, images et documents) et directeur de la plateforme Zamân Books & Curating qui développe les études et les expositions sur les modernités arabes, africaines et asiatiques. Il est l’auteur de nombreux articles sur des artistes tels que Jeremy Deller, Francis Alÿs, Zineb Sedira, Éric Baudelaire, Walid Raad, Latif al-Ani, Mohamed Melehi, Faouzi Laatiris…

Vendredi 21 mai 2021

Des histoires décoloniales de l’abstraction. Archives croisées entre Paris et le Moyen-Orient
Nadia Radwan, Assistant Professor in World Art History, University of Bern

Cette contribution s’inscrit dans une réflexion sur la manière d’inclure des histoires de l’abstraction longtemps considérées comme en marge des canons de l’histoire de l’art. Elle se propose d’aborder les questions d’absence, d’exclusion et de traduction qui jalonnent l’étude des artistes abstraits de la région MENA. Mettant en avant l’importance des archives souvent transnationales et plurilingues, il s’agit de questionner des œuvres et des documents marqués par les antagonismes et les différences qui viennent complexifier un récit homogène de l’abstraction. En outre, en mettant en avant les trajectoires multiples entre Paris et le Moyen-Orient, cette contribution entend décentrer les récits européens et moyen-orientaux sur l’art abstrait de façon à mettre en évidence des œuvres qui sont le fruit d’histoires croisées souvent dissimulées au profit de discours identitaires ou d’altérité.

Shafic Abboud : Archives d’un peintre, archives d’un père, une expérience à la croisée des mémoires et des documents
Christine Abboud

Hériter du fonds d’un artiste est une étrange aventure, qui redessine les contours de votre propre histoire. Mais au-delà, comment gérer et organiser des œuvres et surtout des documents, alors que l’on est n’est ni historien de l’art ni archiviste…? Je tenterai d’expliquer comment je me suis appropriée ce matériau à la fois mort et vivant, quelles sont les questions qui se posent lorsque l’on a la volonté de ne pas « trahir », de ne pas fausser la lecture que d’autres pourraient faire de l’archive et surtout de batailler contre un « portrait officiel » qui se met si vite en place et qui brouille la recherche.

Vendredi 4 juin 2021

Jamil Hamoudi et Paris (1947-1962) : l’expérience de l’abstraction au prisme d’une histoire croisée entre Paris et Bagdad
Zouina Ait Slimani, doctorante à l’École normale supérieure (IHMC) /Université de Genève (Unité d’arabe).

De tous les artistes irakiens de passage à Paris, Jamil Hamoudi (1924-2003) semble apparaître comme étant l’une des figures les plus connues pour son implication au sein des cercles artistiques et intellectuels parisiens. Peintre, sculpteur et critique d’art, il est à l’origine de la publication de al-Fikr al-ḥadīth (1945-1947), première revue culturelle d’avant-garde en Irak consacrée à l’art et à la littérature. Après des études de peinture et de sculpture à l’Institut des beaux-arts de Bagdad (1945), Jamil Hamoudi obtient une bourse et se rend à Paris en 1947, où il intègre un cycle d’étude en peinture à l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, période durant laquelle il poursuit également des cours de dessin à l’Académie Julian, ainsi que des cours d’histoire de l’art à l’École du Louvre. En 1949, il est élu membre du Salon des Réalités Nouvelles, figurant dans plusieurs expositions de ce groupe entre 1949 à 1953. En 1950, il organise sa première exposition individuelle à la galerie Voyelles à Paris. Durant cette première période parisienne, Jamil Hamoudi édite sa seconde revue en langue française, Ishtar (1958-1962), dont le sous-titre est évocateur : « Ishtar, Orient-Occident. Pour une compréhension meilleure entre l’Orient et l’Occident ».

À travers l’étude de la trajectoire individuelle de Jamil Hamoudi, et en prenant appui à la fois sur l’analyse de ses œuvres, des archives et des textes de cette période, cette contribution vise dans un premier temps à appréhender la réception de l’œuvre de cet artiste dans la scène artistique parisienne et en Irak, dans le but de réfléchir dans un second temps, à la restitution d’un récit sur l’histoire de l’abstraction qui prend en considération les connexions, les croisements et les transferts artistiques de cette période, inscrivant ainsi, l’histoire de cette abstraction dans une perspective extra-européenne et mondiale.

Après l’obtention d’un Master 1 avec un mémoire sur l’artiste irakien Dia al-Azzawi, et d’un Master 2 sur l’étude des pratiques artistiques dans les trois pays du Maghreb (Algérie, Maroc, Tunisie) des années 1950 aux années 1970, à l’université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne, Zouina Ait Slimani travaille à présent sur une thèse en Esthétique, histoire et théories des arts à l’École normale supérieure de Paris en cotutelle avec l’Université de Genève. Ses recherches portent sur l’histoire de l’écriture sur l’art en Irak des années 1930 aux années 1980.

Vendredi 18 juin 2021

Séance de synthèse

En prévision de la dernière séance de l’année, le 18 juin 2021 prochain, nous invitons les participants et les auditeurs à un échange de synthèse et de réflexion pour préparer le séminaire 2021-22, qui se poursuivra sur le thème de cette année.

Prochaine et dernière séance du séminaire

Programme des deux dernières séances du séminaire Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen Orient, XIXe-XXIe siècle de l’année

Les séances auront lieu par visioconférence sur Zoom. Pour y assister, veuillez demander une invitation à l’adresse : arvimm.groupe@gmail.com

Vendredi 19 juin 2020, 15h-17h

Olga Nefedova, Associate professor – National Research University HSE, Moscow/Researcher – Orient-Institut Beirut (Max Weber Foundation)

Art and Artists Crossing Borders: the Early History of Art Education for Arab Artists in the USSR in 1950-70s

 

 

Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen Orient, XIXe-XXIe siècle — Migrations artistiques : circulation, transferts culturels, création

Khaled Takreti, Baluchons 3, 2017. Acrylique sur toile, 146 x 114 cm. Donation Claude & France Lemand. Musée, Institut du monde arabe, Paris. © Khaled Takreti. Courtesy Galerie Claude Lemand, Paris.

Responsables

Alain Messaoudi, Silvia Naef, Fanny Gillet, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Informations pratiques

  • 1er et 3e vendredi du mois, 15h à 17h
  • IISMM, salle de réunion, 1er étage, 96 bd Raspail 75006 Paris

Présentation

(English below)

Migrations artistiques : circulation, transferts culturels, création

Les premières années du séminaire ont mis en lumière l’importance des mobilités artistiques, à travers les protagonistes, les discours, les formes et les œuvres, dans, vers et à partir de la région du Maghreb et du Moyen-Orient — étant elle-même une terre d’intenses mobilités activées par son histoire et sa géographie. Pour cette raison, l’équipe ARVIMM se propose de poursuivre son travail sur l’écriture de l’histoire de l’art sous l’angle de la migration et des aspects qu’elle recouvre : les circulations, les échanges, les transferts culturels et l’expérience migratoire. L’objectif est de décrire, de penser et d’analyser la migration artistique et son interaction avec les dynamiques historiques de la création dans la région, d’une manière concrète, historiographique, théorique et esthétique.

À travers l’étude des parcours d’artistes, il s’agit de retracer leurs trajectoires migratoires, qu’elles soient temporaires ou définitives, volontaires (formation artistique, stratégie de carrière…) ou contraintes par des situations politiques (atteintes aux libertés fondamentales, opposition aux régimes…) ou de guerre. Dans le cadre d’une analyse des transferts culturels et des échanges artistiques, l’étude de ces trajectoires portera une attention aux réseaux d’insertion, vecteurs de rencontres et d’influences, dans les pays d’accueil et d’origine. Il s’agit en effet de comprendre comment, dans  le déplacement, les artistes — médiateurs culturels en puissance — contribuent à l’exportation et à l’importation transnationales de biens symboliques par des processus d’appropriation, de diffusion et de transmission de concepts théoriques et de pratiques artistiques au Maghreb et au Moyen-Orient. Sans exclusive, nous nous intéresserons autant aux artistes natifs qu’aux artistes d’origine européenne qui ont joué un rôle dans la construction du monde de l’art dans ces territoires.

Enfin, parce la création interagit avec le monde environnant, nous nous intéresserons aux productions artistiques en tant qu’elles témoignent de l’expérience migratoire. Dans une approche à la fois biographique et plastique qui s’inscrit dans la problématisation de cette histoire connectée, il s’agit ici d’étudier les liens entre les effets sur l’artiste de ce vécu individuel et subjectif et la manière dont il s’imprime dans les œuvres qu’il produit. L’enjeu se veut aussi théorique en proposant de travailler sur les concepts littéraires d’écriture migrante et d’écriture de l’exil et sur leur opérabilité dans le champ des arts visuels.

Artistic Migrations: circulations, cultural transfers and creation

This year, we propose to continue our inquiry into the writing of the history of visual arts in North Africa and Middle East since the 19th century, from the perspective of migration and related aspects: movements, exchanges, cultural transfers and migratory experiences. We will examine artists’ paths towards, within or from this geographical area, by retracing their migratory trajectories, whether temporary or permanent, voluntary (in search of a new environment, to pursue studies or a career…) or forced (to escape a situation of war or political repression…). We will pay particular attention to integration networks, which are vehicule for encounters and influences, in both host and home countries. Our aim is to understand how, in the process of displacement, artists — as potential cultural mediators — contribute to the export and import of symbolic goods through the appropriation, dissemination and transmission of concepts and practices. We will include an analysis of artistic productions that reflect the migratory experience. Through biography and forms, we will study how a subjective experience is expressed in artworks. This will lead us to think about the concepts of migrant literature and their operability in the field of visual arts.

Programme

Jeudi 14 novembre 2019, 13h-17h, salle des étudiants, puis salle Lombard

Exceptionnellement, la rentrée du séminaire aura lieu le jeudi 14 novembre, de 13h à 17h, en raison de la mutualisation de la séance avec le séminaire “Frontières et enfermements dans les sociétés arabes et les mondes musulmans : incorporations, affects et vécu“.

13h-14h : Accueil des étudiants du séminaire “Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen Orient, XIXe-XXIe siècle”
IISMM-EHESS, salle des étudiants, 1er étage, 96 bd Raspail, 75006 Paris

14h-17h : Séance mutualisée avec le séminaire “Frontières
et enfermements dans les sociétés arabes et les mondes musulmans : incorporations, affects et vécu

IISMM-EHESS, salle Lombard, rdc, 96 bd Raspail, 75006 Paris

    • Introduction du séminaire par Amin Moghadam, Stéphanie Latte-Abdallah, Hélène Thiollet
    • Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut Convergences Migrations, Mobilités artistiques et imaginaires migratoires. Renouveau du motif de la Méditerranée dans les arts plastiques au prisme des crises des années 2010.
    • L’immigration et les migrations au prisme de l’art contemporain dialogue entre l’artiste plasticienne Ghazel et Isabelle Renard, Cheffe du service des expositions et collections du Musée National de l’Histoire et de l’Immigration – Palais de la Porte Dorée
    • Débat

Vendredi 6 décembre 2019, 14h-17h

Séance annulée

Vendredi 20 décembre 2019, 15h-17h

Séance annulée

Vacances scolaires : 21 déc.-6 janv.

Vendredi 17 janvier 2020, 15h-17

Hélène Tissières, chercheuse affiliée au Global Studies Institute de l’Université de Genève

Art contemporain de l’Afrique et de sa diaspora : de la trace et du fantôme 

Cette intervention est basée sur une réflexion de l’artiste franco-algérien Khader Attia Réfléchir la mémoire et du positionnement des artistes concernant “l’amputation”, soit la blessure donc des violences et des destructions (trace) et de la mémoire (fantôme), et leur façon de dénoncer les déséquilibres de la globalisation. Il sera question non seulement des injustices perpétrées et de l’absence d’écologie, mais aussi de la violence, des guerres, et de la question de l’immigration. Sans résolution (solutionnement), les fantômes prennent le devant de la scène et James Baldwin dans divers interviews, rapportés dans le film I am not your Negro de Peck, en évoque les conséquences. Seront étudiées les œuvres de divers artistes dont Jems Koko Bi (ivoirien), Bruce Clarke (anglo-sud-africain), Safaa Erruas (marocaine) et Kacimi (marocain), et également le travail des cinéastes marocain Zinoun et franco-algérien Allouache ainsi que du rappeur sénégalais Didier Awadi qui a composé avec un musicien tunisien. Les entrelacs Maghreb-Afrique subsaharienne seront constants.

Vendredi 31 janvier 2020, 15h-17h

Alix Brouillon, masterante, EHESS

L’atelier des artistes en exil : ethnographie d’une maison-refuge
L’atelier des artistes en exil est une association fondée en 2017 par Judith Depaule et Ariel Cypel. Cette maison-refuge, unique dans le monde, selon les termes de Judith, se propose d’accueillir des réfugiés artistes ayant été contraints de fuir leur pays. Face à l’urgence de l’accueil et de la gravité de leur situation, l’atelier répond à plusieurs missions. Il propose, en effet, d’accompagner les artistes, toutes disciplines confondues, selon leurs besoins et leur situation. Il s’agit pour cette association d’offrir aux artistes une aide dans les démarches administratives, mais aussi de leur offrir un espace de travail, un lieu de rencontres et de sociabilité et un espace à soi, ainsi qu’un soutien psychologique. Cet espace de travail permet aux réfugiés de continuer à exercer leur art et d’être mis en relation avec des professionnels, en d’autres termes, de s’insérer au mieux dans la société française. Enfin, si une telle structure existe, c’est parce que les institutions délèguent aux associations engagées comme celle-ci la responsabilité de la prise en charge d’individus en exil, rendant l’existence de l’atelier et le travail de ceux qui l’animent, indispensable.

Jihane Alami, Master 2 Politique Transnationale ou Masterante, Paris 8 département de Science Politique

Articuler migration et pratiques artistiques : l’exemple des artistes irakiens dans le contexte post-Saddam à Londres et à Amman

Cette présentation s’appuie sur un travail de recherche de trois ans, à Amman puis à Londres, à la rencontre des artistes irakiens exilés dans ces capitales. La méthodologie d’enquête, au croisement de la sociologie des migrations et de celle de l’art, permet d’éclairer différentes dimensions du travail de ces artistes, notamment en ce qui concerne leur identité d’artiste “irakien”, ainsi que leur insertion dans les scènes artistiques contemporaines. Il s’agit à la fois de comprendre les processus évolutifs de création artistique au niveau local aussi bien que de leur donner un sens au niveau transnational, au regard du contexte de la guerre en Irak d’une part et à l’aune des processu.

Vendredi 7 février 2020, 15h-17h

Fabienne Dumont, historienne de l’art, professeure à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Nancy

Migrer et représenter les migrations. Autour de l’exposition TRANS/HUMANCE de Nil Yalter au MAC VAL

Artiste en migration, Nil Yalter (1938, Le Caire) s’installe à Paris en 1965 pour poursuivre un cursus aux Beaux-arts et y établir sa carrière. Dès les années 1970, elle développe un art pionnier tant sur le plan des formes que sur celui des thèmes. Vidéo, peinture, dessin, photographie, collage, performance et installation concourent à former une œuvre hybride dont la matière première est issue d’une méthodologie anthropologique qui s’intéresse aux conditions de vie des minorités et des populations marginalisées : femmes, prisonnières, homosexuels, travailleur·euse·s immigré·e·s, communautés exilées… À travers ses œuvres, Nil Yalter donne à entendre la difficulté à vivre une situation d’exil au sein d’une ville, un pays, ou de la société.
Au cours de cette séance, Fabienne Dumont, commissaire de l’exposition TRANS/HUMANCE et meilleure spécialiste en France de Nil Yalter, reviendra sur le parcours de l’artiste et le thème de la migration qui prédomine dans son œuvre.

Pour préparer la séance

  • Trans/humance, exposition au Mac/Val, Ivry-sur-Seine, 5 octobre 2019 au 9 février 2020
  • Fabienne Dumont, Nil Yalter. Une œuvre sociologique à la confluence des mémoires et des mythologies, Mac/Val, 2019, 320 p.
  • Fabienne Dumont, Entretien avec Nil Yalter, Manuella Édition, 2019, 112 p.

Vacances scolaires : 8-24 février

Vendredi 6 mars 2020, 15h-17h

En raison de la crise du Coronavirus, notre intervenante a renoncé à sa venue en France. La séance est remplacée par une une visite collective de l’exposition Notre monde brûle au Palais de Tokyo organisée en collaboration avec le MATHAF sous le commissariat d’Abdellah Karoum. Rendez-vous dans le hall du Palais de Tokyo à 15h. Merci de nous confirmer votre venue : arvimm.groupe@gmail.com

Vendredi 20 mars 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence. Travail avec les étudiants sur l’exposition Notre monde brûle.

Vendredi 27 mars 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence. Travail avec les étudiants sur l’exposition Notre monde brûle.

Vendredi 3 avril 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence dédiée aux exposés des étudiants.

La génération du môle d’Alger et la modernité picturale

Lydia Haddag 

Il s’agira à travers le groupe de la génération du môle d’Alger de présenter les enjeux liés à la modernité picturale en Algérie coloniale. L’idée est d’inscrire les évolutions de la vie artistique algéroise dans l’histoire politique et sociale de la première moitié du XXème siècle.

Étude du signe arabe dans l’Œuvre de Saloua Raouda Choucair

Tamara Choukair

Il s’agira de présenter les recherches menées sur ce sujet depuis l’année dernière, la manière dont elles ont évoluées, les difficultés rencontrées, les problèmes de méthodologie, et les enjeux du sujet qui s’inscrit à la fois au bureau des Arts des pays d’Islam et celui d’Art contemporain. Cette présentation sera l’occasion de dresser les thématiques qui tournent autour de la production sculptée de l’artiste.

Vendredi 10 avril 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence dédiée aux exposés des étudiants.

Les cavaliers spahis ont combattu au sein de l’armée française d’Afrique et notamment, au Maghreb (1830-1870)

Zineb Diouani

Je me focaliserai sur les spahis algériens qui ont combattu en Algérie et au Maroc. Les régiments de spahis se distinguent dans le fait qu’ils sont composés majoritairement de Maghrébins. Ils sont aussi issus de la culture ottomane mais incarnent, la tradition équestre arabe-berbère. L’idée est de montrer que leur intégration au sein de l’armée française est due, en grande partie, au symbole qu’ils représentent. J’essayerai de le démontrer à travers l’art.

Les écoles coloniales de l’arrondissement de Tizi-Ouzou de 1944-1954

Rosalie Mahieu

Cette période, à raison, a été perçue comme l’essor du mouvement nationaliste algérien. Cependant, elle est aussi une phase d’approfondissement de la colonisation avec des plans de scolarisations massifs. Il s’agira donc d’étudier les écoles républicaines laïques et les écoles missionnaires en Kabylie à l’aune de l’essor des tensions coloniales.

L’inscription de l’art dans le quartier de Weibdeh à Amman

Alba Perset

Il s’agira de faire un état des lieux de mes pistes actuelles. Mon sujet étant en chantier, puisqu’il a été modifié récemment et réduit au Quartier de Weibdeh à Amman. Je présenterais donc l’interdisciplinarité au centre de ma méthode d’enquête, entre anthropologie de l’art, anthropologie urbaine et anthropologie sonore.  Ces diverses disciplines donneront une dimension plus sensible à mon sujet. Elles me permettront d’appréhender le quartier de Weibdeh en étant au plus proche de la vision des artistes eux mêmes, qui le vivent sensiblement et à travers ces trois perspectives, l’art, la spatialisation et le son et qui le modifient chaque jour un peu plus par leurs interventions sociales ou créatives.

Vendredi 17 avril 2020, 15h-17h

Séance fermée en visio-conférence. Travail avec les étudiants sur l’exposition Notre monde brûle.

Vendredi 15 mai  2020, 15h-17h

Séance en visio-conférence. Ouverte sur invitation à demander à l’adresse : arvimm.groupe@gmail.com

Silvia Naef, Professeure ordinaire, Université de Genève, département d’arabe

Etel Adnan et la multiplicité des langages

Le travail artistique et littéraire de l’artiste libanaise Etel Adnan (née en 1925), fille d’un père syrien et d’une mère grecque, ayant grandi à Beyrouth où elle a suivi toute sa scolarité en français, étudiante à la Sorbonne puis enseignante en Californie, pour enfin revenir à Paris récemment, se nourrit de ces expériences et identités multiples. La migration choisie, en France d’abord puis aux États-Unis, ne rompt cependant pas le lien qu’Adnan entretient avec le monde arabe, et qui s’exprime notamment par ce qu’elle définit comme un nouveau langage, entre la peinture et l’écriture, qui lui permet de « peindre en arabe », un langage qu’elle découvre au début de son séjour californien. Comme l’anglais, langue qu’elle adopte pour ses poèmes à la place du français, à la même époque. Le Nouveau Monde qu’Adnan découvre dans les années 1960 lui confère des nouveaux moyens d’expression, qui font d’elle, comme elle le disait dans une interview qu’elle avait donnée en ligne en 2018, une artiste « pionnière du monde globalisé » (consulté le 29 mars 2020).

Nagham Hodaifa, docteure en Histoire de l’art, chercheuse associée à l’EA HiCSA-Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Également artiste-peintre, diplômée de l’École des Beaux-arts de Damas

Marwan entre Damas et Berlin. Le visage en question.

Aujourd’hui nous pouvons saisir l’influence de Marwan (1934-2016), artiste majeur du monde arabe, sur l’œuvre de nombreux artistes contemporains arabes. Peintre diasporique dont le langage artistique s’est élaboré entre Damas et Berlin, Marwan a émigré en Allemagne en 1957 et y est demeuré jusqu’à sa disparition en 2016. Dès les années 1960, sa peinture fait référence dans le milieu de l’avant-garde berlinois et s’inscrit dans le mouvement historique de la Nouvelle Figuration ou Pathetische Figuration alors que, durant cette décennie et plusieurs dizaines d’années plus tard, son art reste peu connu dans le monde arabe. En effet, l’œuvre de Marwan témoigne d’une réelle singularité par son exploration inlassable du motif du visage, un leitmotiv qu’il décline durant cinquante ans de vie artistique, sous des formes variées, et qui peut apparaître comme une manifestation esthétique de ce déplacement culturel. Car la thématique du “visage” (on dit habituellement un portrait ou un autoportrait) est rarement explorée par ses contemporains originaires du monde arabe. Comment alors aborder ce motif dans sa relation avec la culture visuelle du pays d’origine et de celui d’adoption de l’artiste ? Pour Marwan, la répétition du motif tient à son lien culturel avec l’Orient : regarder un même sujet en portant un nouveau regard, reprendre la même forme pour la réengendrer autrement. Cette répétition doit elle être lue comme l’écho d’un procédé pictural propre à la peinture ou d’une inspiration venue d’Orient?

Pour préparer la séance

  • Hodaifa (Nagham), Marwan. Face à face, Berne, Peter Lang,
    coll. « Études culturelles et sociales sur le Moyen-Orient », 2018, 396 p.

Vendredi 29 mai 2020, 15h-17h

Séance en visio-conférence. Ouverte sur invitation à demander à l’adresse : arvimm.groupe@gmail.com

Victoria Ambrosini, docteure en histoire de l’art de l’EHESS, commissaire

Les pratiques artistiques syriennes en situation de mobilité et d’exil

La dictature du clan Assad depuis 1970, puis la répression des mouvements révolutionnaires à partir de 2011 ont considérablement pesé sur le développement artistique local. Le plus souvent les artistes ont dû s’expatrier pour exister, articulant ainsi un lien entre art et migration. Pourtant, rares sont ceux qui depuis l’exil, sont parvenus à une reconnaissance.
C’est surtout à partir des Printemps arabes et de la guerre en Syrie, en 2011, que des artistes, déjà reconnus localement et internationalement, produisent en situation de migration. Le développement du marché (2000) puis la médiatisation des événements politiques (après 2011) amplifient l’audience internationale de ces artistes mais les soumettent également aux attentes politiques et culturalistes des prescripteurs occidentaux, commissaires d’exposition et critiques.

Vendredi 19 juin 2020, 15h-17h

Séance en visio-conférence. Ouverte sur invitation à demander à l’adresse : arvimm.groupe@gmail.com

Olga Nefedova, Associate professor – National Research University HSE, Moscow/Researcher – Orient-Institut Beirut (Max Weber Foundation)

Art and Artists Crossing Borders: the Early History of Art Education for Arab Artists in the USSR in 1950-70s

During recent decades, interest in different facets of contemporary Arab art has increased significantly. Although this interest has played a key role in bringing modern and contemporary Arab art into wider focus, significant gaps remains in the scholarly discussion. This seminar will analyse the new artistic practices and the art heritage of Arab artists who graduated from various USSR art institutions. It studies artists who graduated or were continuing as postgraduate students between 1959, when the first group of Arab art students arrived in the USSR and 1979. The study is based on the previously unpublished material from various archives. The research was undertaken with the aid of artists and artists’ relatives, based on the materials gathered through meetings, interviews and correspondence with them. Information from large collections of press clippings from Soviet newspapers, journals and magazines of 1950-1980s was also considered. The seminar will address the problem of Arab artists’ education within the context of social realism ideology in art, as well as problem of students’ adaptation in the USSR and their post-Soviet art career in their own countries and abroad.

Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen Orient, XIXe-XXIe siècle

Légende : Djamel Kokene-Dorléans, Tajmaât, installation, 2010, Rennes.
Dans cette installation, Djamel Kokene-Dorléans déplace le dispositif traditionnel de la tajmaât (“assemblée”), une structure collective citoyenne usitée dans le centre et le nord de l’Afrique, pour l’installer dans le contexte d’une manifestation artistique (Biennale de Rennes). Par ce geste, l’artiste questionne ce qui fait communauté dans sa relation à l’espace.

Responsables

Alain Messaoudi, Silvia Naef, Fanny Gillet, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Informations pratiques

  • 1er et 3e vendredi du mois, 15h à 17h
  • IISMM, salle de réunion, 1er étage, 96 bd Raspail 75006 Paris

Présentation

C’est à travers nos expériences de recherche et en analysant les résultats de nos travaux que nous poursuivrons cette année notre enquête sur l’élaboration et l’écriture des histoires de l’art dans et sur le Maghreb et le Moyen-Orient, en conservant les axes problématiques que nous avons déjà dégagés. Dans quelle mesure nos recherches entrent-elles en écho ou en discordance avec les histoires de l’art produites à l’échelle nationale dont nous avons travaillé à identifier les acteurs et les usages, à travers les mouvements d’indépendance, le panarabisme ou le processus de mondialisation ? Comment s’inscrivent-elle dans le contexte actuel de réévaluation des modernités extra-occidentales auquel prennent part de nombreuses institutions muséales en faisant usage de l’histoire globale et des études postcoloniales, non sans écueils (formes d’assignations, détermination occidentale des conventions esthétiques sous couvert d’universalisme…). Se construisent-elles en dialogue avec des artistes vivants ? Participent-elles à des processus de patrimonialisation, quand se pose la question de la conservation des œuvres et des archives, et celle de leur accessibilité dans un moment historique traversé par les conflits, et où les productions artistiques sont au cœur du débat public sans constituer pour autant une priorité politique ? A travers ces questions, nous dégagerons les éléments d’un panorama historiographique.

Programme

16 novembre 2018

Introduction générale.

Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Les anthologies de Halil Altındere et Süreyyya Evren, une histoire critique de la Turquie contemporaine

Artiste phare de la scène artistique d’Istanbul des années 1990, Halil Altındere y joue un rôle fédérateur qui s’exprime par de nombreux projets éditoriaux collectifs qu’il conçoit comme des espaces de débat et de réflexion artistique. La revue, les monographies et les anthologies, qu’il édite avec sa maison d’édition Art-ist, participent également de l’ambition revendiquée d’écrire une histoire de l’art contemporain en Turquie. A y regarder de plus près, les choix artistiques opérés semble témoigner d’une autre ambition, non avouée celle-ci, qui interpelle le spectateur non seulement accoutumé au pays mais aussi animé par un regard politique. Cette ambition, qui constitue mon hypothèse, est celle de la production d’une histoire critique de la Turquie contemporaine. Pour mettre en lumière cette double lecture historique — de l’art et du temps présent —, j’étudierai les anthologies de l’art contemporain turc qu’Altındere élabore avec l’auteur et théoricien Süreyyya Evren.

7 décembre 2018

Entretien avec l’artiste Djamel Kokene-Dorléans, animé par Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Artiste d’influence conceptuelle, Djamel Kokene-Dorléans développe une œuvre protéiforme depuis le tournant des années 2000, qui évolue à travers l’installation, la sculpture, la vidéo, le dessin, la peinture et la performance, jusqu’à un dépassement des limites de ces catégories artistiques. Il intègre ainsi à sa pratique le dispositif du forum sous différentes variantes (l’exposition avec Laplateforme, 2002-06, l’enseignement avec L’École mobile, 2006-, et l’édition avec la revue Checkpoint, 2006-) comme autant d’espaces de dialogue interdisciplinaire, d’expériences collectives et de co-création. Les préoccupations de Djamel Kokene-Dorléans sont nombreuses : les notions de collectif, de culture et de mondialisation s’articulent à une réflexion profonde sur le rôle de l’art, du langage et des représentations.

21 décembre 2018

Alain Messaoudi, MCF Université de Nantes

Paris et les artistes tunisiens aux lendemains de la Seconde Guerre mondiale

A partir du cas de Abdelaziz Gorgi (1928-2008), à qui une exposition rétrospective sera consacrée en décembre à Tunis, je voudrais entamer une réflexion sur le sens qu’a pu avoir le séjour à Paris pour les artistes tunisiens aux lendemains de la Seconde Guerre mondiale. Du fait de l’instauration de bourses et de prix soutenus par les autorités du protectorat français en Tunisie, le séjour à Paris s’est imposé à partir des années 1930 comme une expérience ordinaire pour les jeunes artistes destinés à devenir les principales figures du monde de l’art en Tunisie. Que sait-on de ces expériences parisiennes ? Ont-elles eu un impact sur leurs engagements futurs, socio-politiques et artistiques ?

18 janvier 2019

Claudia Polledri, Chercheuse postdoctorale, Département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques, Université de Montréal

La figure du « témoignage » dans l’art contemporain libanais : pratiques, objets et mise en récit.

Comment l’art contemporain libanais a intégré la dimension testimoniale en la déclinant sur le plan visuel? Quels sont les points de contact et les écarts avec les pratiques de l’histoire orale ? Peut-on parler “d’objet-témoin” et dans ce cas, dans quels termes? À partir des oeuvres des artistes libanais Hadjithomas et Joreige et Lamia Joreige il s’agira de proposer une réflexion sur l’utilisation du témoignage dans le cadre des pratiques et d’en évaluer la portée si bien sur le plan artistique qu’historien.

25 janvier 2019

Silvia Naef, Professeure ordinaire, Université de Genève, département d’arabe

‘Dire’ la guerre à travers les arts visuels dans le monde arabe

Le monde arabe a été fortement marqué, dans les dernières décennies, par l’expérience de la guerre. Chez les artistes contemporains, cet état des choses est bien présent, ainsi qu’il l’est dans le cinéma ou la littérature. Moins connue est la manière dont les artistes modernes, dont l’approche a souvent été critiquée comme relevant du « décoratif », ont donné une forme visuelle aux conflits et dans quel cadre ces œuvres ont été montrées – ou non – dans des pays à régime autoritaire.

1er février 2019

Fanny Gillet, Alain Messaoudi et Perin Yavuz, commissaires de l’exposition TYPOGRAPHIae ARABICae en présence de Marco Maione, designer graphique

La typographie arabe, l’ouverture d’un champ de recherche

A l’occasion de l’itinérance de l’exposition TYPOGRAPHIae ARABICae qui a lieu au Caire du 21 janvier au 5 février, nous reviendrons sur sa genèse et les questionnements qu’elle suscite pour la recherche visuelle sur le monde arabe. En revenant sur une histoire du graphisme typographique, il s’agira alors de comprendre les enjeux esthétiques, sociaux et politiques qui entourent l’étude et l’usage de l’écriture arabe imprimée.

15 février 2019

Programme modifié : en prévision de la séance des étudiants, une permanence destinée à discuter de leur projet de recherche.
Contact : arvimm.groupe@gmail.com.

1er mars 2019

La séance des étudiants est reportée au 15 mars.

15 mars 2019 (15h-19h) – Séance des étudiants

Zouina Aït Slimani, Doctorante en Esthétique, histoire et théories des arts, ENS / Université de Genève, Unité d’arabe.
La revue Al Fikr al hadith (1945 – 1947) en Irak : un espace alternatif pour le discours sur l’art
En 1945, l’artiste Jamil Hamoudi (1921 – 2003) publie Al Fikr al hadith (La pensée moderne), consacrée à l’art et à la littérature (1945 – 1947). Cette revue s’impose rapidement comme un lieu d’échanges dans lequel s’expriment peintres, écrivains et poètes qui devineront par la suite les symboles de la peinture et de la littérature moderne en Irak. L’objet de cette étude est de démontrer dans quelle mesure la revue Al Fikr al hadith a permis à un groupe d’intellectuels, composé à la fois d’artistes, de poètes et d’écrivains irakiens de structurer leur pensée, à travers l’introduction de nouveaux courants d’avant-garde. Notre présentation va s’articuler principalement autour des articles de cette revue qui sont consacrés à l’art. Ils constituent une archive représentative d’une période importante pour l’histoire de l’art irakien, notamment en ce qui concerne la question de la critique. En effet, cette revue est le point de départ d’un discours sur l’art en Irak, qui a vu le jour dans un contexte de bouillonnement artistique et intellectuel où l’art irakien était encore en pleine construction. Au-delà de sa valeur historique, cette revue a une dimension transnationale, dans la mesure où elle réunit des auteurs à la fois irakiens et étrangers.
Eudes Guénois, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, mention philosophie, Sorbonne- Université
Approche d’Oleg Grabar de l’ornement dans l’art islamique
L’ordre d’exposition suivra trois parties majeures de l’ouvrage d’Oleg Grabar, L‘Ornement. Formes et fonctions dans l’art islamique. Celles-ci consisteront à opérer, dans la première partie, une approche contextuelle de l’œuvre par la connaissance de l’auteur, et la situation universitaire dans laquelle s’inscrit ce livre. Dans un deuxième temps, nous proposerons une synthèse du livre en relevant les principaux nœuds de réflexions qui le jalonnent. Ceci nous permettra d’ouvrir une réflexion sur l’ornement dans l’Art, et sa place dans l’art islamique.
Laura Mcintyre, M2 Histoire de l’art, Paris-Sorbonne IV
Monir Shahroudy Farmanfarmaian : de la géométrie abstraite à la géométrie sacrée
Dans les années 1960, l’Iran était au centre d’une culture florissante célébrant les traditions perses et iraniennes dans le cadre de la politique de modernisation menée par Mohammad Reza Shah Pahlavi. Ce contexte culturel en Iran a permis à Monir Shahroudy Farmanfarmaian d’articuler ce qui allait devenir une vision artistique évoluée. Née dans l’ancienne ville perse de Qazvin en 1924, Monir a commencé son travail avec les miroirs au début des années 1970. Ses œuvres s’appuient sur les coordonnées spatiales de la géométrie et des techniques artisanales de l’art et de l’architecture islamique. On examinera cette idée d’appropriation créative de la tradition dans l’approche de l’abstraction géométrique de Monir, qui constitue le pilier de son art depuis plus de 40 ans.
Thibault Poisson, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, Sorbonne- Université
Analyse de la scène artistique contemporaine kurde
Mathilde Desanges, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, Sorbonne- Université
La femme arabe vue par Lalla Essaydi. Entre contestation et réappropriation du concept d’ «orientalisme »
Ma présentation portera sur le travail de l’artiste marocaine contemporaine Lalla Essaydi. Utilisant
essentiellement la photographie et la calligraphie arabe, son travail est axé autour de la représentation du corps de la femme et notamment la complexité de la vision occidentale sur l’identité des femmes des pays arabes. L’objet de mon exposé est de comprendre à travers son travail dans quelle mesure il est possible de repenser les mythologies orientalistes en résistant aux stéréotypes, de se demander comment l’artiste parle d’elle-même à travers ses oeuvres et de savoir si elle conteste ou au contraire réutilise le concept d’orientalisme.
Emmanuelle Giraudeau, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, Sorbonne- Université
Hashem El Madani : portrait d’un photographe.
Figure emblématique de la photographie libanaise du XXe siècle, Hashem El Madani a laissé derrière lui une quantité gargantuesque de portraits d’habitants de Saïda, sa ville natale. Son oeuvre devient alors un reflet de la société sud-libanaise au XXe siècle et permet de faire l’histoire de Saïda en suivant son évolution socio-politique. Il s’agit de faire le lien entre art et histoire tout en se penchant sur ce qui a fait d’Hashem El Madani un photographe symbolique.
Alexandre Pulicino, M1 histoire, Mondes arabes et musulmans, Sorbonne- Université
Le Musée copte du Caire
Il s’agira d’étudier le Musée copte du Caire, inauguré en 1910, en se demandant dans quelle mesure il manifeste un intérêt renouvelé pour l’art copte. Nous nous intéresserons au cadre de musée ainsi qu’aux collections qu’il renferme, avant de l’observer comme un signe de l’intérêt porté pour l’art copte et comme un lieu de patrimonialisation.
Soibaha Moussa, M1 Mondes arabes et musulmans, mention géographie et aménagement, Sorbonne- Université
L’architecture contemporaine, un outil du marketing territorial dans la mondialisation, étude de cas avec l’émirat d’Abou Dhabi
Hôtels, gratte ciel, musées, mosquées…le secteur du bâtiment et de la construction est en plein essor aux Emirats et notamment à Abou Dhabi. La multiplication d’édifices novateurs constitue une véritable vitrine de l’Emirat d’Abou Dhabi. L’architecture contemporaine symbolise l’ouverture culturelle et économique dans une région insecure. Elle contribue à la diversification de l’économie en accueillant aussi bien des voyageurs en quête d’un paradis terrestre que les entreprises du secteur tertiaire.

5 avril 2019

Programme modifié

Alain Messaoudi, MCF Université de Nantes

La figure marginale d’un artiste converti à l’islam : Jossot (1866-1951) et le monde de l’art à Tunis (1911-1951)

Jossot (1866-1951) a connu le succès à Paris entre 1894 et 1904 comme affichiste et caricaturiste. Particulièrement connu pour les planches qu’il a composées pour L’Assiette au beurre. Il reste  une référence importante pour de nombreux caricaturistes actuels. Après avoir décidé de rompre avec la caricature pour se consacrer à la peinture, il s’est installé en 1910 à Tunis, qu’il connaissait déjà par des voyages. En 1913, l’annonce de sa conversion à l’islam y fait événement. En me fondant sur les travaux de Henri Viltard – dont on a un aperçu à travers le site qu’il a consacré à l’artiste (http://gustave.jossot.free.fr/index.html) -, j’essaierai de déterminer sa place dans le monde de l’art local, depuis ses débuts fracassants jusqu’à son humble retraite dans le village de Sidi Bou Saïd.

19 avril 2019

Silvia Naef, Professeure ordinaire, Université de Genève, département d’arabe

Entre écriture et abstraction – les débuts parisiens de la hurûfiyya

C’est à partir du manifeste du groupe « Une seule dimension » (1971), qui conférait des assises théoriques à la hurufiyya, que cette tendance a connu un véritable succès dans l’ensemble du monde arabe, jusqu’à devenir le seul mouvement artistique panarabe. Cependant, les premières expérimentations autour des lettres arabes ont lieu  – à Washington – et surtout à Paris dès les années 1950, dans un contexte déjà fortement marqué par la contestation de la modernité telle qu’elle s’était construite à partir du début du 20ème siècle, ainsi que par la remise en question, chez Georges Mathieu notamment, des fondamentaux de l’art occidental issu de la Renaissance. Ici, on se posera la question des éventuelles interactions de ce contexte parisien avec les prémisses de la hurufiyya.

Vacances scolaires

17 mai 2019

Kirsten Scheid, associate professor of anthropology in the Department of Sociology, Anthropology, and Media Studies at American University of Beirut

Self-Civilizing Missions – Deciphering the Sudden Obligation to Learn Art in 1930s Lebanon

Histories of art lessons have focused on colonial intentions to civilize and ignored the phantasmic experiences they afforded. Focusing on student experiences in 1930s Mandate Lebanon, I argue that working out ideas about art amounted to working out ideas about gender and civic bonds. I explore the material challenge of art that culminated in French authorities refusing requests to establish a national art academy.

24 mai 2019

Attention : la séance a lieu dans la salle des étudiants de l’IISMM.

Kirsten Scheid, associate professor of anthropology in the Department of Sociology, Anthropology, and Media Studies at American University of Beirut

Looking Over Our Shoulders: On the Practical Uses of Art to Condemn Anticipated Audiences 

Preparations for the exhibition “The Arab Nude: The Artist as Awakener” (Beirut, 2016) encountered numerous expectations of scandal. Yet no scandal happened; no objections ever materialized. Not only do Nudes have a long history of production in the Arab world, but they have an equally long history of producing social suspicion and cultural condemnation. I take this case of curating to reflect on how production of the Nude genre contributes inadvertently to reifying notions of tradition and modernity and ethnic identity politics.

7 juin 2019

Perin Emel Yavuz, CNRS/Institut des Migrations

Les pionnières de l’art contemporain en Turquie sont-elles plus internationalisées que leurs homologues masculins ?

Le tournant de l’art contemporain en Turquie s’effectue dans le cours des années 1970-80 sous l’action d’artistes dans le sillage de l’école des Beaux arts d’Istanbul. Passés, pour certains d’entre eux, par des formations à l’étranger, ils introduisent dans les enseignements un corpus de textes sur l’art d’auteurs américains et européens qu’ils traduisent eux-mêmes et intègrent progressivement de nouvelles pratiques plastiques, notamment par le biais d’expositions et de publications. Ces pionniers issus de trois générations s’illustrent par une mixité de genre que ne dément pas le développement de l’art contemporain en Turquie, où les femmes artistes tiennent une place importante sur le devant de la scène non seulement locale mais aussi internationale. Cette présentation s’intéresse à l’insertion des femmes pionnières de l’art contemporain en prenant pour hypothèse que leur degré de reconnaissance dans les réseaux artistiques internationaux dépasse, pour certaines, celle des hommes artistes. Cette hypothèse s’appuie sur le constat de la présence d’un groupe de cinq de ces femmes artistes dans les grandes biennales et collections muséales internationales. Une étude quantitative de trois générations d’artistes, hommes et femmes confondus, sera menée pour mesurer leur degré de reconnaissance en prenant pour critères la formation, les expositions et les acquisitions dans les grandes collections. Cette étude s’achèvera par une présentation des parcours et de l’œuvre de certaines de ces artistes.

21 juin 2019

Séance annulée