En 2021-2022, le séminaire a poursuivi les travaux engagés l’année précédente sur la base d’un terrain de recherche important dont il reste encore beaucoup à découvrir. En accueillant chercheuses et chercheurs, commissaires, galeristes, collectionneurs et artistes au fil des séances, nous avons poursuivi notre enquête sur le contexte artistique et la scène parisienne de l’art abstrait dans la période d’après-guerre, les sources permettant de retracer la présence des artistes du Maghreb et du Moyen-Orient dans cette scène et la redécouverte de ces artistes qui, eux aussi, ont fait l’art abstrait.

Dans une perspective méthodologique et comparatiste, les participant-es et l’équipe du séminaire ont été accueilli-es lors de la journée d’étude Cosmopolite ? Art, colonialisme et nationalismes à Paris, organisé par David Castaner et Maureen Murphy (HICSA, Paris 1-Panthéon Sorbonne). En effet, cette journée d’étude reprenait, sur le plan du Sud global, certaines des questions que notre séminaire se pose concernant l’Afrique du Nord et le Moyen-Orient. Les contributions ont porté entre autres sur la participation latino-américaine au Salons, sur l’œuvre de l’artiste brésilien Vincente de Rego Monteiro, sur la négociation des artistes africains à Paris entre modernisme, africanité et négritude ou sur l’importance de Paris comme lieu d’émancipation des artistes indiens.

Le séminaire a mis l’accent sur la parole de témoins. Nous sommes ainsi allés à la rencontre du collectionneur Claude Lemand au cœur de l’exposition Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui à l’Institut du monde arabe, dont il a été commissaire. Cette exposition qui présentait notamment les artistes modernes du Liban et de ses diasporas, au lendemain de son indépendance en 1943, a été l’occasion de questionner le collectionneur sur son parcours, sa relation aux artistes et la logique qui l’a conduit à rassembler une collection d’exception. Le collectionneur Dr. Demir Önger, médecin turc installé à Paris au début des années 1960, a retracé le contexte qui a lui permis de connaître les artistes turcs de l’École turque de Paris, parfois de façon intime comme Selim, Hakkı Anlı et Mühbin Orhon, et de les collectionner. Il a notamment éclairé le degré d’insertion de ces artistes dans les circuits artistiques, précisant que ces artistes n’étaient pas à Paris pour promouvoir leur carrière en Turquie mais qu’ils s’adressaient aux collectionneurs et au marché en France.

Un temps a été consacré à la hurufiyya. Charbel Dagher (U. de Balamand, Liban), auteur d’un ouvrage publié en arabe en 1990 sur la hurufiyya (Arabic Hurufiyya, Skira 2016), a rapidement décrit les principales étapes de la hurufiyya. Ensuite, il a distingué la hurufiyya de l’abstraction au motif que la première est un choix esthétique et culturel, là où la deuxième est un choix artistique. Il affirme également qu’il y avait, dans la hurufiyya, un amalgame entre la pratique européenne de l’abstraction et le rapport des artistes arabes à leur propre culture. Selon lui, lorsqu’on lit une phrase en arabe, on n’est plus dans l’abstrait, mais dans du figuratif. Une attitude finalement plutôt critique par rapport à une tendance artistique qu’il a lui-même contribué à faire connaître. Une attitude partagée par le galeriste Saleh Barakat pour qui le mouvement est globalement peu convaincant. Dans l’idée d’une réinterprétation de l’art islamique et de la création d’une abstraction arabe, il a proposé la pratique de l’artiste libanais Samir al-Sayegh qui revient à l’esprit — plutôt qu’à la forme — de l’art islamique. Selon sa propre définition, l’artiste fait de la calligraphie moderne et l’assume, tout en créant une œuvre qui formellement est très éloignée des règles de la calligraphie historique.

Le séminaire s’est aussi intéressé aux artistes, à leur parcours et à leur œuvre. À partir de l’expérience de voyage à Paris entre les années 1950 et 1960 d’artistes tunisiens (Néjib Belkhoja, Edgard Naccache, Mahmoud Sehili), Alia Nakhli (ESSTED, U. de la Manouba, Tunis) a mis en valeur leur contribution aux manifestations parisiennes (salons et biennales) où, toutefois, le domaine du Maghreb a souffert d’un effet d’occultation. Dans ce contexte, elle a souligné l’importance du travail mené par Pierre Gaudibert (critique et commissaire des musées) et Jean-Jacques Lévêque (critique et galeriste) qui ont su identifier et soutenir le courant maghrébin à l’intérieur de l’École de Paris. Dans un dialogue avec Samir Abdallah (cinéaste et dépositaire des Archives Hamed Abdallah), Morad Montazami (éditeur et curator) a retracé l’itinéraire intellectuel et artistique du peintre Hamed Abdallah, figure clé du modernisme en Égypte, qui a eu une carrière internationale avant de tomber dans un certain oubli à la fin des années 1960. Ce dialogue s’est appuyé sur la présentation de l’ouvrage Arabécédaire (2018), qui produit un travail remarquable de visualisation et spatialisation des archives du peintre. Les curatrices Fatima-Zahra Lakrissa et Maud Houssais ont livré un exposé sur le retour des artistes marocains après un contact rapproché avec la scène artistique européenne pour étudier les processus d’appropriation et de dissémination des expérimentations abstraites. De retour au Maroc, des artistes tels que Farid Belkahia, Mohamed Melehi et Mohammed Chabâa, investissent l’abstraction d’un projet politique de transformation de la société marocaine par des expérimentations formelles, notamment dans l’espace public, et une production théorique soutenue. En explorant les trajectoires outre-Atlantique de nombreuses artistes du Moyen-Orient, entre les années 1950 et 1970, Nadia Radwan (U. de Berne, Suisse) a élargi le champ d’investigation du séminaire avec l’analyse du lien entre l’art américain et le thème classique de l’ornement. Elle a ainsi permis de mettre en valeur la contribution de ces artistes à l’histoire de l’expressionnisme abstrait.

Le séminaire s’est terminé sur la visite de l’exposition Silsila, le voyage des regards en compagnie de Stéphanie Chazalon, directrice générale de l’Institut des cultures d’islam, dont l’objectif est de donner à voir la création contemporaine d’artistes de la région basés à Paris. L’occasion de poursuivre notre réflexion sur l’insertion de ces artistes dans la scène artistique parisienne.

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