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Séance 8 — Du goût et de la diplomatie : collectionner les artistes turcs de l’École de Paris — 11 mars 2022

11 mars 2022 [séance en hybride, initialement prévue le 4 mars]

Du goût et de la diplomatie : collectionner les artistes turcs de l’École de Paris
Dr Demir Önger, collectionneur, cardiologue et fondateur du Centre culturel Anatolie, Paris
Venu à Paris pour étudier la médecine en 1961, Demir Fitrat Önger, aujourd’hui cardiologue réputé, s’insère rapidement au sein de la diaspora turque et de la vie culturelle qui l’anime. C’est ainsi qu’il fréquente les artistes turcs de l’École de Paris (Selim, Mübin Orhion, Hakki Anli…) dans le quartier de Montparnasse. Tissant des relations amicales avec certains d’entre eux, il se met progressivement à collectionner leurs œuvres. Homme de culture, le Dr. Önger inscrit aussi son rôle de collectionneur dans une démarche plus large de diplomatie culturelle dont la création du Centre culturel Anatolie en 1984 est représentative.

Infos pratiques (English text below)

Pour permettre au plus grand nombre de suivre le séminaire, celui-ci se déroulera cette année en mode hybride.

  • Horaires : 15:00-17:00
  • Lieu : Salle B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris (jauge : 12 places)
  • Visioconférence : Zoom

Attention : En raison de la situation sanitaire, vous ne pourrez pas accéder à ce séminaire sans avoir préalablement déposé une demande via le lien suivant : https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=276.

Merci de déposer la demande au plus tard 72 heures avant la première séance. Une seule demande suffit pour l’année et elle peut être effectuée à n’importe quel moment de l’année.

Avant chaque séance, nous enverrons un message de confirmation pour ceux qui seront en présentiel et le lien vers la salle de visioconférence pour ceux qui seront en distanciel.

Pour toute information, contactez-nous à l’adresse suivante : arvimm.groupe(at)gmail.com

Practical info

The seminar will be held in hybrid mode to allow as many people as possible to attend.

Schedule: 3 to 5pm
Location: Room B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris (capacity: 12 seats)
Videoconference: Zoom

Please note: Due to the health situation, you will not be able to attend this seminar without first submitting a request via the following link: https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=276.

Please submit the application no later than 72 hours before the first session. The application is valid for the whole year and it can be made at any time.

Before each session, we will send a confirmation message to those who will be onsite, and the link to the videoconference room for those who will be online.

For more information, please contact us at the following address: arvimm.groupe(at)gmail.com

“L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”

Bassam Kahwagi, Sans titre, acrylique sur toile, 110 x 485 cm, 2021. Avec l'aimable autorisation de la Saleh Barakat Gallery
Bassam Kahwagi, Sans titre, acrylique sur toile, 110 x 485 cm, 2021. Avec l’aimable autorisation de la Saleh Barakat Gallery (Beyrouth).

Le séminaire “Histoires de l’art au Maghreb et au Moyen-Orient XIXe-XXe siècle” consacre sa deuxième année au thème “L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”.

Responsables / Organizers

Joan Grandjean, Alain Messaoudi, Silvia Naef, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Infos pratiques (English text below)

Pour permettre au plus grand nombre de suivre le séminaire, celui-ci se déroulera cette année en mode hybride.

  • Périodicité : 1er et 3e vendredi du mois, du 19 novembre 2021 au 17 juin 2022
  • Horaires : 15:00-17:00
  • Lieu : Salle B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris (jauge : 12 places)
  • Visioconférence : Zoom

Attention : En raison de la situation sanitaire, vous ne pourrez pas accéder à ce séminaire sans avoir préalablement déposé une demande via le lien suivant : https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=276.

Merci de déposer la demande au plus tard 72 heures avant la première séance. Une seule demande suffit pour l’année et elle peut être effectuée à n’importe quel moment de l’année.

Avant chaque séance, nous enverrons un message de confirmation pour ceux qui seront en présentiel et le lien vers la salle de visioconférence pour ceux qui seront en distanciel.

Pour toute information, contactez-nous à l’adresse suivante : arvimm.groupe(at)gmail.com

Practical info

The seminar will be held in hybrid mode to allow as many people as possible to attend.

Frequency: 1st and 3rd Friday of the month, from November 19, 2021 to June 17, 2022
Schedule: 3 to 5pm
Location: Room B03_18, 54 bd Raspail 75006 Paris (capacity: 12 seats)
Videoconference: Zoom

Please note: Due to the health situation, you will not be able to attend this seminar without first submitting a request via the following link: https://participations.ehess.fr/demandes/__nouvelle__?seminaire=276.

Please submit the application no later than 72 hours before the first session. The application is valid for the whole year and it can be made at any time.

Before each session, we will send a confirmation message to those who will be onsite, and the link to the videoconference room for those who will be online.

For more information, please contact us at the following address: arvimm.groupe(at)gmail.com

Présentation / Abstract

(English below)

L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Paris continue à attirer des artistes originaires du Maghreb et du Moyen-Orient. Or, s’y développe un art abstrait qui, par certains aspects, peut faire écho à des traditions vivantes qui leur sont familières, notamment autour du Salon des Réalités Nouvelles, créé en 1946. L’historiographie générale de l’abstraction gestuelle/lyrique et de l’art informel réserve peu de place à ces artistes et à ces traditions, par comparaison aux arts d’Extrême-Orient, auxquels on fait souvent référence lorsqu’on analyse les œuvres de Georges Mathieu, de Hans Hartung ou de Jean Degottex. C’est le plus souvent à l’échelle de leur « aire culturelle » d’origine, arabe, turque ou iranienne, que les œuvres de ces artistes, dont certains ont été formés à la calligraphie, ont été étudiées, qu’il s’agisse de la Hurufiyya (« lettrisme », en arabe), de la production de l’école turque de Paris ou de l’œuvre de l’Iranien Charles Hossein Zenderoudi.

Pour l’année 2021-2022, le séminaire poursuit les travaux engagés l’année précédente sur la base d’un terrain de recherche important dont il reste encore beaucoup à découvrir. Nous poursuivrons notre enquête sur le contexte artistique et la scène parisienne de l’art abstrait dans la période d’après-guerre, les sources permettant de retracer la présence des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans cette scène et la redécouverte de ces artistes qui, eux aussi, ont fait l’art abstrait.

Abstraction, the Parisian environment and artists from the MENA region

After World War II, Paris continued to  attract artists from the MENA region. The form of abstraction that was developing then in Paris, particularly in the artistic networks gravitating around the Salon des Réalités Nouvelles, created in 1946, could, for certain aspects, echo living traditions that were familiar to them. The general historiography of gestural/lyrical abstraction and Art informel is rather silent about these artists and traditions. When analyzing the works of Georges Mathieu, Hans Hartung or Jean Degottex, it rather refers to East Asian arts. The works of these artists from the MENA region — some of whom were trained in calligraphy — are most often studied in terms of the “cultural area”  they originated from, be it Hurufiyya (“letterism” in Arabic), the production of the Turkish school in Paris, or the work of the Iranian Charles Hossein Zenderoudi. 

In 2021-2022, the seminar will continue the work initiated in the previous year, exploring more deeply an important research field still largely uninvestigated. We will carry on with our study of the artistic context and the Parisian abstract art scene in the post-WWII period, of the sources allowing us to trace the presence of artists from the MENA region, and the rediscovery of these artists who were essential contributors to abstract art.

Programme

Vendredi 19 novembre 2021 [hybride]

Séance introductive par l’équipe ARVIMM

Vendredi 3 décembre 2021 [séance à l’INHA]

Journée d’étude internationale “Cosmopolite ? Art, colonialisme et nationalismes à Paris”, sous la responsabilité scientifique de David Castañer et de Maureen Murphy, INHA, Galerie Colbert, salle Vasari

Le concept d’« école de Paris » a largement contribué à placer la capitale au centre d’une constellation moderne, reléguant le reste du monde aux marges. Si l’apport des artistes européens est largement connu, celui des artistes issus des Suds (Asie, Afrique, Amériques) l’est beaucoup moins. Cette journée d’étude vise à étudier la présence de ces acteurs à l’époque coloniale et postcoloniale, en questionnant les lieux de leurs pratiques (ateliers, expositions), de leurs rencontres (revues, cafés, congrès) et de leur création (les œuvres). Nous interrogerons les raisons de l’attractivité de la capitale, ainsi que les contraintes auxquelles étaient soumis les artistes issus des mondes colonisés ; nous questionnerons aussi les relations entre « modernismes cosmopolites » et nationalismes pour analyser l’effet retour de ce déplacement sur la pratique des artistes dans leurs pays d’origine.

Voir le programme ici.

Passes sanitaires obligatoire.

17 décembre 2021 [séance à l’IMA]

Visite de l’exposition “Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui” à l’Institut du monde arabe

Avec l’exposition “Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui”, l’IMA célèbre la prodigieuse créativité des artistes modernes et contemporains du Liban et de ses diasporas, du lendemain de son indépendance en 1943 jusqu’à nos jours. À découvrir, des œuvres de Shafic Abboud, Etel Adnan, Saliba Douaihy, Paul Guiragossian, Hussein Madi, Assadour, Chaouki Choukini, Ayman Baalbaki, Zad Moultaka, Serwan Baran, Hala Matta, Hiba Kalache, Zena Assi ou encore Tagreed Darghouth. À cette occasion, l’IMA inaugure un tout nouvel espace d’exposition et de formation : « L’Espace des donateurs ».

Plus d’informations sur le site de l’IMA. 

7 janvier 2022 [séance en distanciel uniquement]

Séance des étudiant.e.s

Retour sur la journée d’étude “Cosmopolite ? Art, colonialisme et nationalismes à Paris”, du 3 décembre, et de la visite de l’exposition “Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui” à l’Institut du monde arabe,  le 17 décembre.

21 janvier 2022 [séance à l’IMA]

Shafic Abboud, Itinéraire d’un conteur d’images [séance annulée]
Claude Lemand, collectionneur, galeriste et donateur au musée de l’Institut du monde arabe

4 février 2022 [séance en visioconférence]

Entre le culturel et l’esthétique, la toile (abstraite, hurufie) de Shaker Hassan al Said
Charbel Dagher, professeur à l’Université de Balamand, Liban

Cette intervention se propose d’étudier, dans le cadre de ce séminaire, l’œuvre aussi bien artistique que théorique du peintre Shaker Hassan al Said (1925-2004), durant les années soixante, après ses études et son séjour à Paris. Ce peintre irakien est le pionnier d’un courant artistique appelé ‘hurufi’, dont l’influence s’est fait ressentir en dehors de l’Irak, dans bien d’autres pays arabes. Cette expérience, encore riche et prégnante aujourd’hui, suscite un débat entre deux cultures, et entre deux choix artistiques, qui font de l’art un produit aussi bien culturel qu’esthétique.

Charbel Dagher est une figure importante de la scène culturelle arabe, principalement dans les domaines de la poésie, de la langue arabe et des arts arabes et islamiques. Poète, conteur, écrivain en arabe et en français, et professeur à l’Université de Balamand à Koura (Nord-Liban) depuis 1994, il a publié de nombreux ouvrages sur la poésie et la scène artistique arabes, tout en étant conférencier et professeur invité dans de nombreuses universités à travers le monde. Il est également membre du comité éditorial de nombreuses revues scientifiques telles que LiCaRC (France), Recherches (AUB, Beyrouth), Esthétiques (Algérie) entre autres, et a été président de jury de biennales internationales en étant consultant pour l’art islamique et arabe moderne.

Site internet de Charbel Dagher : https://www.charbeldagher.com/cd/

18 février 2022 [séance en visioconférence]

Le voyage à Paris, l’art abstrait et la scène artistique tunisienne
Alia Nakhli, enseignante et chercheure en histoire de l’art à l’École Supérieure des Sciences et Technologies du Design, Université de la Manouba, Tunisie

La peinture abstraite a eu des adeptes, en Tunisie, depuis les années 1940, quoique de façon timide, ce n’est que durant les années 1950 et 1960, que les artistes abstraits arrivent à s’imposer sur la scène artistique tunisienne. Le système des bourses de voyage, mis en place, depuis l’entre-deux-guerres, a encouragé les jeunes artistes, qu’ils soient autodidactes, ou ressortissants de l’École des Beaux-Arts de Tunis, à poursuivre leur formation artistique, à Paris, à l’École des Beaux-Arts, à l’École des Arts Décoratifs, ou dans les Académies d’art. Ces artistes prennent part aux manifestations parisiennes, fréquentent, entre autres, les cercles des artistes maghrébins et organisent des expositions de groupe, destinées à voyager entre les deux rives de la Méditerranée. Ils participent ainsi, à la diffusion de l’art abstrait, en Tunisie.

Alia Nakhli, historienne de l’art, enseigne à l’École supérieure des sciences et technologies du design (ESSTED), Université de la Manouba (Tunis). Boursière d’excellence de l’État tunisien, en 2000, elle a poursuivi des études en histoire de l’art à l’Université de Strasbourg (DEA sous la direction de Christine Peltre) et à l’Université Paris Nanterre (doctorat sous la direction de Thierry Dufrêne, 2013). Ses recherches portent sur l’histoire des arts visuels, en Tunisie, aux XIXe et XXe siècle. Elle s’est également intéressée à l’histoire de l’art dans le monde arabe, au XXe siècle, à travers l’Union générale des artistes plasticiens arabes.

11 mars 2022 [séance en hybride, initialement prévue le 4 mars]

Du goût et de la diplomatie : collectionner les artistes turcs de l’École de Paris
Dr Demir Önger, collectionneur, cardiologue et fondateur du Centre culturel Anatolie, Paris
Venu à Paris pour étudier la médecine en 1961, Demir Fitrat Önger, aujourd’hui cardiologue réputé, s’insère rapidement au sein de la diaspora turque et de la vie culturelle qui l’anime. C’est ainsi qu’il fréquente les artistes turcs de l’École de Paris (Selim, Mübin Orhion, Hakki Anli…) dans le quartier de Montparnasse. Tissant des relations amicales avec certains d’entre eux, il se met progressivement à collectionner leurs œuvres. Homme de culture, le Dr. Önger inscrit aussi son rôle de collectionneur dans une démarche plus large de diplomatie culturelle dont la création du Centre culturel Anatolie en 1984 est représentative.

18 mars 2022 [séance en hybride]

Houroufiyyah et calligraphie arabe contemporaine: discussion autour de l’œuvre de Samir Sayegh
Saleh Barakat, expert en art, conservateur et galeriste, Agial Art Gallery et Saleh Barakat Gallery, Liban

Commençant par une présentation illustrée du mouvement “Houroufiyyah” comme genre d’abstraction d’inspiration arabe depuis 1949 jusqu’à aujourd’hui, Saleh Barakat évoquera les balbutiements, l’âge d’or, le premier et le second déclin du mouvement, sans omettre l’importance des principautés arabes du Golfe Persique dans sa redéfinition. Ensuite, il s’attardera sur le travail de Samir Sayegh (1945- ), artiste peintre tirant son inspiration de l’écriture arabe, critique d’art, historien, poète, écrivain et chercheur, qui a séjourné à Paris à de multiples reprises. En évoquant les prémisses, et la démarche avant de finir par des lectures choisies des écrits de Sayegh, Saleh Barakat présentera le caractère avant-gardiste de l’œuvre de l’artiste libanais et de l’impact qu’il a eu tant dans une approche artistique, faisant de lui un des pionniers de la modernité arabe, que dans la création de polices de caractères par le biais de recherches sur la calligraphie traditionnelle et de son intérêt pour le design contemporain.

8 avril 2022 [séance en visioconférence]

Au-delà de l’Arabesque. Les femmes artistes du Moyen-Orient aux États-Unis et les autres histoires de l’expressionnisme abstrait
Nadia Radwan, professeure adjointe en histoire mondiale de l’art, Institut d’histoire de l’art, Center for Global Studies, Université de Berne (Suisse)

Au-delà du passage obligé par Paris, de nombreuses artistes du Moyen-Orient ont émigré aux États-Unis entre les années 1950 et 1970. Etel Adnan (1925-2021), Saloua Raouda Choucair (1916-2017), Samia Halaby (née en 1936) et Madiha Omar (1908 – 2005), ont toutes quitté leur pays d’origine – le Liban, la Syrie ou la Palestine –, pour étudier et/ou travailler dans des institutions américaines dominées alors par des figures de l’expressionnisme abstrait et du Color field movement. Cette intervention entend mettre en lumière l’importance de ces trajectoires individuelles outre-Atlantique sur les pratiques de l’abstraction de ces artistes en abordant les questions suivantes : quel est le lien entre l’art américain et la réactivation de l’ornement et, en particulier de l’arabesque, par les artistes de la diaspora du Moyen-Orient ? Quelle est la contribution de ces artistes à l’histoire de l’expressionnisme abstrait ?

Nadia Radwan est historienne de l’art, professeure assistante d’histoire de l’art mondial à l’Université de Berne (Institut d’histoire de l’art/Center for Global Studies). Elle a été chercheuse et enseigné à l’Université américaine du Caire, à l’Université américaine de Dubaï et à l’Université de Zurich. Ses recherches portent sur l’art et l’architecture du Moyen-Orient (XIXe et XXe siècles), les modernismes extra-occidentaux, les féminismes arabes, l’orientalisme, l’émotion et le musée global. Sa thèse de doctorat, Les Modernes d’Égypte (Peter Lang) a été publiée en 2017 et elle travaille actuellement à sa thèse d’habilitation sur les politiques de l’abstraction au Moyen-Orient. Radwan a contribué à plusieurs projets curatoriaux et catalogues d’exposition (Mathaf : Arab Museum of Modern Art, Sharjah Art Museum, The Metropolitan Museum of Art). Elle est la co-fondatrice de Manazir : Swiss Platform for the Study of Visual Arts, Architecture and Heritage in the Middle East et la co-rédactrice en chef de Manazir Journal.

https://bern.academia.edu/NadiaRadwan

20 mai 2022 [séance en hybride]

Les archives Hamed Abdalla, Au cœur d’un exil parisien, archiver les utopies arabes
Morad Montazami, Zâman Books & Curating, et Samir Abdalla, cinéaste et Archives Hamed Abdalla

L’artiste, penseur et pédagogue égyptien Hamed Abdalla (1917-1985) a connu Paris dans toutes ses dimensions, aussi bien la période des années 1950 à la manière d’un ambassadeur artistique de son pays, qu’à partir des années 1960 lorsque par la force des choses on devient artiste “en exil” voire “immigré”… Nous pourrons observer ces lignes de fracture au coeur même des archives produites et collectées par l’artiste durant sa période de vie en France qui reflètent aussi bien l’histoire des expositions et manifestations artistiques panarabes, qu’une certaine généalogie intellectuelle cosmopolite dans laquelle Paris tient une place paradoxale.

Morad Montazami est historien de l’art, éditeur et commissaire d’exposition. Il dirige la plateforme Zamân Books & Curating qui se consacre à l’étude des modernités arabes, africaines et asiatiques. On lui doit notamment les expositionsBagdad Mon Amour, Institut des cultures d’Islam, Paris, 2018 ; New Waves: Mohamed Melehi and the Casablanca Art School Archives, The Mosaic Rooms, London/MACCAL, Marrakech/Alserkal, Dubai, 2019-2020.

Samir Abdalla est un réalisateur engagé. Parmi les films documentaires réalisés seul ou en collaboration : La Ballade des sans-papiers (1997), Le Siège (2002), Gaza-strophe, Palestine (2009), Les quartiers ne lâchent rien (2019), Au Caire de la Rêvolution (2011). Depuis 1991, avec l’association L’Yeux ouverts qu’il a fondée, il organise des ateliers de cinéma dans les quartiers défavorisés, et anime un réseau international de projections publiques ainsi qu’un site internet baptisés Cinémétèque.

27 mai 2022 [séance annulée]

3 juin 2022 [séance en hybride]

Aléas retours. Les nouveaux enjeux de l’abstraction au Maroc dans les années 60 et 70
Fatima-Zahra Lakrissa et Maud Houssais, chercheures et curatrices indépendantes

Durant les années cinquante et soixante, les peintres marocains Jilali Gharbaoui et Ahmed Cherkaoui posent les premiers gestes essentiels accomplis dans le domaine de l’art moderne au Maroc. Un de ces gestes est le dialogue engagé avec l’École de Paris, qui marque le passage emblématique de la peinture marocaine vers l’abstraction. Leur propre résistance à consacrer une rupture définitive avec le terreau artistique marocain complexifie cependant leur appartenance ou affiliation au mouvement. Ils incarnent de ce fait une période de transition dans l’histoire de l’art au Maroc, où il s’agit pour les artistes de penser simultanément leur possible inscription au projet d’un art international, tout en pensant la position d’altérité qui leur y est assignée.

Cette quête est poursuivie de manière quasi simultanée à partir du Maroc par certains artistes de retour après une formation artistique, théorique et professionnelle dans des capitales artistiques européennes autres que Paris, telles que Rome, Milan, Prague, Varsovie et Madrid. Les années soixante et soixante-dix voient l’ambition espérantiste de l’art abstrait rejoindre des enjeux d’émancipation sociale au moment où diverses formes d’art (littérature, poésie et cinéma associés) forment le socle d’une approche émancipatrice de l’art visant à renouveler l’expérience d’une communauté du sensible. L’abstraction se présente alors comme un langage artistique pleinement acteur de la mutation sociale souhaitée. Elle se verra intégrer l’espace public sous la forme d’un art monumental qui renoue avec le projet de la synthèse des arts, tout en rendant possible une articulation entre la tradition esthétique occidentale et sa négation apparente : l’art traditionnel et populaire au Maroc.

Cette communication s’intéresse à l’émergence de certaines formes, pratiques et concepts qui ont encadré et nourri cette quête, entre expérimentation, théorie et pédagogie de l’art (en dehors de toute discipline universitaire), ainsi qu’à la fonction de l’abstraction, intégrée d’une manière pragmatique aux forces transformatrices de la société, dans un projet de synthèse des arts pensé depuis le Maroc et soutenu par de nouvelles circulations artistiques initiées par des artistes tels que Farid Belkahia, Mohamed Melehi et Mohammed Chabâa.

24 juin 2022, 16h [attention date modifiée]

Visite de l’exposition Silsila, le voyage des regards (ICI, Paris)

Rendez-vous à 15h45 devant l’entrée de l’ICI Stephenson, 56, rue Stephenson, 75018 Paris

“L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient”, thème du séminaire 2020-2021

Selim Turan, Sans titre (mise en situation d’une peinture abstraite dans une illustration de salon), gouache sur impression offset, non daté. Coll. privée.

Responsables / Organizers

Alain Messaoudi, Silvia Naef, Claudia Polledri, Perin Emel Yavuz

Horaires et lieu / Schedule and location

En raison des mesures sanitaires prises par le gouvernement, le séminaire se déroule en visioconférence, les 1er et 3e vendredi du mois, de 15h à 17h, à partir du 20 novembre 2020.

ATTENTION : les inscriptions s’effectuent via l’application Listsem, mise à disposition par l’EHESS. Veuillez vous rendre à la page suivante : http://listsem.ehess.fr/courses/1011/requests/new
Merci
de déposer votre demande 72h avant le début de la première séance.
Nous vous enverrons ensuite le lien vers la salle de visioconférence pour y participer à distance.

Pour toute information, contactez-nous à l’adresse suivante : arvimm.groupe(at)gmail.com

Due to the health measures taken by the government, the seminar will take place by videoconference, on the 1st and 3rd Friday of the month, from 15:00 to 17:00, from November 20, 2020.

To register, use the Listsem application provided by EHESS. Please go to the following page (http://listsem.ehess.fr/courses/1011/requests/new) to submit your application 72 hours before the start of the session. One registration is all you need for the whole year.

For more information, please contact us at the following address: arvimm.groupe(at)gmail.com

Présentation / Abstract

(English below)

L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Paris continue à  attirer des artistes originaires du Maghreb et du Moyen-Orient. Or, s’y développe un art abstrait qui, par certains aspects, peut faire écho à des traditions vivantes qui leur sont familières, notamment autour du Salon des Réalités Nouvelles, créé en 1946. L’historiographie générale de l’abstraction gestuelle/lyrique et de l’art informel réserve peu de place à ces artistes et à ces traditions, par comparaison aux arts d’Extrême-Orient, auxquels on fait souvent référence lorsqu’on analyse les œuvres de Georges Mathieu, de Hans Hartung ou de Jean Degottex. C’est le plus souvent à l’échelle de leur « aire culturelle » d’origine, arabe, turque ou iranienne, que les œuvres de ces artistes, dont certains ont été formés à la calligraphie, ont été étudiées, qu’il s’agisse de la Hurufiyya (« lettrisme », en arabe), de la production de l’école turque de Paris ou de l’œuvre de l’Iranien Charles Hossein Zenderoudi. À travers cet objet de recherche, nous poursuivrons donc notre réflexion sur la place des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans la production artistique européenne au XXe siècle et à l’heure actuelle, ainsi que dans l’historiographie.

Abstraction, the Parisian environment and artists from the MENA region

After World War II, Paris continued to  attract artists from the MENA region. The form of abstraction that was developing then in Paris, particularly in the artistic networks gravitating around the Salon des Réalités Nouvelles, created in 1946, could, for certain aspects, echo living traditions that were familiar to them.. The general historiography of gestural/lyrical abstraction and Art informel is rather silent about these artists and traditions. When analysing the works of Georges Mathieu, Hans Hartung or Jean Degottex, it rather refers to East Asian arts. The works of these artists from the MENA region, some of whom were trained in calligraphy, are more often studied in terms of their original Arab, Turkish or Iranian « cultural area »,  . Historiography thus links them to the Hurufiyya (« Letterism », in Arabic), to the production of the Turkish school in Paris, or to singular works such as those of the Iranian Charles Hossein Zenderoudi, but takes little interest in their relations with the Parisian art scene. Through this research topic, we will continue our reflection on the place of artists from the MENA region in European artistic production since the 20th century, as well as in historiography.

Programme

Vendredi 20 novembre 2020

Séance introductive

Vendredi 4 décembre 2020

Occident/Moyen-Orient : Historiographies comparées de l’art abstrait
Silvia Naef, Professeure ordinaire, Unité d’Arabe, Université de Genève, et Perin Emel Yavuz, Ingénieure de recherche, Institut Convergences Migrations/CNRS

L’objectif du séminaire étant de croiser et de faire dialoguer les histoires de l’art abstrait en Occident et au Moyen-Orient, cette séance sera consacrée à un état des lieux de chacune d’elles afin de poser quelques jalons historiques et d’identifier des points de rencontre.

Vendredi 18 décembre 2020

Fahrelnissa Zeid and the post-war Nouvelle École de Paris: Negotiating a Universalist Modernist Practice with Parochial Cosmopolitanism (intervention probablement en français)
Adila Laïdi-Hanieh, Director General of the Palestinian Museum

Turkish-Jordanian modernist Fahrelnissa Zeid (1901-1991) was the first Middle Eastern artist to conduct a career recognized at home (Turkey) as well as in post War art centres, decades ahead of globalized contemporary artists. Even as her progress was beset by gender and class bias as well as by orientalist framings, her drive and prolific and innovative production helped her break barriers. She affirmed herself on the 1940s male dominated Turkish art scene, she then became the first Middle Eastern artist to exhibit alone in a commercial New York Gallery in 1950 after her first solo Paris exhibition in 1949. She was the first woman of any origin to exhibit solo at the London ICA in 1954.
My intervention focuses on her 1947-1957 Paris period, even though Fahrelnissa Zeid continued living and exhibiting on and off in Paris until 1968. That year she made Paris her full time home, until she left definitely in 1975.  I will review her successful integration in the Paris art scene, and her complex reception by critics and gatekeepers that ranged from recognizing her paintings’ radical properties to emphasizing her foreign origins.

Adila Laïdi-Hanieh, Ph.D. published in 2017 the artist biography Fahrelnissa Zeid. Painter of Inner Worlds (London: Art/Books) based on exclusive access to her private papers and personal archive. It provides a revisionist and definitive account of both her life and the constant reinvention that characterized her artistic practice. It foregrounds the importance of her extensive knowledge of European culture and her shifting health state on her artistic vision, and challenges orientalist interpretations of her art. In doing so, it redefines Fahrelnissa Zeid for the contemporary reader as one of the most important modernists of the twentieth century. Dr. Laïdi-Hanieh is a former student of Fahrelnissa Zeid. She received a Post-doctoral fellowship from the Arab Council for the Social Sciences in 2017, and received her Ph.D. in Cultural Studies from George Mason University in 2015, obtained as a Fulbright scholar. Since 2018 she is the Director General of the Palestinian Museum.

Sitographie :

Vendredi 15 janvier 2021

Séance restreinte aux étudiants qui valident le séminaire. Elle portera sur le catalogue de l’exposition Taking Shape. Abstraction from the Arab World, 1950s-1980s (New York, Grey Art Gallery, 14 janv.-13 mars 2020; commissaires: Lynn Gumpert, Suheyla Takesh).

Vendredi 29 janvier 2021

L’art abstrait gestuel dans les galeries et les salons parisiens. Quelles sources pour identifier la présence des artistes moyen-orientaux ?
Avec Julie Verlaine, Maîtresse de conférences en histoire contemporaine, Membre junior de l’Institut universitaire de France, Université de Paris I Panthéon-Sorbonne, Centre d’Histoire Sociale des mondes contemporains
et Domitille d’Orgeval, Art Moderne PIASA, docteure en histoire de l’art et auteur de la thèseLe Salon des Réalités Nouvelles : les années décisives : de ses origines (1939) à son avènement (1946-1948)”

Parcourir les biographies des artistes moyen-orientaux à Paris, et notamment leurs listes d’expositions pendant la période de l’après-guerre, est un moyen efficace pour mesurer leur insertion et leur activité dans les réseaux artistiques de l’époque. Par ce biais, il est possible d’observer leurs relations avec les instances de consécration que sont les salons et les galeries dédiés à l’art abstrait, témoignant d’une participation active à la scène artistique et d’une reconnaissance des mondes de l’art. Ce travail, qui vaut pour les artistes dont l’œuvre et le parcours sont documentés, ouvre un champ peu exploré par la recherche au carrefour de l’histoire de l’art de l’abstraction d’après-guerre et de l’histoire sociale et culturelle des circulations artistiques entre la France et le Moyen-Orient. L’enjeu n’est pas anodin pour l’écriture de l’histoire de l’art : il s’agit de subvertir un récit dominant écrit pour et par les dominants et de réhabiliter la production des artistes moyen-orientaux qui ont participé, eux aussi, à l’aventure de l’abstrait.

Pour cette séance placée sous le signe de la transmission, nous avons souhaité inviter deux spécialistes des mondes de l’art d’après-guerre à Paris pour partager leurs connaissances sur les galeries, pour l’une, et le Salon des Réalités nouvelles, pour l’autre. Sous la forme d’un atelier de recherche, l’objectif est de nous aider à comprendre le contexte de l’époque, à ouvrir des pistes de recherche et à cerner des approches méthodologiques pour redonner visibilité aux artistes du Moyen-Orient.

Vendredi 5 février 2021

Participation et réception critique des artistes turcs à l’École de Paris
Clotilde Scordia, historienne de l’art et commissaire d’exposition

Dès la fin du XIXe siècle, des peintres Turcs viennent à Paris étudier dans les académies. Ne restant souvent que quelques mois, ils repartent ensuite en Turquie mais sont les précurseurs d’une génération d’artistes qui s’installent en France de façon pérenne après la Seconde Guerre mondiale. Nous verrons dans cette contribution le parcours de ces peintres et sculpteurs, leur réception critique et leur participation aux manifestations artistiques (salons, expositions, biennales…) de la Seconde ou Nouvelle École de Paris. Venus se confronter aux « nouvelles tendances », nous parlerons notamment des peintres abstraits Nejad, Selim, Mübin, Bitran mais aussi des sculpteurs İlhan Koman, Kuzgun Acar ou encore Semiramis Zorlu qui s’affranchissent à Paris de la représentation figurée et du carcan académique.

Diplômée de Paris-Sorbonne en histoire de l’art, Clotilde Scordia a consacré ses sujets de Master aux peintres Turcs de la Seconde École de Paris et au peintre Néjad (1923-1995). Elle travaille sur les catalogues raisonnés et fonds d’atelier d’artistes (Néjad, Albert Bitran). Pendant douze ans, elle a également travaillé sur le catalogue raisonné d’André Lhote (1885-1962). Ses recherches portent principalement sur la période de l’après-guerre, les avant-gardes des pays extra-européens et la création en période de conflit. Son livre Les Peintres Turcs de l’École de Paris paraîtra en mars 2021 (éditions Déclinaison, préfacé par Annie Cohen-Solal). Actuellement, elle est commissaire de l’exposition « Robert Doisneau, portraits d’artistes et vues de Lyon » au musée Jean-Couty à Lyon (jusqu’au 11 avril 2021).

Vendredi 19 février 2021

L’art abstrait international au prisme des catalogues d’expositions.
Béatrice Joyeux-Prunel, Professeure ordinaire à l’université de Genève, Chaire des humanités numériques

À l’occasion de la parution de son livre Naissance de l’art contemporain 1945-1970. Une histoire mondiale (Paris, Editions du CNRS, 2021), et dans le cadre du thème du séminaire sur « L’art abstrait, Paris et les artistes du Maghreb et Moyen-Orient »,  Béatrice Joyeux-Prunel se propose de montrer comment par le biais des catalogues d’expositions nous pouvons appréhender la place des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans l’internationalisation artistique. Elle présentera en particulier comment s’utilise BasArt, une base mondiale et collaborative de catalogues d’expositions publiée en ligne par le groupe Artl@s (https://artlas.huma-num.fr). Il s’agira aussi d’évaluer dans quelle mesure peuvent être appréhendés les enjeux de carrière et de création des artistes en question, entre le local et l’international, le politique et l’esthétique.

Béatrice Joyeux-Prunel est spécialiste de l’internationalisation artistique et culturelle. Elle a fondé en 2009 le projet Artl@s (https://artlas.huma-num.fr), et publié trois livres de référence sur l’internationalisation artistique : Les avant-gardes artistiques. Une histoire transnationale. Vol. 1 1848-1918 (Paris, Gallimard, Folio Histoire 2016). Vol.2 1918-1945 (Paris, Gallimard, Folio Histoire 2017) ; et Naissance de l’art contemporain 1945-1970. Une histoire mondiale (Paris, CNRS Editions, 2021).

Vendredi 26 février 2021

Le Coran, Paris, l’UNESCO et l’artiste iranien Charles-Hossein Zenderoudi
Alice Bombardier, CERMOM (INALCO)

En 1972 à Paris, une version française du Coran est illustrée par l’artiste iranien Charles-Hossein Zenderoudi. Commande de l’UNESCO, cette édition luxueuse du texte sacré –pourtant en première ligne des interdits islamiques de figuration – reçoit la même année le prix international du « plus beau livre ». L’exploration que fait Charles-Hossein Zenderoudi des codes de l’art sacré en les adaptant à la postmodernité artistique est particulièrement novatrice dans le contexte de l’art islamique. Je présenterai les diverses facettes de ce Coran exceptionnel à la lumière des différentes phases de la carrière artistique de Charles-Hossein Zenderoudi, menée entre l’Iran et la France.

Le Coran, 2 vols, tr. Jean Grosjean, intro. Jacques Berque, illus. Charles-Hossein Zenderoudi, imprimé en 3 624 exemplaires par les Presses Firmin-Didot et Saint Augustin à Bruges, dir. Philippe Lebaud, Jacques Cornulier, Jean-François Fouquereau, Adrien Frutiger and Bruno Pfaffi (Paris, 1972). Publié avec un facsimile du manuscrit de Ibn al-Bawwāb’s et un commentaire de D.S. Rice.

Alice Bombardier, « A Contemporary Illustrated Qur’an: Zenderoudi’s Illustrations of Grosjean’s Translation (1972) », in Alessandro Cancian (ed.), Approaches to the Qur’an in Contemporary Iran, Oxford University Press (Oxford, 2019). https://www.academia.edu/39960815/A_Contemporary_Illustrated_Quran_Zenderoudis_Illustrations_of_Grosjeans_Translation_1972_

Alice Bombardier est une spécialiste de la peinture iranienne moderne et contemporaine. Elle est actuellement chercheuse au CERMOM à Paris (INALCO). En 2012, elle a obtenu son doctorat sur la peinture iranienne et les peintres à l’Université de Genève et à l’EHESS. Parmi ses dernières publications figurent Les pionniers de la Nouvelle peinture en Iran. Œuvres méconnues, activités novatrices et scandales au tournant des années 1940 (Peter Lang, Berne, 2017) ainsi que des articles sur la peinture iranienne au XXe siècle.

Vendredi 5 mars 2021

Méthodologies et sources en histoire de l’art au Moyen-Orient et au Maghreb
Table ronde dans le cadre du séminaire des étudiant.e.s de l’ARVIMM (Zouina Ait-Slimani, Mathilde Ayoub, Tamara Choukair, Hayat Jmammou et Mona Zaibet)

 À quelles problématiques de la recherche en histoire de l’art sommes-nous aujourd’hui confronté.e.s dans nos travaux ? Comment étudier, traduire et écrire une histoire de l’art commune et selon quels prismes historiographiques ? Quelles positions et méthodologies adopter dans un processus de recherche réflexif ? 

Lors de cette table ronde, nous aborderons plusieurs questionnements communs, notamment ceux de la place institutionnelle que l’histoire de l’art occupe actuellement dans les régions que nous étudions. Nous aborderons ainsi les questions de légitimité d’une histoire de l’art qui s’est principalement écrite d’un point de vu occidentalocentré et les problématiques terminologiques. À cette occasion, la place des sources arabes et de leur traduction dans les écrits scientifiques sera examinée et débattue. Nous discuterons aussi des pratiques curatoriales et des écritures qui en découlent à l’occasion des expositions ou de leurs catalogues ou à travers des écrits d’artistes. Les enjeux que les nouvelles formes de discours et de diffusion comme les réseaux sociaux dans la fabrication de ces récits et plus généralement de l’histoire de l’art mondialisée.

Consulter le programme détaillé en suivant ce lien.

Vendredi 19 mars 2021

La calligraphie en caractères arabes, idiome de la civilisation islamique.
Eloïse Brac de la Perrière, Professeure des universités,
Sorbonne Université

« Langage de la main, idiome de l’esprit », c’est ainsi que le savant baghdadi Ibrāhīm al-Shaybānī (m. 911) décrit l’art de la calligraphie en pleine période médiévale. Avec l’expansion de l’islam, la calligraphie devient très rapidement le principal médium artistique partagé par les communautés musulmanes à travers le monde. Art fondateur donc, il se manifeste dans toutes les langues transcrites en écriture arabe, concerne tous les genres de textes et figure sur tous types de supports. Son étude a souffert des clivages entre différents champs disciplinaires (épigraphie, paléographie, numismatique, codicologie…) et son message formel, visuel, souvent mal compris, a été réduit à ses manifestations les plus classiques. C’est pourtant un phénomène artistique complexe, multidimensionnel et, finalement, extraordinairement vivant.

Éloïse Brac de la Perrière est professeure d’histoire de l’art et archéologie du monde islamique à Sorbonne Université. Spécialiste de l’Inde islamique et du monde persanophone, ses recherches portent sur l’histoire des pratiques artistiques à travers l’étude des manuscrits, de l’iconographie et de la calligraphie. Entre 2012 et 2017, elle a codirigé le projet Kalila wa Dimna (BnF) qui a donné lieu à une exposition à l’Institut du Monde arabe, ainsi qu’à un volume collectif (sous presse). Depuis, Éloïse Brac de la Perrière est coresponsable de l’inventaire scientifique des collections d’art islamique du musée des Beaux-Arts de Lyon, dont le catalogue raisonné est en préparation, et elle dirige le projet CallFront, Calligraphie aux frontières du Monde islamique.

Vendredi 2 avril 2021

Pour une étude de la présence des artistes du monde arabe à l’Ecole des beaux-arts : quelques repères
Alice Thomine-Berrada, Conservateur du patrimoine au Musée d’Orsay

Discutante : Kirsten Scheid, Professeure associée, American University in Beirut

Après un état des lieux bibliographique et archivistique, il s’agira d’abord de présenter le fonctionnement de l’Ècole des beaux-arts dans la période d’après-guerre, puis de redessiner la place des artistes du monde arabe au sein des artistes étrangers fréquentant l’Ècole au XXe siècle. Enfin, à partir de quelques exemples (Amor Ben Mahmoud, Mohamed Abou-Kalam ou encore Abraham Hadad), un questionnement s’ouvrira sur l’importance de leur passage à l’Ècole dans leur parcours professionnel.

 

Archiviste paléographe, conservateur du patrimoine, docteur de l’École pratique des hautes études, Alice Thomine-Berrada est historienne de l’architecture du XIXe et du début du XXe siècle. Elle est depuis 2008 conservateur au musée d’Orsay où elle s’occupe de la collection de dessins d’architecture.

Kirsten Scheid est professeure associée d’anthropologie au département de sociologie, d’anthropologie et d’études des médias de l’université américaine de Beyrouth. Ses recherches et son enseignement portent sur l’anthropologie de l’art, l’esthétique, l’historiographie et la théorie de l’art, la modernisation et le cosmopolitisme, l’affect et les élites.

Vendredi 16 avril 2020

Étude critique et cheminements autour d’une brèche panarabe dans l’École de Paris

Le cas particulier du “dialogue” franco-marocain entre la Biennale de Paris (1961) et l’exposition “Rencontre internationale”, Musée des Oudayas de Rabat (1963-1964)

Morad Montazami, Zamân Books & Curating

Concernant le rôle des artistes arabes au sein du mouvement et des réseaux célèbres de l’École de Paris, la question de la marginalité est à prendre au sérieux. C’est-à-dire de nous demander comment on habite les marges, comment on échappe aux marges ou comment on peut survivre aux marges. Ce faisant, différents modes de rencontre semblent prévaloir, que ce soit « en marge » des ateliers de l’Ecole des Beaux-arts de Paris dans les années 1950, dans le programme des galeries ou dans les catalogues d’exposition parisiens. Pour la poignée de noms comme Ahmed Cherkaoui, Jilali Gharbaoui, Mohammed Khadda ou Shafic Abboud, à la renommée relative, combien d’artistes arabes demeurent inconnus et peuvent être indexés « en marge » ? Faut-il en déduire un effet de riposte contre un mouvement occidental attrape-tout – englobant entre autres l’ « art informel », l’ « abstraction lyrique », le « tachisme », l’ « art brut » ? Peut-on vraiment dire que cette riposte se déroule de l’intérieur ? Les expériences subjectives incarnées par ces noms peuvent-elles se rejoindre, se résoudre dans un mouvement dialectique et transculturel ? Quels sont les contre-récits visuels opposés par les conceptions et les perceptions panarabes aux têtes de file de l’Ecole de Paris?

Morad Montazami est historien de l’art, éditeur et commissaire d’exposition. Il est rédacteur en chef de la revue Zamân(Textes, images et documents) et directeur de la plateforme Zamân Books & Curating qui développe les études et les expositions sur les modernités arabes, africaines et asiatiques. Il est l’auteur de nombreux articles sur des artistes tels que Jeremy Deller, Francis Alÿs, Zineb Sedira, Éric Baudelaire, Walid Raad, Latif al-Ani, Mohamed Melehi, Faouzi Laatiris…

Vendredi 21 mai 2021

Des histoires décoloniales de l’abstraction. Archives croisées entre Paris et le Moyen-Orient
Nadia Radwan, Assistant Professor in World Art History, University of Bern

Cette contribution s’inscrit dans une réflexion sur la manière d’inclure des histoires de l’abstraction longtemps considérées comme en marge des canons de l’histoire de l’art. Elle se propose d’aborder les questions d’absence, d’exclusion et de traduction qui jalonnent l’étude des artistes abstraits de la région MENA. Mettant en avant l’importance des archives souvent transnationales et plurilingues, il s’agit de questionner des œuvres et des documents marqués par les antagonismes et les différences qui viennent complexifier un récit homogène de l’abstraction. En outre, en mettant en avant les trajectoires multiples entre Paris et le Moyen-Orient, cette contribution entend décentrer les récits européens et moyen-orientaux sur l’art abstrait de façon à mettre en évidence des œuvres qui sont le fruit d’histoires croisées souvent dissimulées au profit de discours identitaires ou d’altérité.

Shafic Abboud : Archives d’un peintre, archives d’un père, une expérience à la croisée des mémoires et des documents
Christine Abboud

Hériter du fonds d’un artiste est une étrange aventure, qui redessine les contours de votre propre histoire. Mais au-delà, comment gérer et organiser des œuvres et surtout des documents, alors que l’on est n’est ni historien de l’art ni archiviste…? Je tenterai d’expliquer comment je me suis appropriée ce matériau à la fois mort et vivant, quelles sont les questions qui se posent lorsque l’on a la volonté de ne pas « trahir », de ne pas fausser la lecture que d’autres pourraient faire de l’archive et surtout de batailler contre un « portrait officiel » qui se met si vite en place et qui brouille la recherche.

Vendredi 4 juin 2021

Jamil Hamoudi et Paris (1947-1962) : l’expérience de l’abstraction au prisme d’une histoire croisée entre Paris et Bagdad
Zouina Ait Slimani, doctorante à l’École normale supérieure (IHMC) /Université de Genève (Unité d’arabe).

De tous les artistes irakiens de passage à Paris, Jamil Hamoudi (1924-2003) semble apparaître comme étant l’une des figures les plus connues pour son implication au sein des cercles artistiques et intellectuels parisiens. Peintre, sculpteur et critique d’art, il est à l’origine de la publication de al-Fikr al-ḥadīth (1945-1947), première revue culturelle d’avant-garde en Irak consacrée à l’art et à la littérature. Après des études de peinture et de sculpture à l’Institut des beaux-arts de Bagdad (1945), Jamil Hamoudi obtient une bourse et se rend à Paris en 1947, où il intègre un cycle d’étude en peinture à l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, période durant laquelle il poursuit également des cours de dessin à l’Académie Julian, ainsi que des cours d’histoire de l’art à l’École du Louvre. En 1949, il est élu membre du Salon des Réalités Nouvelles, figurant dans plusieurs expositions de ce groupe entre 1949 à 1953. En 1950, il organise sa première exposition individuelle à la galerie Voyelles à Paris. Durant cette première période parisienne, Jamil Hamoudi édite sa seconde revue en langue française, Ishtar (1958-1962), dont le sous-titre est évocateur : « Ishtar, Orient-Occident. Pour une compréhension meilleure entre l’Orient et l’Occident ».

À travers l’étude de la trajectoire individuelle de Jamil Hamoudi, et en prenant appui à la fois sur l’analyse de ses œuvres, des archives et des textes de cette période, cette contribution vise dans un premier temps à appréhender la réception de l’œuvre de cet artiste dans la scène artistique parisienne et en Irak, dans le but de réfléchir dans un second temps, à la restitution d’un récit sur l’histoire de l’abstraction qui prend en considération les connexions, les croisements et les transferts artistiques de cette période, inscrivant ainsi, l’histoire de cette abstraction dans une perspective extra-européenne et mondiale.

Après l’obtention d’un Master 1 avec un mémoire sur l’artiste irakien Dia al-Azzawi, et d’un Master 2 sur l’étude des pratiques artistiques dans les trois pays du Maghreb (Algérie, Maroc, Tunisie) des années 1950 aux années 1970, à l’université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne, Zouina Ait Slimani travaille à présent sur une thèse en Esthétique, histoire et théories des arts à l’École normale supérieure de Paris en cotutelle avec l’Université de Genève. Ses recherches portent sur l’histoire de l’écriture sur l’art en Irak des années 1930 aux années 1980.

Vendredi 18 juin 2021

Séance de synthèse

En prévision de la dernière séance de l’année, le 18 juin 2021 prochain, nous invitons les participants et les auditeurs à un échange de synthèse et de réflexion pour préparer le séminaire 2021-22, qui se poursuivra sur le thème de cette année.

Entre modernité et tunisianité, Hatem Elmekki commissaire de l’exposition La Peinture tunisienne contemporaine (Le Caire, 1969)

Dorra Mahjoubi, historienne de l’art

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Where are Turkish Artists and Turkey at the International Istanbul Biennial ? Local Positions under the Radar of Global Art

Riccardo Legena, Art Historian

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