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Appel à candidature : Ateliers doctoraux des Arts Visuels au Maghreb et au Moyen-Orient — XIXe-XXIe siècle (2ème session), “Moderne” et “contemporain” : usages et enjeux historiographiques comparés, Paris, 12-14/02/2018 — LIMITE : 30/11/2017

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Histoires de l’art dans le monde musulman (Maghreb et Moyen-Orient), XIXe-XXIe siècle – 3ème Année

Image à la une : Mustapha SEDJAL, « Être et temps », Projet La Question…!, Vidéo 2mn, 2017, Exposition L’art Algérien entre deux rives / Maison des Arts, Antony.

IISMM, salle de réunion, 1er étage, 96 bd Raspail 75006 Paris, 15h à 17h

Pour poursuivre notre enquête sur l’élaboration et l’écriture des histoires de l’art dans et sur le Maghreb et le Moyen-Orient, nous approfondirons les trois axes déjà dégagés en 2015-2016.

Il s’agit dans un premier temps de rendre compte des histoires de l’art produites nationalement, et d’en identifier les acteurs et les usages. Nous tenterons de mettre en lumière les dynamiques régionales à l’œuvre et leur inscription dans des processus politiques tels que les mouvements d’indépendance, le panarabisme ou la mondialisation. Un deuxième axe abordera le contexte actuel de réévaluation des modernités extra-occidentales auquel prennent part de nombreuses institutions muséales à l’aune d’outils théoriques tels que l’histoire globale et les études postcoloniales et culturelles, non sans écueils (formes d’assignations, détermination occidentale des conventions esthétiques sous couvert d’universalisme). Cet axe appellera à des comparaisons internationales. Un troisième axe abordera la dimension patrimoniale de la production des histoires de l’art, à travers la question de la conservation des œuvres et des archives, de leur accessibilité dans un moment historique traversé par les conflits, où les productions artistiques sont au cœur du débat public sans constituer pour autant une priorité politique.

Le premier semestre sera consacré à des présentations de chercheurs, puis quatre artistes seront invités afin de nous présenter la manière dont l’histoire et sa production intervient dans leur pratique. Nous abordons ainsi un axe déterminant de la recherche sur les arts visuels devant créer un espace de dialogue entre chercheurs et artistes dans un souci de co-production de l’histoire de l’art.

Calendrier

17/11/17

Perin Emel Yavuz, Docteure en Arts : histoire et théorie de l’EHESS
1978-2015: les artistes turcs face à l’histoire de l’art

L’avènement de l’art contemporain en Turquie au cours des années 1970 ne pouvait s’effectuer sans un travail de fond de réflexion sur l’art et l’histoire de l’art. Ce travail fut lancé à l’époque par un groupe d’artistes désireux d’introduire l’art conceptuel sur la scène artistique turque: le STT. Rapidement pris en charge par certains acteurs des instances de consécration du monde de l’art, l’art contemporain s’est institué par la volonté politique de faire d’Istanbul un centre artistique international, comme en témoigne la création de la Biennale d’Istanbul en 1987. Face aux questionnements suscité par l’accession de la scène artistique turque à un rang mondial, des artistes ont déplacé leurs préoccupations pour interroger leur position au sein d’une histoire de l’art mondialisée. En prenant pour objet d’étude les productions éditoriales de certains d’entre eux, cette communication entend mettre en lumière les enjeux que revêt pour eux la prise en charge de l’écriture de l’histoire de l’art.

Perin Emel Yavuz est docteure en histoire et théorie de l’art de l’EHESS et membre fondateur de l’ARVIMM. Spécialiste du tournant de l’art (1960-1980) et de la narrativité en art, il a effectué une thèse sur le Narrative art, un courant artistique américain et européen des années 1970 qui contribue à réintroduire la narrativité dans les pratiques artistiques. À partir de ce travail qui concerne l’aire occidentale, elle cherche maintenant à détecter dans les aires non occidentales l’apparition, à la même période,  de pratiques artistiques relevant de l’art conceptuel afin d’interroger les chronologies de l’art et le présupposé de l’avant-gardisme européen et américain. À cette fin, son travail actuel la conduit à étudier la période allant de la fin des années 1960 aux années 1980 en Turquie et en Europe centrale qui voit l’avènement du conceptualisme.

01/12/17

Amandine Dabat, ATER Master Asie Méridionale et Orientale, EHESS
Placer dans l’histoire de l’art un empereur vietnamien exilé, artiste en Algérie française : Le prince d’Annam (1871-1944)

Le prince d’Annam (1871-1944) a régné au Vietnam sous le nom de Hàm Nghi avant d’être exilé en Algérie en 1889 par les Français qui étendent leur protectorat sur l’Indochine. L’empereur déporté devient artiste, peintre et sculpteur. Il vit toute sa vie à Alger, et voyage environ trois mois par an en métropole. En Algérie et en France, il fréquente les milieux artistiques français. Il est formé à la peinture et au dessin par le peintre orientaliste Marius Reynaud, tandis qu’Auguste Rodin lui enseigne les principes fondamentaux de la sculpture. L’artiste et son œuvre sont aux croisements de plusieurs cultures. Les questions d’identité culturelle, d’orientalisme, d’appropriation et d’influence se posent. Cette communication présentera les réflexions sur cet artiste et son œuvre qui ont conduit ma thèse de doctorat, afin de positionner l’œuvre du prince d’Annam dans l’histoire de l’art.

Amandine Dabat, Docteur en Histoire de l’art de l’Université Paris-Sorbonne, titulaire d’un Master en Études vietnamiennes (Université Paris-Diderot), est enseignant-chercheur (ATER) à l’École des Hautes Études en Sciences Sociales et rattachée au Centre Asie du Sud-Est. Sa thèse de doctorat, pour laquelle elle est lauréate du Prix de la Fondation Flora Blanchon (Académie des Inscriptions et Belles-Lettres), a pour sujet la vie et l’oeuvre de l’empereur vietnamien Hàm Nghi (1871-1944), exilé en Algérie française où il est devenu artiste peintre et sculpteur. Ses recherches actuelles portent sur les résistances intellectuelles face aux pouvoirs, au Laos et au Vietnam, de l’époque coloniale à nos jours.

15/12/17

Attention : double séance, horaires spéciaux 14h-17h

L’artiste-historien : une figure en devenir

Dans cette présentation, les conférencières examinerons comment certains artistes, en Europe, aux États Unis et en Amérique Latine, interrogent une histoire de l’art dont ils révisent les récits et les des concepts fondateurs.

Laurence Corbel, Maître de conférences en esthétique et philosophie de l’art, Rennes 2
Une histoire de l’art revue, relue par les artistes (Laurence Corbel).

En Europe et en Amérique du Nord, l’intérêt de certains artistes pour l’histoire de l’art constitue un trait marquant des années 1960. Il s’agit d’abord pour eux de montrer les insuffisances d’une discipline encore très marquée par l’historicisme ainsi que le positivisme, et qui, de surcroît, se montre imperméable aux mutations les plus récentes de l’art. Cette histoire de l’art des artistes mérite d’être examinée autant pour les perspectives qu’elle ouvre sur le passé de l’art que pour l’originalité de l’éclairage qu’elle offre sur les œuvres. Elle invente aussi une histoire parallèle qui s’écrit, à la lumière d’une pratique artistique, en marge et à rebours de l’histoire de l’art des historiens. Si le projet de ces artistes en Europe et aux États-Unis s’est centré sur la critique de l’historiographie, on observe qu’à partir des années 1980, l’intérêt des artistes se déplace vers une histoire qui n’est plus limitée à l’histoire de l’art. Par cette histoire élargie, qui s’écrit souvent depuis ses marges, les artistes accordent une attention particulière aux histoires occultées à travers des démarches qui croisent les questionnements des nouvelles épistémologies historiques. On se propose d’analyser, à partir d’exemples, les enjeux et la portée de ces pratiques artistiques qui contribuent à la construction d’histoires plurielles.

Laurence Corbel est maître de conférences en esthétique et en philosophie de l’art à l’Université Rennes 2. Elle a notamment publié Le discours de l’art. Écrits d’artistes (1960-1980) aux Presses universitaires de Rennes (2013) et co-dirigé La Critique : art et pratique publié aux Presses universitaires du midi (2016). Ses travaux les plus récents portent sur les formes orales des discours d’artistes (conférences, performances et entretiens) et les transferts et interactions entre les disciplines artistiques (danse, littérature, arts plastiques) et les champs de la philosophie et des sciences humaines et sociales.

Carolina Ariza, Doctorante en Arts Plastiques, La Sorbonne Paris 1, et commissaire indépendante
Beatriz González: du démontage de l’iconographie universelle à la singularité provinciale.

Beatriz González (Bucaramanga, 1938) a travaillé depuis les années 1980 à mettre en évidence les codes culturels de la société colombienne. Jouant avec les références de l’histoire de l’art, elle les adapte de façon ironique à ce que l’artiste appelle « le syndrome du bonheur du sous-développement ». Son vocabulaire plastique se base sur la stridence chromatique et met en avant une certaine maladresse manuelle. Elle réalise des compositions qui se réfèrent à l’iconographie universelle de Degas, Manet, Velasquez, Braque ou Picasso, qu’elle intègre plus tard à des meubles récupérés dans les marchés aux puces de Bogotá. C’est grâce à ces meubles que l’œuvre de Beatriz González a été internationalement reconnue. Par la suite, González a commencé à représenter des personnalités politiques et des victimes de crimes passionnels en s’inspirant de photographies de mauvaise qualité diffusées dans la presse, dont l’image est aplatie par l’impression. Son travail présente la situation pathétique du pays, qui se nourrit de scénarios réels ou fictionnels parus dans les journaux. L’artiste veut créer « une narration du tiers monde » en insérant ses images dans un cadre « vulgaire » (les meubles), tout en les rendant identifiables. Elle se propose de déconstruire l’histoire de l’art européen, avec un mélange de fascination et de sarcasme, pour l’intégrer au contexte colombien. Cette apparente dégradation est en fait le moyen un peu ironique qu’elle a trouvé pour honorer l’histoire de l’art européen qui la fascine tant. À partir des œuvres réalisées par l’artiste dans les années 1980, nous évoquerons la façon dont l’artiste se réapproprie l’histoire de l’art européen, tout en se moquant librement de celle-ci.

Carolina Ariza termine actuellement un Doctorat à La Sorbonne Paris 1 intitulé « Images latentes : tentatives de reconstitution de la petite histoire ». Celui-ci porte sur la façon dont les artistes se sont emparés de l’écriture de l’histoire en Colombie, ainsi que dans d’autres contextes politiquement instables, en réinventant des méthodologies propres à l’art. Elle est notamment auteur de textes parus dans le catalogue de l’exposition America Latina Photographies 1960-2013 (Fondation Cartier, novembre 2013-avril 2014), ainsi que du texte « Geografías desechas: sobre el dislocamiento de los espacios y las cosas » (Géographies désuètes : sur la rupture des espaces et des choses) paru dans le catalogue de l’exposition Próximo Futuro (Fondation Gulbenkian, Lisbonne, juin 2014). Elle a été fondatrice et enseignante dans le programme de Master sur l’Amérique Latine à l’IESA Arts et Culture en 2016 ; responsable de la section Amérique Latine dans les Solo Projects de la Foire SWAB à Barcelone en 2014 et 2015 ainsi que chargée de recherche pour l’Amérique Latine au Centre Pompidou au sein du projet Recherche et Mondialisation dirigé par la conservatrice Catherine Grenier en 2011.

19/01/18

Attention : double séance, horaires spéciaux 14h-17h

Lucie Mourcia, Directrice, Institut du Monde Arabe – Tourcoing
L’Institut du Monde Arabe – Tourcoing. Enjeux et perspectives

Depuis 2007, l’IMA décentralise ses actions culturelles en région Hauts-de-France. Ces actions visent à promouvoir les cultures du monde arabe par une programmation pluridisciplinaire. Elles s’appuient sur un contexte culturel, associatif, économique déjà fortement lié au monde arabe à travers notamment les populations issues de l’immigration. Fruit de cette histoire riche, ds volontés des acteurs locaux, politiques et culturels, l’IMA-Tourcoing s’implante définitivement dans la région en novembre 2016 en inaugurant ses locaux dans une ancienne école de natation réhabilitée à cette occasion. Fort de sa particularité, l’IMA-Tourcoing s’autonomise et multiplie les projets ambitieux issus du territoire des Hauts-de-France et façonne son identité pluridisciplinaire et son empreinte locale.  

Eric Delpont, Directeur du Département du Musée, Institut du Monde Arabe
Le monde arabe dans le miroir de ses arts

La collection mise en place à l’IMA-Tourcoing invite à découvrir le monde arabe dans le prisme des arts. L’accrochage instaure un dialogue entre des œuvres modernes et contemporaines d’artistes dits « arabes », et des pièces issues de l’archéologie antique et islamique. L’ambition est de montrer une permanence de la vision et de sa matérialisation dans le monde arabe avec, en contrepoint, le regard de peintres français pionniers dans le voyage en Orient (Delacroix, Guillaumet), qui sont à l’origine d’une image que les Arabes se réapproprient et que les artistes critiquent et déconstruisent.

02/02/18

Jacinto Lageira, Professeur d’Arts plastiques et sciences de l’art, Paris 1 Sorbonne
L’histoire sans fin de la fin de l’Histoire
À travers les relations très problématiques entre la poétique de la fiction et la poétique de l’Histoire, et donc les différentes statuts des récits fictionnels et des récits historiques – lesquels s’entremêlent très souvent pour le meilleur comme pour le pire –, peut s’entrevoir régulièrement un horizon qui semble pouvoir y mettre un terme qui est le récit de la « fin de l’Histoire ». Comme tout horizon, il est sans cesse repoussé à mesure que l’on s’en approche, cela de Hegel à Francis Fukuyama en passant par différents auteurs, de sorte que nous sommes de nouveau confrontés à un processus où s’entrelace autant la fictionnalisation que l’historicisation. Autrement dit, la fin de l’Histoire est-elle une fiction de plus et parmi tant d’autres, ou bien est-elle l’aboutissement dernier et ultime de toute réalité ?

 

Jacinto Lageira, est professeur en esthétique et en philosophie de l’art à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, membre de l’Institut ACTE – UMR 8218, CNRS ; critique d’art. Parmi ses publications : La Déréalisation du monde. Fiction et réalité en conflit, éditions Jacqueline Chambon, 2010 ; Cristallisations (monographie Jean-Marc Bustamante), éditions Actes Sud, 2012 ; Regard oblique. Essais sur la perception, La Lettre volée, 2013 ; L’Art comme Histoire. Un entrelacement de poé­tiques, Mimésis, 2016.
16/02/18
Annabelle Boissier, Head of Research, Arts Cabinet
L’histoire de ceux qui fabriquent l’histoire. Qui sont les historiens de l’art de la région MENA.

Basée sur une série d’entretiens réalisés dans le cadre d’un programme lancé par Arts Cabinet (structure dédiée à la production et la diffusion de la connaissance sur les pratiques artistiques contemporaines), cette présentation questionne le parcours d’individus qui ont choisi de dédier leurs carrières professionnelles à l’étude et à la promotion des artistes du Moyen-Orient et de l’Afrique du Nord. Quelles sont les situations, opportunités, contraintes, empêchements qui les ont conduits à se spécialiser dans un champ de recherche encore en construction. Comment s’articulent leurs histoires personnelles et familiales à l’évolution des curriculums et priorités des institutions académiques et artistiques. Par ailleurs, cette présentation sera l’occasion d’interroger les conditions de production d’une recherche à la jonction du champ de l’art et du champ de la recherche. Quels sont les biais propres à un processus de recherche impliquant la réécriture et la publication des entretiens concomitamment à leur conduite.

Annabelle Boissier est socio-anthropologue (docteure de l’EHESS), Head of Research, Arts Cabinet, Londres. Sa recherche porte sur les mondes de l’art contemporain, les processus d’écriture en sciences sociales et les manières alternatives de création des connaissances. Elle a dernièrement publié L’intimité d’un conflit (l’Harmattan, 2016) et « L’art contemporain tunisien en révolution. Continuité et discontinuité des trajectoires face à l’événement », L’Année du Maghreb, 16 | 2017, 359-378.

16 /03/18

Alice Bombardier, ATER, INALCO
Djalil Ziapour, artiste pionnier de la Nouvelle peinture et premier théoricien-critique d’art en Iran

Né à Bandar Anzali dans le Nord de l’Iran (Guilan), Djalil Ziapour (1920-1999) est en 1945 le premier diplômé de la Faculté des Beaux-Arts de l’Université de Téhéran. Avec une poignée de camarades, il est considéré comme un pionnier de la Nouvelle peinture (naqqashi-e now), nouveau paradigme pictural développé dans le pays à partir des années 1940. Nous reviendrons sur l’Association du Coq Combattant (Andjoman-e Khorus-e Djangi) que Djalil Ziapour crée à Téhéran en 1949, où il tient sans relâche des conférences et orchestre la publication de revues dédiées aux « arts nouveaux » (honarha-ye djadid). C’est au sein de ce cercle qu’il écrit les premiers textes théoriques et critiques sur l’art iranien et occidental.

Agrégée de géographie, Alice Bombardier est l’auteure de l’ouvrage Les pionniers de la Nouvelle peinture en Iran. Œuvres méconnues, activités novatrices et scandales au tournant des années 1940 (Peter Lang, Berne, 2017). Ayant étudié le persan à l’INALCO et voyagé régulièrement en Iran, elle est titulaire d’un doctorat de sociologie à l’EHESS et de civilisation arabe-persane à l’Université de Genève.

06/04/18

Halim Karabibene, Artiste
Le MNAMC de Tunis (Musée National d’Art Moderne et Contemporain) et la Cocotte, une chronique.

Un Musée National d’Art Moderne et Contemporain aurait été inauguré le 24 Octobre 2069 à Tunis. Expositions et rétrospectives auraient été organisées depuis dans ce bâtiment en forme de cocotte-minute, pour sauvegarder et transmettre le patrimoine artistique tunisien. Mais cette histoire a commencé bien avant, en 2007 précisément. Halim Karabibene nous la racontera.

Né en 1962 à Bizerte (Tunisie), Halim Karabibene a été reconnu dans les années 1990 grâce à ses collages et ses peintures oniriques et sarcastiques. Tout au long de sa carrière, Karabibene a exploré formellement un univers alternatif, hybride et ludique « mis en scène » avec toute une gamme de personnages mythiques néo-pop. Depuis 2007, Karabibene poursuit une approche pluridisciplinaire dans laquelle il appelle les pouvoirs publics à inaugurer le premier Musée national d’art moderne et contemporain (MNAMC) de Tunis. Avec une cocotte-minute comme symbole et forme du futur musée, Karabibene utilise les réseaux sociaux, des événements et des expositions pour lancer ce musée fictif jusqu’à ce qu’il voie le jour. Karabibene a étudié l’architecture et a fréquenté l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris.

04/05/18

Ali Cherri, Artiste
Malaise des choses

Depuis quelques années, je m’intéresse au rôle que jouent les objets archéologiques dans la construction de récits historiques nationaux, en suivant l’objet du moment où on le déterre jusqu’à sa mise en vente sur le marché de l’art ou son exposition dans un musée. Que ça soit une Nécropole néolithique dans le désert de Sharjah, hantée par le gardien des lieux, ou bien les couloirs déserts du Musée du Louvre ou du Quai Branly, je m’intéresse à ce que ces objets nous révèlent de nous-mêmes, et surtout au processus par lequel des « choses » deviennent valeurs, fétiches, idoles et totems.

Ali Cherri appartient à cette génération d’artistes libanais nés pendant la Guerre Civile et dont la pratique a été fortement marquée par ce contexte d’instabilité. Après des études de Graphisme à l’Université Américaine de Beyrouth (AUB), il obtient une maîtrise d’arts du spectacle à DasArts, Amsterdam en 2005. Sa pratique, polymorphe, se nourrit aussi bien de la performance que du cinéma et de l’histoire de l’art. Ces multiples références transparaissent dès ses premières vidéos, où son propre corps fonctionne comme pivot d’une composition esthétique raffinée. Entre les années 2005 et 2014, il s’attache à décortiquer la situation géopolitique du Moyen-Orient par un langage visuel poétique. Ses projets récents se concentrent sur la place de l’objet archéologique dans la construction de récits historiques. Ce changement thématique est signe d’un glissement philosophique: Ali Cherri revendique toujours une intimité étroite entre poétique et politique, mais est désormais convaincu que la violence peut être étudiée sans être montrée.

18/05/18

Massinissa Selmani, Artiste
Intervention à confirmer

Né en 1980 à Alger, Algérie. Vit et travaille en France. L’art de Massinissa Selmani se base sur l’expérimentation des différentes techniques liées au dessin. Ses travaux se caractérisent par une extrême simplicité – présentant souvent des montages d’images et de dessins, ou de courtes animations dans lesquelles il mêle humour, ironie et parfois sentiment de révolte. Les images qui ressortent de ces manipulations révèlent alors les ambiguïtés des signes, poussant leurs juxtapositions jusqu’à l’absurdité. Les sujets que Massinissa choisit de traiter s’inspirent le plus souvent de l’actualité socio-politique qu’il compulse dans la presse. Aussi, les images sont le résultat d’un processus de sélection, de traitement et de recadrage inspiré des archives et des codes documentaires. Parfois, ils créent une mise en scène ou un récit qui ouvre différents champs d’expérimentation.

01/06/18

Séance des étudiants

15/06/18

Mustapha Sedjal, Artiste
Titre et résumé à confirmer

La démarche du plasticien Mustapha SEDJAL questionne les notions de Mémoire(s) / Histoire(s) par-delà les références et conventions sociales, culturelles et politiques.Il développe une œuvre multiple, mêlant Histoire et Mémoire. Dans ce « Territoire » de l’« Entre-deux » / Emetteur-Récepteur, Il développe des œuvres (vidéo, installation, photographie et autres pratiques plastiques) en rapport avec notre actualité. L’artiste s’intéresse aux différents sens de l' »événement », aussi minime soit-il, à sa réactualisation. Il questionne par la dé-construction notre rapport à l' »autres ». Mustapha SEDJAL explore avec curiosité les possibilités que lui offre divers médiums. Sa pratique va ainsi du dessin, la photographie et la vidéo en passant par l’installation. Son travail a été présenté au sein de nombreuses expositions personnelles. Il a participé à plusieurs expositions collectives. Ces vidéos ont été sélectionnées dans le cadre de plusieurs festivals d’art vidéo.

Présentation du dossier / Presentation of the issue

L’École d’automne de l’ARVIMM, qui s’est déroulée du 31 octobre au 3 novembre 2016 à l’IISMM-EHESS et au Centre Georges Pompidou à Paris (voir la présentation et le programme), avait pour objectif d’identifier et d’élaborer les questions qui sont au cœur de la recherche actuelle sur l’art moderne et contemporain dans les pays musulmans. Les matinées étaient consacrées à des acteurs importants des musées ou de la recherche. Chaque après-midi était animé par les étudiants qui présentaient une sélection de lecture, ouvrant ensuite un débat vivant et engagé.
Le présent dossier présente des comptes-rendus des quatre journées rédigés par les 12 étudiants. Nous les remercions chaleureusement pour leur enthousiasme et leur sérieux.

The “École d’automne” of ARVIMM held in Paris from the 1rst of October to the 3rd of November 2017 at the IISMM-EHESS and at the Centre Georges Pompidou in Paris (see the presentation and the programm). It aimed to identify and elaborate current issues for research on Modern and Contemporary Art in Muslim countries. Each morning was dedicated to key actors in the field, and each afternoon was animated each day was animated by the  participants’ presentations of a group of selected readings, followed by lively and engaged discussions,
This issue gathers the reports of each day written by the 12 students. We kindly thank them for their enthusiasm and their consciousness.

De gauche à droite: Zahra Jahan Bakhsh, Lillian Davies, Nabila Mokrani, Joan Grandjean, Tania Hautin-Trémolières, Alix Hugonnier, Mirl Redmann, Meryem Moulay, Nadine Atallah, Maud Houssais, Zouina Ait-Slimani, Sarah Johnson, Alain Messaoudi, Silvia Naef, Elahe Helbig, Fanny Gillet, Perin Emel Yavuz

Dossier coordonné par Fanny Gillet, Alain Messaoudi, Silvia Naef et Perin Emel Yavuz

Sommaire


Pour citer le dossier 

Gillet, Fanny, Messaoudi, Alain, Naef, Silvia & Yavuz, Perin Emel (dir.), Dossier « Pratiques curatoriales. École d’automne 2016 » [en ligne], ARVIMM, 2017. URL : https://arvimm.hypotheses.org/category/magazine/dossiers/01-pratiques-curatoriales-ecole-dautomne-2016

 

 

Histoires de l’art dans le monde musulman (Maghreb et Moyen-Orient), XIXe-XXIe siècle – 2ème Année

Image à la une : Lamia Joreige, Beyrouth autopsie d’une ville, chapitre II : « Beyrouth 1001 vues », Vidéo HD, 16 min, (2010). Crédits Lamia Joreige. 

 IISMM, salle de réunion, 1er étage, 96 bd Raspail 75006 Paris, 15h à 17h
Après avoir effectué un état des lieux de la recherche sur les arts visuels du Maghreb et du Moyen-Orient lors des deux premières années du séminaire, l’ARVIMM ouvre un nouveau cycle portant sur la production des histoires de l’art dans et sur la région. Trois axes d’interrogation seront abordés. Le premier aura pour but de rendre compte des histoires de l’art produites nationalement, et d’en identifier les acteurs et les usages. Nous tenterons de mettre en lumière les dynamiques régionales à l’œuvre et leur inscription dans des processus politiques comme les mouvements d’indépendance, le panarabisme ou la mondialisation. Un deuxième axe abordera le contexte actuel de réévaluation des modernités extra-occidentales auquel prennent part de nombreuses institutions muséales à l’aune d’outils théoriques tels que l’histoire globale et les études postcoloniales et culturelles, et les écueils (formes d’assignations, universalisme, détermination occidentale des conventions esthétiques). Cet axe sera propice à la comparaison internationale et à la spécification de la situation de la région. Un troisième axe méthodologique abordera la dimension patrimoniale de la production des histoires de l’art, à travers la question de la conservation des œuvres et des archives, de leurs accessibilités dans un moment historique traversé par les conflits, où les productions artistiques sont au cœur du débat public sans constituer pour autant une priorité politique.

Calendrier

18/11/16

Svetlana Sequeira Costa, co-founder and artistic director, Arts Cabinet, London
Towards new models of cooperation between artists and researchers

02/12/16

Bernard Müller, Docteur en anthropologie, chercheur, dramaturge et concepteur de programmes culturels
Anthropologie, art et utopie.Du terrain comme pratique conviviale

16/12/16

Anahi Alviso-Marino, Post doctorante associée, CESSP/CRAPUL/CEFAS, Hybridités, circulations et influences dans les arts visuels du Koweït : premières analyses de terrain

06/01/17             

Séance consacrée aux travaux des étudiants (annulée)

20/01/17  

Nicolas Schaub, Docteur en histoire de l’art contemporain, Postdoctorant Deutsches Forum für Kunstgeschichte,
L’illusion d’un territoire. La Société coloniale des artistes français et l’Afrique du Nord, 1907-1935

03/03/17

Mirna Boyadjian, doctorante en esthétique, Université de Paris 8
La narration spéculative chez Walid Raad, Jalal Toufic, Joana Hadjithomas et Khalil Joreige comme puissance collective dans le contexte de l’après-guerre au Liban
Séance spéciale animée par Claudia Polledri en direct de Montréal via Skype

17/03/17

Programme à définir

21/04/17

Séance des étudiants

05/05/17

Entretien de l’artiste Sima Khatami, artiste par Cécile Camart, historienne de l’art, MCF Université de la Sorbonne Nouvelle

Valérie Mavridorakis, professeure HES à la HEAD-Genève, historienne de l’art spécialiste de l’art américain des années 1960
Siah Armajani, entre Amérique rêvée et Iran perdu

19/05/17

Estelle Sohier, Chargée de cours et collaboratrice scientifique, Département de géographie et environnement, Université de Genève,
De Genève au Caire : le fonds photographique Boissonnas (1930-1932) et le patrimoine visuel de l’Egypte

02/06/17

Marion Slitine, doctorante en anthropologie, EHESS
Écrire l’histoire de l’art dans un contexte colonial. Le cas de la Palestine (titre provisoire)

École d’automne de l’ARVIMM « Pratiques curatoriales et construction des histoires de l’art des mondes musulmans » — 31 octobre-3 novembre 2016, Bibliothèque universitaire des langues et civilisations, Centre Georges Pompidou, Institut d’Étude de l’Islam et des sociétés du monde musulman, École des hautes études en sciences sociales, Paris

Continuer la lecture de École d’automne de l’ARVIMM « Pratiques curatoriales et construction des histoires de l’art des mondes musulmans » — 31 octobre-3 novembre 2016, Bibliothèque universitaire des langues et civilisations, Centre Georges Pompidou, Institut d’Étude de l’Islam et des sociétés du monde musulman, École des hautes études en sciences sociales, Paris

Appel à contribution : Dossier “Arts visuels en terres d’islams : nouvelles approches, nouveaux enjeux”, REMMM — LIMITE : 01/12/2015

Dossier thématique Revue des mondes musulmans et de la Méditerranée

Arts visuels en terres d’islams : nouvelles approches, nouveaux enjeux

Annabelle Boissier, Fanny Gillet, Alain Messaoudi et Perin Emel Yavuz

Ce dossier thématique a pour objectif de dresser une cartographie de la recherche portant sur les arts plastiques modernes et contemporains dans les pays où l’islam est la principale référence religieuse. À la différence du cinéma, du théâtre ou de la littérature, les arts visuels contemporains ont peu bénéficié de l’attention des chercheurs, et ce malgré un renouveau d’intérêt alimenté par l’actualité socio-politique des « révolutions arabes ». Nous proposons d’étudier les différents ensembles disciplinaires à partir desquels se développent les recherches sur l’art contemporain en examinant les méthodes et les outils d’analyse qui ont été utilisés depuis l’émergence de l’art moderne au Maghreb et au Moyen-Orient. Il s’agit de déterminer la place occupée par ce corpus au sein des disciplines instituées que sont l’histoire de l’art, la sociologie de l’art, l’histoire et l’anthropologie culturelle. Nous interrogerons aussi les usages des systèmes d’assignation qui servent de cadre pour appréhender ces productions (arabe, musulman, méditerranéen, du sud, périphérique…) lesquels ont également un impact sur les objets et les individus qui circulent au sein de marchés et d’institutions dédiés à l’art moderne et contemporain.

Historiographie de l’art moderne et contemporain

Un premier axe, historiographique, vise à rendre compte de l’évolution de la production académique sur ces objets. En effet, malgré les travaux fondateurs de Silvia Naef proposant une analyse socio-historique des modernités artistiques au Moyen-Orient, les perspectives culturalistes ont dominé les débats attribuant souvent une fonction explicative centrale à la tradition, qu’elle soit religieuse (avec la notion d’art islamique) ou non, en faisant courir le risque d’occulter d’autres facteurs permettant de comprendre la production artistique et le phénomène créatif. Par ailleurs, les discours produits au sein des mondes de l’art tendent à isoler la production contemporaine de toutes références passées. Or, il nous semble que l’on peut gagner en compréhension en la réinscrivant dans une perspective temporelle. Nous proposons donc d’analyser les travaux universitaires et le discours des mondes de l’art depuis la période moderne, en portant attention au contexte de leur émission, aux circulations et aux transferts, aux effets de traduction, aux appropriations et aux réappropriations. Les contributions pourront participer d’une sociologie ou d’une histoire de la connaissance soucieuse de réinterroger l’historiographie et présenter des méthodologies d’analyse susceptibles de concourir à un renouvellement des perspectives.

Les processus d’assignation et leurs usages

Ce dossier doit également permettre de questionner les répercussions des processus d’assignation sur les œuvres, à une échelle locale, nationale ou transnationale. On pourra par exemple interroger les glissements sémantiques du qualificatif d’art islamique vers celui d’art moderne/contemporain arabe/iranien/turc. Ces caractérisations ethniques ou nationales sont souvent convoquées pour valoriser un processus de sécularisation de la production artistique n’abolissant pas nécessairement l’assignation précédente. Nous nous interrogerons donc sur l’articulation des différentes catégorisations, leur élaboration conjointe dans le champ de l’art et leurs effets dans la réception et la compréhension des œuvres. Inversement, il serait intéressant de pouvoir mesurer la contribution des arts visuels à la construction à la fois savante et imaginaire d’un « espace musulman ». Pourront y contribuer l’analyse des textes qui accompagnent les productions visuelles (intitulés des œuvres, écrits sur l’art) ; la matérialité des productions visuelles elles-mêmes ; ou encore les circulations des œuvres, qu’elles obéissent à des logiques marchandes (galeries, sociétés de ventes aux enchères…) ou institutionnelles (échanges diplomatiques, musées, expositions itinérantes, annuelles ou biennales…).

Organisations sociales des mondes de l’art et pratiques artistiques

Le point aveugle de ces processus d’assignation est bien souvent le contexte de production des œuvres. Nous proposons donc de consacrer une partie du dossier à l’organisation sociale des mondes de l’art locaux et aux pratiques de leurs acteurs. Ces mondes obéissent à des logiques qui ne se réduisent pas aux cadres généraux politiques, religieux ou culturels dans lesquels ils s’inscrivent, ni aux seules dynamiques de la scène artistique internationale. Les artistes, qu’ils acceptent, refusent les systèmes d’assignations ou en jouent, sont parties prenantes d’un processus général de mondialisation auquel l’Islam n’échappe pas et dont les artistes produisent des interprétations. Leurs réponses ne sont pas seulement, ou nécessairement, inscrites dans leurs œuvres, mais aussi dans les activités qu’ils élaborent et dans des pratiques qui se normalisent au sein d’un monde de l’art qu’ils ont contribué à créer. Nous appelons donc à des études des scènes artistiques locales ouvertes au dialogue avec des travaux portant sur d’autres aires géographiques et culturelles, de façon à éviter d’enclaver les œuvres et leurs créateurs dans des définitions posées a priori.

Les contributions adoptant une démarche comparatiste ou proposant de nouvelles échelles d’observation seront donc les bienvenues. Les textes devront apporter une attention particulière à la présentation des données empiriques et aux méthodes qui ont permis de les rassembler. Ce numéro voudrait en effet contribuer à faire connaître des méthodologies originales développées sur des terrains encore mal connus. Les propositions peuvent s’inscrire dans différentes traditions disciplinaires. Mais les démarches interrogeant les effets de l’interdisciplinarité dans la construction d’un champ de pensée nouveau seront particulièrement appréciées. Si la qualité des propositions le permet, celles-ci pourraient constituer un axe spécifiquement méthodologique.

Pour résumer, sont attendus des articles portant sur les arts contemporains de la région selon des perspectives scientifiques historique, esthétique, sociologique, anthropologique, politiste ou pluridisciplinaire ; ils peuvent s’intéresser aux objets eux-mêmes ou aux institutions dédiés à l’art contemporain, au développement des recherches sur ces questions ou interroger les pratiques contemporaines à l’aune de la modernité.

Les propositions (4 000 signes maximum) seront envoyées par courriel à annabelle.boissier@gmail.com et alain.messaoudi@ehess.fr avant le 1er décembre 2015.

Envoi des articles sélectionnés (45 000 signes) avant le 1 septembre 2016.

The Visual Arts in Islamic Lands: new approaches, new challenges

This thematic dossier proposes to map contemporary research on modern and contemporary visual arts in countries where Islam is the main religious reference. Unlike the cinema, theatre or literature, contemporary visual arts have received little attention from researchers, despite a renewed interest fuelled by the socio-political events of the « Arab revolutions ». We propose to study the different disciplinary sets from which contemporary art has developed, examining the methods and analytical tools that have been used since the emergence of modern art in the Middle East and Maghreb. Our purpose will be to determine the place of this work within the established disciplines of art history, sociology of art, history and cultural anthropology. We will also investigate the uses of assignment systems that provide the framework for understanding these productions (Arab, Muslim, Mediterranean, southern, peripheral …), systems which equally impact the objects and people moving within markets and institutions dedicated to modern and contemporary art.

Historiography of modern and contemporary art

A first axis, historiographical analysis, is intended to reflect the evolution of academic production on these objects. Indeed, despite the seminal work of Silvia Naef who proposed a socio-historical analysis of artistic modernity in the Middle East, culturalist perspectives have dominated the debate by giving tradition a central explanatory function, whether religious (with the notion of Islamic art) or not, and therefore threatened to obscure other factors that would help understand the artistic production and the creative phenomenon. Furthermore, the discourses produced within the worlds of art tend to isolate contemporary production from all past references. However, it seems that we can gain better understanding by re-registering it in a time perspective. We therefore propose to analyze the academic work and the discourse of the worlds of art since the modern period, with attention to the context of their issue, to traffic and transfers, translation effects, appropriation and re-appropriation. Contributions may participate in a sociological approach or a history of knowledge concerned with re-examining historiography and present analysis methodologies which may contribute to a renewal of perspectives.

Assignment processes and their uses

This dossier must also make it possible to question the impact of assignment processes on the works, locally, nationally or transnationally. One could, for instance, investigate the semantic shifts of the term ‘Islamic Art’ to modern / contemporary Arab / Iranian / Turkish art. These ethnic or national characterizations are often called upon to develop a process of secularization of artistic production that does not necessarily abolish the previous assignment. We will therefore explore the articulation of the different categorizations, their combined development in the field of art and their effects in the perception and understanding of the works. Conversely, it would be interesting to measure the contribution of visual arts to the construction both learned and imaginary of a « Muslim space ». Studies may be based on the analysis of texts accompanying visual productions (work titles, writings on art); the materiality of visual productions; or the transfer of works, whether through market logistics (galleries, auction companies …) or institutional channels (diplomatic exchanges, museums, annual or biennial traveling exhibitions…).

Social organizations of the worlds of art and artistic practices

The blind spot of the assignment process is frequently the context of production of the works. We therefore propose to devote part of the dossier to the social organization of the local art worlds and practices of their stakeholders. These worlds follow a logic that cannot be reduced to their political, religious or cultural frameworks, no more than to the sole dynamics of the international art scene. Whether they accept, refuse or defy assignment systems, artists participate in a general process of globalization that Islam cannot escape from and of which artists produce interpretations. Their responses are not only, or necessarily, included in their works, but also in the activities they develop and in practices that become normalized within an art world that they helped create. We therefore call for studies of the local art scenes open to dialogue with works on other geographical and cultural areas, to avoid restricting the works and their creators to a priori definitions.

Contributions that take on a comparative approach or propose new scales of observation are therefore welcome. Texts should grant particular attention to the presentation of empirical data and methods that helped bring them together. Indeed, the purpose of this issue is to help introduce original methodologies developed in fields that remain poorly known. Contributions may be based on different disciplinary traditions. But approaches questioning the effects of interdisciplinarity in the construction of a new field of thought will be particularly welcome. Quality permitting, contributions could constitute a specific methodological axis.

In summary, we would welcome articles on the region’s contemporary art according to historical, aesthetic, sociological, anthropological, political scientist or multidisciplinary scientific perspectives; they may focus on the objects themselves or on institutions dedicated to contemporary art, on the development of research on these issues or explore contemporary practices in the light of modernity.

Proposed papers (4000 characters at the most) should be emailed to annabelle.boissier@gmail.com and to alain.messaoudi@ehess.fr before 1 december 2015.

Selected papers of 45 000 characters (maximum) should be received before 1 September 2016.